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Planificación administrativa: qué es, principios, ventajas, clasificación y proceso de planeación administrativa

Ciertamente, la planeación administrativa es un requerimiento fundamental dentro de cualquier iniciativa de negocios que aspira convertirse en una empresa rentable y atractiva dentro de su segmento del mercado. La planificación administrativa es sinónimo de reconocer qué es lo que realmente tiene para ofrecer la compañía, tanto desde el punto de vista operativo como en calidad de producto, y cómo esto puede traducirse en una ventaja considerable con respecto al resto de su competencia.

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¿En qué consiste la planeación administrativa?

La forma más precisa de definir qué es la planeación en el proceso administrativo, es percibirlo como una herramienta que ayuda a materializar toda la filosofía y principios éticos que definen lo que vendría siendo la empresa y cómo la misma reacciona dentro del mercado competitivo.

El mundo de los negocios es un espacio en donde no existe ningún tipo de garantías. Por lo tanto, contar con una planificación administrativa que resulte tan sólido como práctico a la hora de implementar los cambios necesarios para estimular la eficiencia y productividad dentro de la empresa.

Sin embargo, planear en la administración es más que solamente reducir costos e incorporar nuevas herramientas de alta tecnología dentro de la empresa para estimular la producción. Planeación administrativa, también tiene mucho que ver con el mejoramiento progresivo del ambiente de trabajo e implementar políticas laborales que ayuden a reforzar el compromiso de los trabajadores.

La manera más fácil de entender qué es planear en administración, es conociendo cuál es el verdadero beneficio de una filosofía empresarial fuerte y cómo la misma puede plasmarse dentro de un plan administrativo.

Una buena idea es centrarnos en el propio significado de planeación, que puede entenderse como un sistema con una serie de procedimientos que son de utilidad para poder reaccionar de la manera más acertada ante una situación específica. Esto quiere decir que, en sí, la planificación administrativa no es más que un conjunto de principios estratégicos que permiten comprender de qué manera la empresa se percibe así misma y cómo esto condiciona su comportamiento dentro del mercado.   

Los principios dentro de la planificación administrativa

Cohesión

Todo proceso de planeación administrativa debe estar basado en una serie de principios estratégicos y operaciones que resulten fáciles de interpretar. De esta manera, se garantiza que los procedimientos que forman parte de la planificación administrativa de una empresa puedan ser difundidos dentro de cada uno de sus departamentos.

Practicidad

Una planeación estratégica eficiente es aquella que está planteada sobre las capacidades, limitaciones y recursos reales con los que cuenta la empresa para poder ejecutar cada estrategia.

Medición de resultados

Ya en el propio concepto de planeación administrativa, se resalta la importancia de contar con herramientas de análisis cualitativo. Estas son cruciales para medir la eficiencia de cada una de las estrategias que se encuentran dentro de la planificación administrativa y detectar cualquier posible falla dentro del sistema.

Solución de problemas

Brindar soluciones rápidas y eficientes a cada uno de los posibles problemas que se presenten dentro de la compañía, es la mejor forma entender cuál es el propósito de la planeación dentro del mundo corporativo.

Adaptabilidad

Dentro del mundo de los negocios no existen ningún tipo de garantías, por la capacidad que posee cada una de las estrategias del plan de acción parar adaptarse a las situaciones y requerimientos actuales que impone el mercado. Esta realidad nos permite tener una idea mucho más precisa de qué es la planeación en la administración.

La buena planificación administrativa en el mundo de los negocios

Una vez que asimilamos bien a qué se refiere la planeación dentro del área administrativa, resulta mucho más fácil de entender la actitud de muchos expertos con respecto a la planeación administrativa.

Toda empresa que desea ingresar al mercado competitivo tiene que poseer una idea clara de hacia dónde se dirige y cuáles vendrían siendo sus aspiraciones reales dentro del mercado. Y esta es la mejor forma de entender lo que realmente significa la planificación administrativa.

A pesar de lo que muchos piensan, no todo dentro del mundo de los negocios consiste solo en adquirir mayor capital a través de la venta de los bienes o servicios de qué empresa ofrece en el mercado. Especialmente, cuando nos disponemos a analizar la planeación administrativa desde una perspectiva de un mercado mucho más realista.

Dicho de una forma más sencilla, la planificación administrativa es una herramienta que brinda la posibilidad de descubrir el verdadero potencial y la competitividad real de una empresa. A través de un conjunto de estrategias y procedimientos operacionales que le permitan sacar el máximo provecho de sus mejores cualidades.

Las principales características de la planificación administrativa

Lo primero que hay que tener siempre presente en cuanto a las características de la planeación administrativa, es que se trata de una herramienta diseñada específicamente para universalizar procedimientos y protocolos que sirvan de apoyo para que la empresa sea capaz de alcanzar sus objetivos.

Una vez se cuenta con una idea mucho más precisa de qué significa planeación y cuál es la finalidad de cada uno de las estrategias que forman parte del proceso de planeación del proceso administrativo; es posible hacer una deducción bastante aproximada de cuáles pudiesen ser las cualidades más evidentes de cualquier esquema de planeación administrativa.

Eficiencia, productividad y compromiso son factores que están muy presentes dentro del propio concepto de planeación en administración. Ya qué por sí solos, cada uno de ellos posee la capacidad de generar cambios considerablemente positivos dentro de todos y cada uno de los procedimientos que son realizados a diario dentro de la empresa.

Viendo todo esto desde un punto de vista organizacional, tenemos que la planificación administrativa consiste en el uso inteligente de los recursos y cualidades de la empresa con el fin de crear un plan de acción que le permita a la misma hacer mejoras significativas en su producción diaria. Y todo esto, a través de procedimientos y protocolos que a la larga no representen un gasto demasiado grande para la compañía en lo que respecta a capital y recursos.

Al estar muy consientes de qué es planeación en el proceso administrativo, se puede concluir que entre las principales características de la planeación administrativa encontramos:

Organización

Resulta prácticamente imposible no pensar en la propia definición de planeación administrativa, sin detenernos brevemente a analizar con detenimiento el peso real que tiene la organización. Ya que cuando se trata de actividades que involucra procedimientos operativos con costos operativos tan considerables como es la oferta de bienes y servicios, la organización se convierte en un factor de extrema importancia dentro de la planificación administrativa de una empresa.

Definición de un sistema de trabajo

A pesar de que muchas empresas ofertan bienes y servicios muy similares, los procedimientos y protocolos implementados para la elaboración de sus productos son totalmente distintos. Esto se debe a que cada compañía posee una visión muy particular de sus recursos y cómo sacarles el máximo provecho.  

Perdurabilidad

Es importante tener presente que la planeación administrativa, es que se trata de una herramienta diseñada para garantizar la permanencia de la empresa dentro del mercado. Por lo tanto, resulta difícil no pensar en la perdurabilidad como una de las principales características de la planificación administrativa.

Eficiencia

Dentro de la propia definición de planeación en administración, ya se menciona a la eficiencia como la propia finalidad de la planificación administrativa como herramienta administrativa de uso institucional. 

Flexibilidad

Siempre existe una posibilidad de que en algún momento la compañía tenga que hacerle frente a una situación que quizás no se había previsto con anterioridad; pero, que cuenta con los recursos humanos y administrativo para solventarla. Y es justo en este punto, en donde la flexibilidad sale a relucir como una ventaja estratégica dentro de los principios de la planeación administrativa.

Universalidad

Todas las actividades y procedimientos asociados con un sistema de planificación, deben estar plasmados de una forma que puedan hacer llegar la información de manera clara y precisa. Especialmente, cuando se tratan de estrategias que involucran máquinas y personal especializado en un área específica, como es el caso de la planificación administrativa.

Compromiso

Probablemente, el compromiso son resulte una de las características que suelas asociar qué entiendes por planeación. Aunque, si se analiza con detenimiento la influencia que tiene el compromiso en lo que se refiere a la eficiencia y precisión de los procedimientos industriales, lentamente todo empieza a cobrar más sentido.

Tiempo

No cabe dudas de que, el tiempo es una de las características claves de la planeación administrativa como herramienta de desarrollo administrativo. Sobre todo, si se tiene en cuenta todo lo que involucra el desarrollo e implementación de estrategias para mejorar la productividad y eficiencia de una empresa.

Planeación administrativa: ventajas y desventajas

Siempre resulta conveniente para una empresa contar con una buena planeación y proceso administrativo definidos para poder expandirse y adquirir mayor notoriedad dentro del mercado competitivo. Pero, esto no quiere decir que sea una herramienta infalible.

Al igual que muchas otras herramientas organizacionales, la planificación administrativa cuenta con una serie de limitaciones que pueden comprometer enormemente su eficiencia e incluso rentabilidad.

No debemos perder jamás el foco que la planeación administrativa se trata de un sistema que ayuda a estructurar protocolos para superar determinadas situaciones dentro del mercado. Sin embargo, la propia naturaleza tanto del mercado como los hábitos de consumo de las personas hacen que resulte una tarea casi imposible poder proyectar una empresa a través del tiempo.

Teniendo en consideración a estos dos elementos, es completamente posible tener una idea bastante aproximada de lo que serían las verdaderas ventajas y desventajas que trae consigo el diseño, armado y ejecución de cada uno de las estrategias que forman parte de la planificación administrativa de una empresa.

Ventajas

Promueve la eficiencia

Un punto a favor de la planeación administrativa, es que se trata de un sistema que permite conocer el potencial real de una empresa dentro del mercado. No cabe dudas que esto resulta algo extremadamente ventajoso, incluso si se trata de bienes y servicios ofertados en un entorno competitivo tan impredecible como es el mercado digital.

Cumplimientos de objetivos

Mucha de la teoría sobre la planeación como función administrativa, dibuja a la planeación administrativa como una herramienta organizacional diseñada, teniendo como referencia los objetivos estratégicos que posee la empresa. Pues, se trata de un sistema muy definido y enfocado en las cualidades reales que posee la compañía. 

Potencial de la empresa

No es exagerado afirmar que toda empresa cuenta con las herramientas necesarias para poder consolidarse con un puesto sólido dentro del mercado competitivo. Lo único que se necesita es contar con una herramienta organizacional como el planeamiento administrativo, el cual permite reconocer cuáles son los puntos a favor que posee la compañía y cómo estás pueden traducirse en un sistema que les permita alcanzar sus objetivos institucionales y de mercado.

Desarrollo de estrategias únicas

Otra de las ventajas de la planificación administrativa, es que es una herramienta la cual brinda la oportunidad de diseñar sistemas de trabajo y procedimientos administrativos que estén mucho más acorde con las necesidades reales de la empresa en ese momento. Esto con el tiempo se traduce, en la implementación de un sistema de trabajo único dentro del mercado.

Adaptación a las condiciones del mercado

La planificación administrativa no tiene por qué ser percibida como un sistema rígido e inalterable. De hecho, una de las principales características de cualquier planeación administrativa, es la capacidad de la misma para ajustar las políticas y estrategias de manera que estás permitan cubrir con las exigencias de los consumidores.

Desventajas

Imprevistos

Sin importar que tan sólida pueda parecer la planificación administrativa de una empresa, siempre existe la posibilidad de un imprevisto.  Y es justo en este tipo de circunstancias, cuando las empresas pueden llegar a experimentar pérdidas en considerables tanto de capital, recursos e incluso talento humano.

Poca proyección a futuro

Generalmente, la planificación administrativa se diseña con base en la situación actual de la empresa. Por lo tanto, no es raro que, a medida que pasa el tiempo, muchas de las estrategias planteadas comienzan a quedar obsoletas o requieren de una reestructuración completa para poder ajustarse a los requerimientos actuales del mercado.

Mercado impredecible

Este aspecto siempre ha sido percibido como el talón de Aquiles de la planeación administrativa dentro del mundo de los negocios. Sobre todo en la actualidad, en donde muchas de las ventajas estratégicas que brindan las nuevas tecnologías han hecho que los consumidores sean cada vez más demandantes y exigentes con los productos.

Costos operativos

Incluso el cambio más sutil dentro de un sistema de planificación administrativa, es una decisión que involucra un gasto importante para la junta directiva y sus accionistas. Por eso, cada cambio estratégico dentro de la planeación administrativa debe ser analizado y meditado a profundidad antes de comenzar a ejecutar cualquier estrategia.

Tiempo

Paradójicamente, el mismo elemento que pueda corroborar la eficiencia y rentabilidad de las estrategias que forman parte de la planificación administrativa; también, puede convertirse en un factor de riesgo si los planes organizacionales no se ejecutan con la inmediatez requerida.

Niveles de planificación administrativa

Cuando se analiza con detenimiento lo que es realmente la planificación administrativa y qué función cumple la misma dentro del mundo corporativo; se vuelve cada vez más evidente que debe de existir un sistema de clasificación de planeación administrativa.

Algo que se tiene que tener muy presente, es que la división que existen entre cada una de las estrategias que aparecen reflejadas dentro del sistema de planeación administrativa responden a necesidades reales y muy frecuentes dentro de cada compañía.

Si bien a lo largo del artículo hemos señalado que cada empresa posee requerimientos bastante específicos, existen algunas necesidades comunes que todo plan administrativo debe de abordar para promover la eficiencia dentro de la compañía. Estos requerimientos son los que dan origen a cada una de las divisiones que existen en la mayoría de los sistemas de planeación administrativa de la actualidad.

Entre las principales divisiones que existen en toda planeación administrativa para garantizar la eficiencia y rentabilidad de cada estrategia aplicada dentro de la empresa tenemos:

Operativa

La parte operativa es uno de los puntos más cruciales dentro de cualquier planificación administrativa. Pues es bien sabido por todos que una parte importante de la eficiencia de una empresa, se mide a través de los procesos requeridos para fabricar el producto final.

Organizativa

Ya en la propia tipología de la planeación administrativa, se hace una referencia muy directa hacia lo que es el organigrama y la jerarquía dentro de la empresa. Una sólida estructura organizativa es algo ideal para el desarrollo y consolidación de la empresa dentro del mercado, especialmente en una época en donde las nuevas tecnologías han influido considerablemente en los hábitos de compra de los consumidores.

Estratégico

Como herramienta del mundo corporativo, el principal objetivo de la planeación administrativa es diseñar protocolos y sistemas de trabajo que permitan impulsar cambios positivos dentro de la empresa. Sobre todo en lo que respecta a la cantidad de artículos que se producen diariamente y la calidad de las materias primas utilizadas para elaborar el producto final.

De desarrollo

Todas las estrategias y procedimientos que forman parte de la planeación administrativa de una empresa, se diseñan tomando como referencia la situación actual de la empresa. Pero, teniendo siempre en consideración la proyección y el alcance que las mismas pueden llegar a tener a medida que pasan los años.

Pasos para una buena planeación administrativa

Evidentemente que al tratarse de una herramienta organizacional con una proyección tan grande dentro de la compañía, crear un modelo de planificación administrativa no es precisamente un “juego de niños”.

Pero, y aunque parezca contradictorio, estructurar una planeación administrativa para una compañía es un proceso que se basa más en el racionamiento lógico de las situaciones que en el análisis frecuente de datos. Todo se centra en el reconocimiento de las necesidades y los recursos que posee la empresa en un determinado momento.

Una vez teniendo esto presente, la planeación de la administración de la compañía empieza lentamente a cobrar sentido. Solo resta diseñar un sistema de trabajo y filosofías corporativas que ayuden a obtener los resultados que se desean por medio de estrategias administrativas concretas y ajustadas a la situación real de la empresa.

La mejor forma de describir a la planificación administrativa dentro del mundo de los negocios actuales, es percibirlo como un proceso que brinda la oportunidad de analizar lo que la empresa posee y cómo esto puede ayudarle a conseguir lo que quiere, tanto dentro del mercado competitivo como con cada uno de los profesionales que trabajan en los diferentes departamentos que la conforman.

Para hacer una buena planeación administrativa de una empresa, es necesario cumplir con algunos pasos cruciales. De esta manera, nos aseguramos de que realmente exista cierta coherencia entre las estrategias que se plantean dentro del plan de acción y las metas que posee la compañía como institución que se encarga de ofertar productos para el consumo.   

Definir la visión y misión

La forma más efectiva para saber qué desea una empresa y cuál es la imagen que desea proyectar, es estudiando su visión y misión. Esto permitirá tener una idea mucho más completa de las necesidades reales de la empresa y cómo pueden ser abordadas a través de la planificación administrativa.

Establecer objetivos realistas

Otro punto de vital importancia, especialmente dentro de cualquier planeación administrativa, es estudiar a fondo los objetivos generales y específicos de la empresa para desarrollar un plan estratégico que sea tan eficiente, como práctico para ejecutar dentro de la empresa.

Construir un plan de acción

Un plan de acción es, básicamente, la forma que toma la planeación administrativa de una empresa una vez se tiene en claro cuáles son los objetivos y la situación actual de la empresa dentro del mercado. Desde el punto de vista estratégico, este es uno de los pasos que más tardados; puesto a que una buena planeación administrativa involucra un estudio muy minucioso de cada una de los requerimientos y necesidades que deben ser cubiertas para que la empresa trabaje de forma más eficientemente.

Ejecutar las estrategias

Después de que el plan de acción ha sido estudiado, discutido y aprobado por la junta directiva; el siguiente paso en la planeación administrativa es ejecutar cada una de las estrategias que forman parte del plan de acción.

Analizar los resultados

El hecho de que una estrategia se esté siendo implementada dentro de cada uno de los departamentos que conforman la empresa, no quiere decir que el proceso de planificación administrativa pueda darse por terminado. Se necesita hacer un seguimiento constante de todas y cada una de las actividades que se llevan a cabo dentro de la empresa para poder tener una idea más precisa de cómo estas influyen sobre la productividad y eficiencia de la misma.

Si algo debemos tener muy en claro, es que para sobrevivir en el mundo de los negocios es necesario contar con el apoyo de una buena planificación administrativa. Ya que la planeación administrativa no solo permite poner a prueba cada uno de los procedimientos y protocolos establecidos para estimular la productividad dentro de la empresa; también, nos ayuda a tener una comprensión mucho más amplia de la naturaleza de la misma dentro del mercado competitivo y cómo esta se manifiesta a través de las metodologías y filosofías de la compañía que existe dentro de cada uno de los bienes y servicios que ofrece al público.

Tipos de CPU: características, partes, funciones y ejemplos de todos los modelos de CPU

Todos los diferentes tipos de CPU tienen la misma función: Resolver problemas matemáticos y tareas específicas. En este sentido, son algo así como el cerebro del ordenador. Los diferentes modelos de CPU tienen características únicas que impactan de manera directa en la velocidad y eficiencia de los equipos. Estas Unidades de Procesamiento Central (otro nombre del CPU) se pueden clasificar de diversas formas, aunque se suele tomar en cuenta principalmente el número de núcleos. A continuación, se describe que es el CPU y sus partes, así como los tipos, haciendo énfasis en los CPU de computadora.

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Procesadores de un solo núcleo

Los procesadores de un solo núcleo fueron el primer tipo de CPU conocido. Las computadoras que funcionaron con este tipo de CPU no podían ejecutar más de una tarea a la vez, por lo que su aplicación fue limitada. Para solucionarlo, los programadores crearon un algoritmo con el cual este tipo de procesadores dedicaba solo unos microsegundos a cada tarea y así daba la ilusión de poder hacer más de una a la vez.

Pese a lo arcaico que pueda sonar esto ahora, la función del CPU de la computadora bajo esta arquitectura definiría el rumbo de la tecnología en el futuro. A pesar de que se consideran “descontinuados”, algunos modelos como el AMD Sempron 150 (lanzado en el 2010) pueden llegar a ser funcionales.

Procesadores de dos núcleos

El procesador de dos núcleos (dual-core) fue el primer tipo de CPU multitareas conocido.

Ajustando el tamaño de los componentes y organizando mejor la arquitectura, fue posible juntar más de una unidad de procesamiento independiente dentro del mismo circuito, aumentando de manera exponencial la funcionalidad del CPU.

A partir de entonces, los ordenadores lograron realizar cálculos y tareas de marea paralela. Una en cada núcleo. Con el tiempo, este tipo de CPU también fue perdiendo popularidad frente a otras opciones del mercado que ganaban en eficiencia y consumo energético. Sin embargo, modelos como el famosísimo Intel Core 2 Duo aún se dejan ver en ciertos ordenadores.

Procesadores de cuatro núcleos

Los procesadores de cuatro núcleos (quadcore) son el tipo de CPU estándar actualmente. Aunque existen múltiples características del CPU que definen su eficiencia total, además del número de núcleos, tener al menos 4 asegura que el ordenador en general pueda llevar con relativa facilidad tareas complejas como el procesamiento de efectos de imagen (juegos).

Este tipo de procesadores, a diferencia de los dual-core no disminuyen su velocidad al ejecutar más de un programa, al menos que la tarea sea realmente demandante.

La línea de Intel tiene varios procesadores de cuatro núcleos bastante conocidos como el Intel i3, Intel i5 e Intel i7 (hasta la décima generación).

Procesadores de ocho a dieciséis núcleos

A partir de aquí entramos en la gama alta de procesadores. La función de la CPU con entre 8 y 16 núcleos es resolver tareas relacionadas a la edición o renderizado de modelos en 3D (diseño avanzado), la ejecución de programas con alta demanda de multitareas como los videojuegos y la atención de solicitudes multiusuario, tal como pasa con un servidor en la nube.

Los procesadores Intel i7 fueron uno de los modelos más populares de ocho núcleos y uno de los elementos más vendidos para ordenadores gamer estándar. Las CPU MD Ryzen Zen 3 (que poseen entre 12 y 16 núcleos) también son modelos populares de esta categoría.

Procesadores de usos específicos (16+ núcleos)

Existe un tipo de CPU del que raras veces se habla a nivel comercial estándar.

La función de una CPU de hasta 36 núcleos suele ser el modelado en 3D. Son el tipo de CPU que se esperaría encontrar dentro de los estudios de edición de personajes para videojuegos, el diseño en 3D por parte de expertos en ingeniería o arquitectura o para la edición de escenarios y efectos en una película animada, por ejemplo.

Las torres de servidor que manejan un gran volumen de datos y que atienden las solicitudes de miles de usuarios por segundo (como los servicios de Stream) también son buenos ejemplos de CPU de esta categoría.

Un poderoso procesador que cumple con estas características puede ser el AMD Ryzen Threadripper 3990X.

Otras formas de clasificar la CPU

Aunque la forma más popular de clasificar un procesador siempre será el número de núcleos, es cierto que existen otras características por las cuales pueden dividirse, dejándonos vías alternativas de ver a los CPU, siendo igual de válidas o útiles dependiendo del contexto. Veamos algunas:

Según la arquitectura del fabricante

No todos los procesadores se hacen de la misma forma.

Cada fabricante tiene su propia nomenclatura, esquemas de compatibilidad y arquitectura en general. Usualmente Intel y AMD son los únicos nombres que surgirán al hablar de procesadores, aunque Apple ha hecho innovaciones interesantes en el campo.

  • Intel: Es considerado como el gigante de los microprocesadores. Los CPU Intel suelen encabezar las listas de los más vendidos. La mayoría de los ordenadores en casi cualquier gama usan Intel, siendo el líder en cuanto a ventas.
  • AMD: Es básicamente el único competidor importante de Intel en el ámbito de los procesadores. Es una arquitectura popular dentro del mundo de los videojuegos y los ordenadores de gama alta, donde también compite a la par con el gigante Nvidia. Los procesadores AMD tienen cerca del 40% del mercado.
  • Apple: El gigante norteamericano de Cupertino se ha caracterizado por tener una forma propia de hacer tecnología, lo que los llevó a desarrollar sus propios procesadores para PC (En el pasado usaban Intel). Los CPU de Apple son bastante poderosos y de bajo consumo energético, aunque solo funcionan en los equipos de la empresa.

Según el uso del CPU

Muchas veces (y de manera errónea) cuando se quiere explicar qué es el CPU para niños se hace referencia a todo el casco, armazón o torre del ordenador. Esto es un error, ya que una CPU dependiendo de su uso puede estar integrado en muchos dispositivos y arquitecturas:

  • Portátil: CPU destinado a un circuito integrado como laptops, Smartphone, consolas de videojuegos y demás.
  • Sobremesa: CPU estándar que se encuentra en ordenadores horizontales de oficina.
  • Servidor: Este tipo de CPU está reservado para las salas de datos que almacenan y transmiten información por la red o los servidores.
  • Torre: Ordenadores que se utilizan de manera vertical, haciendo fácil apilarlos cuando se necesitan más componentes o múltiples CPU. Son muy comunes en casa.

Según el rendimiento esperado

Al acercarse a una tienda de informática es muy común escuchar que un procesador es de determinada gama. Estos se clasifican de la siguiente manera:

  • Procesadores de gama baja: Procesadores de uno o dos núcleos (incluso cuatro) que con el tiempo han perdido efectividad frente a otras opciones. Son económicos o viejos.
  • Procesadores de gama media: Son el típico procesador que encontrarías en un hogar o en la oficina. Puede hacer casi cualquier tarea cotidiana muy bien, aunque sufren con programas especializados.
  • Procesadores de gama alta: Procesadores de última generación. Puede correr muchos programas y llevar múltiples tareas sin esfuerzo. Solicitados para actividades específicas como juegos o trabajos que requieran ejecutar funciones poderosas.

Tal como se ha podido apreciar, existen muchos tipos de CPU. Encontrar el adecuado entre todos los modelos de CPU dependerá de la actividad específica que se quiera hacer con ellos y del dispositivo en el que serán integrados. Por esta razón se recomienda no elegir únicamente el más costoso, sino el que mejor se adapte a las tareas.

Pintura oriental: historia, características, tipos de estilos y mejores cuadros orientales (imágenes)

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El lejano Oriente ha dado al mundo valiosos tesoros en diferentes ámbitos, siendo el arte uno de los más preciados de toda la historia. Y es que las obras de arte oriental son una de las expresiones más fascinantes de las milenarias culturas asentadas en el continente asiático. Uno de los más destacados géneros de este arte es la pintura oriental, que cuenta con una variedad de creaciones enmarcadas, principalmente, dentro del arte pictórico chino, japonés y coreano. Si te interesa conocer las principales características del arte oriental, específicamente de la pintura, no te pierdas este interesante artículo, donde además mostraremos algunas pinturas chinas y japonesas antiguas como ejemplo de lo que son los cuadros orientales.

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Repaso por la historia de la pintura oriental

Una de las más importantes características de la cultura oriental y sus múltiples manifestaciones es el interesante recorrido histórico que se ha desarrollado desde tiempos muy remotos. Por supuesto, la pintura oriental también posee un significativo pasado que vale la pena repasar a continuación.

Origen

Como se mencionó previamente, la pintura oriental data desde tiempos prehistóricos, ligada su existencia a la invención del pincel como herramienta principal, la cual hizo su aparición en el Neolítico. A la par de manifestaciones artísticas primigenias como la escultura y la cerámica, la pintura gozó de gran popularidad, tal y como se ha podido determinar a través de diversos hallazgos arqueológicos que demuestran la realización de pinturas en piedra, madera, hueso y otras superficies.

Por otra parte, en la gran mayoría de los dibujos orientales puede observarse la presencia de la caligrafía que, desde su surgimiento, estuvo combinada con el arte pictórico, a tal punto que se considera parte de él.

De los diferentes estilos y técnicas de pintura asiática, los principales son los constituidos en China, Japón y Corea por ser estos tres países los que mayor arraigo han tenido dentro de la evolución estética de la pintura.

Pintura china

 El estilo de pintura china es el más antiguo de todos, emergiendo alrededor del año 10.000 a.C. como una expresión más abstracta que representativa, ya que los diseños primitivos consistían en patrones de espirales, zigzags, puntos y otros trazos realizados como decoración tanto de monumentos funerarios como de obras de cerámica. Tiempo después se fueron incorporando pinturas orientales de paisajes, específicamente entre el año 907 y el 1127  a.C., un periodo que se consideró el más importante dentro de este género pictórico.

El estilo de pinturas empleado en China era el que seguía la técnica de la caligrafía, donde se sumergía un pincel o cepillo en tinta de color para dar forma a las obras a través de pequeñas pinceladas. Más adelante, los diversos tipos de pinturas chinas sirvieron de referente para el florecimiento tanto del estilo japonés como del coreano, por lo que los tres poseen elementos similares en sus obras.

Pintura japonesa

Al igual que en China, Japón tiene una trascendente historia dentro de la pintura oriental, con tal prestigio que es una de las manifestaciones más apreciadas y valoradas dentro de las artes japonesas. Sus inicios se generaron de forma nativa, por ser Japón un territorio aislado por su condición insular, pero no pasó mucho tiempo para que la pintura de esta región recibiera influencia foránea, principalmente de China, donde se desarrollaron las primeras obras dentro de la forma pictórica denominada Yamato-e, un estilo que tuvo su nacimiento durante el periodo Heian, inspirándose en la arte pictórico chino desarrollado en la dinastía Tang.

Lo que más llama la atención dentro de las características del estilo oriental japonés es la asimilación y adopción de la técnica de pintura china para moldearla de acuerdo a su cultura, filosofía y creencias, concibiendo así una estética única que se hizo presente dentro el grabado o ukiyo-e y las pinturas de paisajes y de temática urbana.

Pintura coreana

Tal vez sea el estilo pictórico menos reconocido dentro de las imágenes del arte del Oriente, pero en realidad cuenta con una rica historia que comenzó en el año 3000 a.C. con la modificación de las técnicas pictóricas chinas que, tiempo después, servirían de base primero para la creación de obras con temática budista, característica del periodo de los Tres Reinos y, más adelante, en vísperas de la dinastía Goryeo, la representación de escenas vinculadas al neoconfucionismo y a su sincretismo con el arte chamanista local, conjunción que se concretó finalmente en tiempos del reinado Joseon, época histórica que significó un renacimiento cultural dentro de Corea.

Una de las más destacadas características del arte asiático de origen coreano es la representación de paisajes y escenas con montañas y nubes mostradas de forma nostálgica, aplicando el contraste de oscuridad y luz para agregar este efecto. Entre los estilos de pintura coreana resalta el Min-Hwa o arte popular colorido, muy común en la decoración funeraria, rituales y festividades, el cual tiene como rasgo particular el uso del color en su forma más amplia.

Estilos de pintura oriental

En términos generales, la pintura asiática se concentra en dos estilos, los cuales son:

Gongbi o pincel fino

Consiste en una técnica donde el artista realiza pinceladas precisas, realistas, ordenadas, utilizadas para rellenar un dibujo lineal previamente creado, dando forma a una reproducción exacta y muy detallista. Su nombre proviene del chino gong jin, que significa «ordenado» o «meticulosa mano de obra con pincel».

Aunque tuvo su origen en China, finalmente fue adoptado por Japón para ser el estilo predominante dentro de su pintura.

Xieyi o pincel libre

Contrario a la meticulosidad presente dentro de la técnica gongbi, el pincel libre se orienta más a la libertad y espontaneidad del trazo, lo que recuerda su estrecho vínculo con la caligrafía china porque precisamente de ese género artístico emergió este estilo.

Esta técnica está inspirada en la filosofía taoísta, basada en el respeto hacia la naturaleza y la representación de la esencia de las cosas y su sentido, más que de la apariencia externa. Por tanto, es la preferida dentro de la pintura china.

Algunos ejemplos de pinturas orientales antiguas

Descritos los aspectos más interesantes que se encuentran dentro de la pintura oriental, es momento de presentar algunas de las obras más reconocidas dentro de este arte milenario.

Ciruelo en flor

Un buen ejemplo del estilo de pintura xieyi o pincel libre es esta representación pictórica del icónico símbolo chino de la firmeza que, junto al crisantemo, la orquídea y el bambú, forma parte del grupo llamado los cuatro caballeros de la cultura china. Esta simbólica flor de invierno es una de las pinturas chinas famosas, un factor que se combina armoniosamente con la libertad del trazo que ofrece la técnica de pintura más popular de China.

Pintura oriental - Ciruelo en flor
(JGM~commonswiki, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

La gran ola de Kanagawa

Katsushika Hokusai fue uno de los más renombrados representantes del ukiyo-e japonés, donde por medio del trazado de líneas espontáneas y elegantes, desarrolló una interesante producción artística dedicada más que todo la reproducción de retratos y paisajes. El más sobresaliente de su carrera es esta pintura, que forma parte de la serie Treinta y seis vistas del Monte Fuji.

Pintura oriental - La gran ola de Kanagawa
(Katsushida Hokusai, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Montaña de inmortales

Pintura realizada en 1924 por el afamado artista japonés Tomioka Tessai, uno de los principales exponentes de los movimientos Nihonga y Nanga. En este cuadro representa un paisaje que se inclina hacia lo caricaturesco, basado en su formación dentro del estilo chino bujinga, con pinceladas coloridas realizadas en colores llamativos.

Pintura oriental - Montaña de inmortales
(Picryl).

Faisán dorado y flores de rosas de algodón con mariposas

Pintura cuya autoría se adjudica al emperador chino Huizong, perteneciente a la dinastía Song y ferviente amante del arte, donde destacó como calígrafo y pintor. En lo particular, este cuadro fue desarrollado durante el siglo XI, una época donde el estilo gongbi gozaba de popularidad dentro de las pinturas hechas para las familias reales y más prestigiadas de China.

Pintura oriental - Faisán dorado y flores de rosas de algodón con mariposas
(Zhao Ji, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Retrato de Avalokiteshvara

En Corea, la pintura desarrollada durante la dinastía Goryeo estuvo relacionada con la religión budista, desarrollándose en dicha época cuadros orientales con una belleza inimaginable, como es el caso de esta obra, dedicada al bodhisattva Avalokiteshvara, la representación de la compasión dentro del budismo.

Pintura oriental - Retrato de Avalokiteshvara
(Unknown author, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Primavera reciente

La tinta y la seda fueron dos de los materiales mayormente utilizados dentro de la pintura china y, por consiguiente, los favoritos del pintor paisajista Guo Xi, uno de los más destacados del periodo Song. Esta obra, que representa el comienzo de la primavera en una región montañosa, es la muestra del talento de este pintor al incorporar la policromía por medio de ligeros tonos de color marrón y verde, a pesar del predominio de la tinta china.

Pintura oriental - Primavera reciente
(National Palace Museum, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

El festival Qingming junto al río

Considerada una reliquia nacional en China, se trata de una pintura panorámica que data de los años 1085-1145, cuya autoría se atribuye a Zhang Zeduan, uno de los más célebres pintores de la dinastía Song. En ella se reseña el desarrollo de una festividad tradicional como lo es la conmemoración del día de los muertos.

Pintura oriental - El festival Qingming junto al río
Detalle del cuadro. (Zhan Zeduan, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina

Esta xilografía fue realizada en 1857 por el pintor japonés Utagawa Hiroshige, renombrado exponente de la escuela ukiyo-e. Esta estampa muestra una paleta en colores gris, marrón y azul, donde atrae el realismo con que el artista agregó el elemento de la lluvia por medio de líneas verticales.

Pintura oriental - El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina
(Brooklyn Museum, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Las obras orientales mostradas en este artículo son el reflejo de la estética que caracteriza al arte asiático, uno de los más antiguos de todo el mundo, y que ha servido de espacio para mostrar la evolución cultural de esta región. La pintura oriental, a través de sus géneros chino, japonés y coreano, ha producido importantes obras que relatan el desarrollo artístico generado en estos países, promovido en periodos históricos donde la política, filosofía, religión e intercambio diplomático entre imperios jugó un rol muy significativo para la introducción de nuevas culturas y, por consiguiente, de técnicas pictóricas trascendentales para la consolidación de este tipo de arte tan aclamado hoy en día. Con esta información que hemos proporcionado, ya saber cómo dibujar un dragón chino y plasmarlo en un hermoso cuadro, solo debes elegir el estilo y técnica que prefieras para así crear una obra a la altura de las sorprendentes pinturas asiáticas.

Lenguaje cinematográfico: significado y características de los principales elementos del lenguaje del cine

Una buena forma de comprender todo acerca del cine, sus características y elementos, es identificando el lenguaje cinematográfico, también conocido como el lenguaje del cine. Como es bien sabido “la práctica hace al maestro”, es por ello que el significado de cinematográfica tiene mucho peso para los grandes cineastas que han creado historias maravillosas e inolvidables. A continuación, te contamos qué es el lenguaje cinematográfico y cuáles son los principales elementos del lenguaje.

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La toma

Una de las principales características del cine es la planificación de la toma, que son las imágenes que formarán el metraje. Para las tomas será necesario planificar elementos como el tamaño de la toma, la composición, la posición o ubicación de la cámara, los movimientos, así como también la iluminación y el tipo de configuración del lente de la cámara; todo sobre cinematografía tiene que ver con lo que hemos mencionado anteriormente.

Tamaño de la toma

El tamaño de la toma es uno de los conceptos básicos que componen el lenguaje cinematográfico. Por tamaño, como lo indica su nombre, los directores pueden fijar el cuán grandes se pueden ver las cosas en la imagen, y para ello también se valen de los planos, para poder mostrar diferentes partes del escenario.

Planos

Un plano permite al director obtener una proyección de la toma con respecto al espacio de la figura humana; por ejemplo, el Primer Plano, el cual es una toma que se posa cerca de un personaje u objeto. Otros tipos de planos que son elementos visuales del cine:

  • Plano general: Muestra a un personaje de forma general en relación con su entorno.
  • Plano general extremo: Se aleja tanto del personaje que ya no es visible en su entorno.
  • Plano de seguimiento: Plano en movimiento lateral que se utiliza para documentar un paisaje o para seguir un personaje en su movimiento.
  • Punto de vista: Muestra la acción y las situaciones a través de los ojos de un personaje específico.

Posición y ángulo de la cámara

Además de filmar tomas de diferentes tamaños, los directores de cine deben enfocarse en otros elementos de una película, como lo es la posición y el ángulo de la cámara; es necesario filmar desde diferentes lugares, para obtener ángulos inusuales, dinamismo y variedad en las tomas y en la ejecución de la fotografía.

Los cineastas pueden recurrir a la Regla de los 180 grados para lograr tomas de diferentes tipos de ángulos, como el alto y el bajo, la vista de pájaro, etc. También pueden optar por hacer tomas frontales, laterales, con una vista de tres cuartos o directo en la línea de los ojos.

Encuadre

El manejo del espacio fílmico necesita del encuadre para poder establecer el contenido visual de una serie de fotograma, los cuales se pueden ver desde una cámara fija. Desde que existe el séptimo arte, el encuadre en el cine se ha utilizado para encuadrar una toma y describir los bordes de la lente de la cámara; es necesario para avanzar en la narrativa de la película y también se desarrolla con los planos.

Espacio principal

El encuadre también se define por el espacio principal, que es parte de la línea de visión del marco en primer plano, la cual se utiliza cuando se graban conversaciones en las que el personaje del que se está hablando no aparece en la pantalla.

Regla de los tercios

Asimismo, la regla de los tercios, que son puntos de enfoque distribuidos en intersecciones de dos líneas horizontales y dos verticales, que divide la pantalla en tercios, también es parte del lenguaje cinematográfico. Este es uno de los elementos cinematográficos que se enfoca en la distribución visual, ya que en una intersección, el ojo humano tiende a moverse a lo largo de la línea vertical u horizontal hacia otra intersección.

Composición

Otro de los elementos de producción cinematográfica es la composición. Principalmente, la composición tiene que ver con la organización de la toma, es decir, como director debes saber exactamente qué poner en la toma, qué puedes omitir y cómo organizar las cosas en el desarrollo de tu película.

La composición ayuda a lograr un material audiovisual natural, pero no se aleja de las formalidades y respeta las reglas, porque los cineastas se pueden apoyar en distintos planos y encuadres para lograr su toma deseada. 

Movimiento

El movimiento también forma parte de los elementos de la película, puesto que la mayoría de las películas cuentan con algún tipo de movimiento para aportar dinamismo y acción al metraje. Los cineastas pueden simplemente apoyarse en la steadicam para mantener la cámara fija y mostrar movimientos sutiles sin que se noten temblores, o bien puede probar con movimientos de cámara como el panorámico o seguimiento para moverse por un espacio del encuadre.

La lente

El buen uso de la cámara es sumamente importante como uno de los elementos de la cinematografía. En este caso, la lente debe ser bien manipulada para poder lograr las tomas que requiera la película; por ejemplo, la toma gran angular se utiliza para acercarse o hacer que las cosas sean dramáticas, mientras que las tomas de teleobjetivo se utilizan como una exageración: agranda las cosas si no puedes acercarte. 

El uso de la lente tiene que ver con el enfoque de la cámara en escena y con respecto a las cámaras más grandes, tienen la opción de poder cambiar el enfoque para seleccionar las partes importantes de la toma. Aquí es donde el director puede utilizar los ángulos a su favor. 

Exposición

Otro de los elementos de cine es la exposición, que es una de las primeras cosas a considerar al crear una toma que no es lo mismo que iluminación, pese a que sí están relacionados. La cámara tiene parámetros establecidos para controlar la exposición, mientras que la iluminación tiene que ver con un factor ambiental.

Las cámaras pueden regular la exposición por sí mismas si están en modo automático, y eso es evidente cuando mueves la cámara y ves que la imagen se oscurece o se desvanece repentinamente. Es por ello que los cineastas deben poder manejar y controlar la exposición según sus criterios para poder tener más control sobre el aspecto de la película que están rodando.

Luz y color

Entender las características de lo qué significa cinematográfico con respecto al lenguaje es poder identificar términos que estén relacionados con el proceso audiovisual. La luz y el color ayudan a ver mejor las cosas en la pantalla, pero también pueden dar información sobre el estado de ánimo (alegre, triste, enojado) del actor, o de si se encuentra en una escena romántica o aterradora, sin necesidad de anunciarlo. Solo se necesitan luces y reflectores.

La iluminación

Las luces de tamaño mediano (una ventana o lámpara), brindan un buen equilibrio de brillo a la toma y puede generar cambios sutiles. Sin embargo, es la posición de la luz la que le da sentido a lo que quiere expresar el director; por ejemplo, la luz desde un ángulo de 45 grados frente al sujeto y por encima, da profundidad a la imagen. En contraste, la iluminación de bajo perfil puede denotar melancolía, y la iluminación desde abajo genera un aspecto sombrío en el personaje. 

Los colores

El color es una parte importante de lenguaje del cine, porque los directores se pueden valer del uso del color para expresar un estado de ánimo o emoción, para decirle a la audiencia qué está sucediendo con el personaje y su entorno sin tener que anunciarlo. Los colores realmente pueden cambiarlo todo en el metraje; por ejemplo, los colores fuertes y saturados hacen que todo se vea hiperrealistas o caricaturescos, mientras que los colores débiles pueden evocar pobreza, tristeza o melancolía.

Sonido

Asimismo, el lenguaje del cine también tiene que ver con el sonido, que es una herramienta cinematográfica muy poderosa que ayuda a los guionistas y directores a contar su historia y ayudar a generar un impacto por medio de las sensaciones que pueda generar la combinación de la escena con el sonido. 

La banda sonora puede incluir sonidos naturales grabados en vivo o falsos (con efectos de sonido) para crear sonidos parecidos a los que ya existen. Además, los expertos de sonido también tienen que ver con la forma en la que suenan los diálogos, voces en off y la música de toda la película. Asimismo, el uso del silencio también es un factor clave en el cine para generar tensión o miedo, así como la música rápida o alegre le aportan dinamismo y emoción a las tomas que lo requieran. 

Diálogo y actuación

Las características importantes del lenguaje cinematográfico también son el diálogo y la actuación. Porque de ambos depende un funcionamiento armonioso de filme, tanto a nivel técnico como de producción y de ejecuión.

El diálogo / comunicación

Las líneas más famosas del cine no salieron de la nada, pues todo requirió de gran esfuerzo para crear escenas en las cuales los diálogos se llevaron todo el crédito. El diálogo es utilizado tanto para comunicarse con la audiencia, como para no hacerlo totalmente; en el primer caso, la audiencia puede conectar totalmente con el personaje, mientras que la falta de comunicación en una escena puede generar tensión y crear una atmósfera dentro de la escena.

Personificación

Por supuesto, la actuación no está lejos de ser un factor relevante en las películas, pues de los actores depende que todo lo demás pueda funcionar bien. Deben ser capaces de poder transmitir las emociones descritas y proyectarlas de una forma más visual para poder conectar con los espectadores. La personificación tiene que ver con la capacidad de los actores para poder interpretar al personaje, de acuerdo a lo establecido en el guion.

El lenguaje del cine es muy extenso y, de hecho, hemos resumido un poco cada uno de los elementos del lenguaje cinematográfico en esta entrada. Características como la edición, los efectos especiales, la forma de manejar la cámara, etc., también forman parte del extenso glosario que sirve para saber en qué consiste el lenguaje cinematográfico.

Capital económico: qué es, características, valor y ejemplos de capital en economía

Las empresas pueden usar su capital económico para crear valor a sus negocios, a través de las inversiones, actividades comerciales, y gastos operacionales. Como un factor de producción, el capital en economía permite garantizar la sostenibilidad y la operatividad de los emprendimientos. Conoce en este articulo qué es un capital en economía, sus características y algunos ejemplos de capital en economía y en los negocios.

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¿Qué es capital económico?

El concepto de capital económico se encuentra relacionado con el conjunto de recursos y activos disponibles que generan valor en la organización y se utilizan para la producción de bienes y servicios. Sin embargo, pueden existir otras definiciones para el término capital económico, según se trate de un contexto determinado.

Conceptos de capital en economía

La definición de capital en economía se refiere a la disponibilidad o existencia de cualquier activo líquido que pueda convertirse en efectivo con facilidad. También se considera capital en economía a todos aquellos conjuntos de bienes que pueden ser utilizados en el presenta para satisfacer necesidades.

Otro de los conceptos de capital económico está vinculado con la cantidad de patrimonio o bienes con el que cuenta la organización para asumir los riesgos o pérdidas potenciales en el ejercicio de sus actividades ordinarias.

Expertos economistas de la historia han aportado elementos para definir qué es capital en economía o qué se entiende por capital económico. En ese sentido, el economista estadounidense Paul Samuelson definía capital como un conjunto de “bienes durables producidos”, susceptibles de ser utilizados como “insumos productivos” para un siguiente proceso de producción. Por otro lado, para el economista británico, John Richards Hicks, el capital económico consiste en “todos aquellos bienes, existentes en la actualidad, que pueden ser utilizados de cualquier forma, para satisfacer necesidades durante los años siguientes”.

En ese sentido, se puede decir que el capital en economía incluye a los activos tangibles como las maquinarias, herramientas y los equipos que puedan producir otros bienes. En definitiva, se concibe como la riqueza o el patrimonio de la organización que permite y garantiza su funcionamiento y estabilidad.

Tipos de capital económico

De acuerdo con el contexto del se trate, se pueden determinar distintos tipos de capital económico en una persona o empresa. Para saber qué es la capital en economía se pueden considerar las inversiones, los créditos, prestamos y los activos destinados para los gastos cotidianos de la empresa. De seguidas, la definición de capitales económicos según su contexto.

Capital de deuda

Se conoce como capital de deuda a aquellos bienes y activos líquidos que ingresan al patrimonio de la persona o empresa a través de préstamos personales, financieros o créditos para desarrollar la actividad de la organización.

Por lo tanto, el capital de deuda, aunque técnicamente es un pasivo, no se considera una carga financiera como tal, ya que permite el crecimiento de la compañía o del emprendimiento y se convierte en una parte esencial de la consolidación del negocio.

Capital social

Por su parte, el capital social se refiere a el conjunto de activos adquiridos por transacciones de acciones de la empresa, ya sean de carácter público, privado o inmobiliario. El valor económico de una acción puede cotizarse públicamente en el mercado valores para que cualquier persona pueda adquirirlas; mientras que las acciones privadas se venden a inversores independientes.

Capital de trabajo

Entre los tipos de capital económico se puede mencionar el capital de trabajo que incluye a los activos totales de la compañía. Por lo tanto, es aquel capital económico productivo que se utiliza para soportar las cargas diarias y deudas de corto plazo. Este tipo de capital define la capacidad que tiene la organización para generar liquidez y efectivo que financien sus operaciones regulares. 

Capital comercial

Las reservas financieras como acciones y bonos, destinadas para la inversión y negociación de la empresa, comprenden el conjunto de bienes que conforman la definición del factor capital en economía conocido como capital comercial. En ese sentido, se entiende que el dinero que se utiliza para la compra y venta de valores, activos y bienes forman parte del capital comercial de la organización.

¿Cuáles son las características del capital económico?

Los elementos que definen qué es el capital económico pueden observarse en sus distintas características que lo diferencian de otros factores de producción como el capital financiero o el capital social. A continuación, las principales características del capital económico.

Capital es un producto del hombre

El capital económico es un factor de producción producido; es decir, es el resultado del trabajo del hombre. Por lo tanto, todos los tipos capital en economía y en los negocios ya sean maquinas, inmuebles, activos o bienes son producto de la intervención humana. El hombre aplica su trabajo sobre los recursos naturales para generar y controlar el suministro de elementos de capital.

El capital es elástico

Otra de las características del capital económico es su elasticidad o variabilidad. Esto quiere decir que el capital se puede ajustar a la demanda del mercado con facilidad y de forma rápida. El valor del capital podrá variar conforme al proceso de producción.

No es indispensable

La producción es factible aun cuando no se cuente con capital. Por lo tanto, la existencia de un capital económico no es indispensable para llevar adelante los procesos productivos. A diferencia del trabajo y la tierra que son factores esenciales para la producción de bienes y servicios.

Es depreciable

Con el uso y consumo el capital puede depreciarse a lo largo del tiempo. Esto se debe a que las maquinarias pueden valor cuando son un utilizadas por largos periodos, ya que pierde eficiencia y deja de ser adecuada para procesos posteriores de producción.

El capital es un factor pasivo de producción

Para que una empresa funcione correctamente necesita algo más que capital. Por lo tanto, el capital requiere la intervención de la mano de obra para poder producir bienes y servicios. El trabajo y la mano de obra es un activo, mientras el capital económico es un factor de producción pasivo.

¿Cómo se calcula el capital económico?

Para hacer el cálculo del capital económico de una empresa se pueden tomar en cuenta las actividades comerciales principales y cotidianas, de donde se pueden extraer las pérdidas potenciales que sirven para determinar el saldo total.

En teoría, para saber qué es capital económico en contabilidad, se debe establecer un período en el cual se realiza el cálculo, por ejemplo, un año o un ejercicio fiscal. En primer lugar, se debe calcular la suma de todos los riesgos. Entendiendo el riesgo como la posibilidad de perder dinero. En ese sentido, se deben considerar los riesgos de crédito, representados por las perdidas potenciales en prestamos en mora, los riesgos de mercado, producto de las fluctuaciones del mercado financiero; los riesgos operativos, derivados de las operaciones comerciales.

Al ser el capital económico el saldo necesario para soportar las cargas y las posibles pérdidas, se puede proyectar con la siguiente fórmula: EC=Ear/K, donde K representa la tasa de rendimiento requerida y Ear comprenden las ganancias en riesgo. Esto resume la diferencia entre las ganancias esperadas y las peores ganancias posibles.

De esta forma, el capital económico se puede determinar por medio del calculo del capital necesario para garantizar el balance general que mantenga solvente a la organización durante el período proyectado o analizado. Por ello, se dice que el capital económico se calcula como valor en riesgo.

Ejemplos de capital económico

El capital en economía puede manifestarse dentro de los diferentes tipos de capital que han sido comentados anteriormente. En ese sentido, se pueden observar algunos ejemplos de capital económico en la vida cotidiana.

Maquinarias de una empresa

Las distintas maquinarias de una empresa agrícola pueden comprenderse dentro de su capital económico, ya que representan los activos y bienes indispensables para el correcto funcionamiento de la organización y del ejercicio de la actividad principal de explotación.

Mercancías

Otro de los ejemplos de capital en economía está constituido por las mercancías. Estos activos pueden liquidarse en las distintas operaciones principales de la empresa comercial para obtener ganancias, efectivo o ingresos que servirán para soportar los gastos operativos o para ingresar al patrimonio total de la organización.

Software

Dentro de los activos importantes de las organizaciones se destacan los software y programas informáticos que permiten el desarrollo del trabajo y las operaciones de la empresa. Son el medio a través del cual la empresa puede realizar ventas, promociones y otras actividades comerciales; además facilita la organización de la empresa, su constitución y su funcionamiento.

Bonos

Los bonos o títulos de inversión propiedad de la compañía se constituyen también como un importante ejemplo de capital económico. Estos instrumentos financieros pueden influir en los ingresos, estabilidad y solvencia de la empresa, al representar un ingreso futuro y potencial con su intercambio, venta o revaloración en el mercado de inversiones. Los bonos son un ejemplo de capital económico de un banco o entidad financiera.

En definitiva, es importante entender qué es capital en economía para calcular el riesgo y las posibles perdidas en los negocios y poder llevar adelante las metas de la empresa para alcanzar los objetivos económicos. Los distintos tipos de capital, a saber, el capital social, capital financiero, el capital económico, entre otros forman parte de los procesos de producción de las organizaciones.

Redacción periodística: definición, tipos, estructura y ejemplos de textos de estilo periodístico (reportaje, crónica…) 

En primera instancia la redacción periodística o estilo periodístico era usado solo para periodistas, sin embargo, en los últimos años esta concepción ha cambiado y esto se debe a la proliferación de los medios comunicación de impresos y su salto a la era digital. 

Géneros informativos:
Qué son, características y ejemplos de textos del periodismo informativo

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¿Qué es redacción periodística? 

Hablemos desde el ámbito periodístico y explicaremos cómo se estructura una noticia. Sin embargo, iniciaremos con la redacción periodística y se trata de un estilo usado por los medios de comunicación con la finalidad de crear historias.  Si bien, cada periódico o medio tiene su estilo propio, desde hace años, se implementó como un modelo “estándar”, de redacción periodística que se adapta según las necesidades de lo que se desee comunicar. 

Entonces, en la redacción periodística también abarca un estilo relacionado con signos de puntuación, cuándo usar negrilla, comillas, entre otros. A grandes rasgos, lo primero que resalta de la redacción de una noticia periodística es el título, seguido del sumario, dentro del cuerpo se encuentra el lead, el desarrollo y el cierre del texto. 

¿Cuál es el objetivo del estilo periodístico? 

Existen muchas interrogantes alrededor del objetivo periodístico, pero no es tan profundo como algunos se imaginan. Su principal propósito es atraer a la mayor cantidad de lectores posibles, siguiendo las indicaciones del formato establecido. Por lo general, una lectura que llama la atención le permite a los dueños del medio atraer ingresos por publicidad, una de las principales entradas de los medios de comunicación.  Desde la concepción de los medios de difusión, esta ha sido la meta principal. 

Luego de esto, también es necesario mencionar que otro de los propósitos está ligado a educar a los lectores o mostrarle una verdad que necesita ser sustentada a simple vista  A lo largo de los años, los periódicos han jugado un papel importante en la sociedad en la enseñanza y el descubrimiento de casos relacionados con la corrupción, por ejemplo. 

Características de los textos de periódicos

Después de explicar para qué sirve una nota periodística, es el turno de las características. Se trata de un conjunto de factores que forman parte de la redacción periodística. 

Simplicidad y brevedad 

La primera característica de las formas de redacción periodística es la simplicidad y brevedad. Los periodistas deben centrar sus textos en la simplicidad, puesto que así es más fácil que sea entendido por una diversa audiencia. A veces, es normal que los redactores se encarguen de desglosar algunos conceptos porque su propósito es que los lectores comprendan lo que están leyendo. 

En cuanto a la brevedad, consiste en ser conciso y no caer en la divagación. Es comprender que las oraciones más largas son las más difíciles de entender y que los párrafos de más de cinco líneas no son atractivos visualmente. Del mismo modo, antes de que termine este apartado es necesario agregar que en la redacción periodística se prefiere la escritura en voz activa, por su sencillez, en cambio, las oraciones en voz pasiva, suelen ser más largas y difíciles de comprender. 

A continuación, ejemplos de la diferencia entre voz activa y pasiva. 

  • “Matías golpeó la pelota con el bate”, (voz activa) 
  • “La pelota fue golpeada por el bate de Matías”, (voz pasiva) 

Precisión 

La segunda característica es la precisión, pero ¿qué significa? Sencillo. En la redacción periodística los significados de las palabras deben estar ligados a los conceptos que existen en el diccionario.

En los artículos periodísticos no hay oportunidad para la improvisación de conceptos, ya que la idea principal es que los lectores aprendan a medida que leen. 

Asimismo, no hay espacios para jergas ni coloquios, a menos de que se trate de una cita o que sirva para explicar el contexto de la noticia. 

Objetividad y hechos 

Cuando se habla de “objetividad”, se refiere a la ausencia de opinión de la persona que redacta la noticia. 

En el momento que se intenta explicar qué significa periodístico está ligado a tener un texto sustentado por hechos, opiniones expertas y demostrar una verdad con pruebas. 

Un periodista debe despojarse, al momento de escribir, de lo que siente o piensa, para basarse más en lo que se observa y se escucha. Por esta razón, los reporteros evitan agregar adjetivos y adverbios a los textos. 

Justicia y equilibrio 

Otra característica poco nombrada sobre el concepto de textos periodísticos es la justicia y el equilibrio. 

Los periodistas deben encargarse de buscar varias versiones de un mismo hecho, despojarse de creencias y basarse en el equilibrio de la noticia, además de la justicia de las mismas. 

Es observar el trabajo que se realiza con lupa y no creer una sola versión porque una verdad puede tener diferentes matices. 

Puede ocurrir que, alguna vez, una fuente no quiere dar declaraciones y en esos casos debe añadirse en la redacción. Ejemplo. 

“Desde el equipo de este medio de comunicación, se contactó en varias oportunidades a José Ramírez con la finalidad de conocer su versión de los hechos, pero las llamadas nunca fueron contestadas”. 

Pirámide invertida 

Aunque para muchos no es una característica, la pirámide invertida es la forma más común de nota de redacción periodística. De este modo, lo más importante está al principio del texto y abajo lo menos primordial. 

En este formato de noticia, es vital responder una serie de preguntas como: qué, quién, cuándo, dónde y cómo. 

Consejos para redactar con estilo periodístico 

Ahora bien, después de conocer cuál es la utilidad de las notas periodísticas y sus características, es el instante adecuado para introducir algunos consejos para redactar textos con este estilo. 

  • Usar frases cortas y sencillas que sean fácil de entender 
  • Oraciones y párrafos cortos 
  • Oraciones en voz activa y olvidarse de la voz pasiva 
  • Ordenar la información desde lo más importante hasta lo menos importante 
  • Decirlo “no”, a los estereotipos y mantener un equilibrio 

Tipos de redacción periodística

A lo largo de esta entrada, se ha dejado claro la definición de redacción y algunas partes de una nota periodística, ahora hablaremos de los tipos. 

Periodismo de investigación

El objetivo principal que persigue el periodismo de investigación es descubrir la verdad acerca de una persona, evento o grupo. Se trata de una exploración detallada sobre un tema y se requiere el uso de entrevistas, investigación y análisis al respecto. 

Su principal propósito es responder preguntas, aunque a algunos les parezca incómodo. Suelen ser reportajes largos y profundos. 

Noticias 

La extensión de las noticias no es larga y apunta a la precisión de los hechos. 

A diferencia del periodismo de investigación, la noticia pierde vigencia con rapidez y suele responder preguntas específicas como qué, dónde, cómo, cuándo y dónde. 

A su vez, la sencillez juega un importante papel porque lo que se cuenta debe ser conciso y claro. 

Columnas 

Dentro de los medios de comunicación también existen las columnas de opinión, las cuales juegan un papel primordial cuando se trata de fomentar un criterio en los lectores. 

Es usual que las columnas las realice el editor principal o dueño de medio, sin embargo, también existen columnas especializadas en temas importantes como migración, feminismo, racismo, políticas sociales, cultura, entre otros. 

Reseñas 

Las reseñas, así como su nombre lo indica, se encargan de explicar un evento o escribir de forma cronológica cómo ocurrieron los hechos. 

Cuando se trata de eventos deportivos, culturales, cine y televisión, la reseña es el tipo de redacción periodística recomendada. 

Crónicas

Y, finalmente, está la crónica, un género periodístico que pocos escriben y que encuentra su esencia en la narrativa. Es normal que se empleen términos relacionados al nuevo periodismo y se entrelazan elementos literarios con redacción periodística. 

Si estás preguntando cómo se diferencia la crónica de una nota periodística, es sencillo. La primera cuenta los hechos de forma cronológica, así como lo indica su nombre y se centra en los detalles, mientras que la nota periodística es mucho más precisa y pierde vigencia con una mayor rapidez. 

Ejemplos de textos periodísticos cortos

No hay una mejor forma de entender que usando ejemplos. Para comprender mejor la redacción periodística es indispensable leer a personas especializadas en el tema. 

La otra guerra de las Malvinas 

Se trata de un ejemplo de reportaje interpretativo que habla sobre las secuelas que dejó la breve guerra de las Malvinas, hecho que ocurrió en 1982 y que dejó un poco más de 640 soldados argentinos muertos. 

En este reportaje interpretativo, escrito por una de las periodistas más importantes de América Latina, Leila Guerreiro, se adentra a las secuelas que dejó este conflicto y cómo afectó el lado más humano de la familia de los involucrados. 


Yenifer Paredes: PJ reanuda hoy audiencia sobre pedido de prisión preventiva para cuñada de Pedro Castillo

Esta noticia es extraída del medio de comunicación El Comercio de Perú. Es una nota periodística que habla de un juez que reanuda la audiencia para pedir prisión preventiva para Yenifer Paredes, cuñada del presidente de Perú, Pedro Castillo. 

Paredes está acusada de lavado de activos, formar parte de una organización criminal y otros delitos. 


Elsa Castillo: «Estamos formando analfabetas funcionales»

Otro estilo periodístico que es necesario mencionar son las entrevistas. Se basan en hacer preguntas y respuestas a un personaje de interés. 

En el caso de esta entrevista, fue extraída de un medio de comunicación venezolano, conocido como El Estímulo. 

La nota se basa en Elsa Castillo, una educadora, quien se encarga de exponer la importancia de la protesta, del seguir educándose para no llegar a ser “analfabetas funcionales” y tener criterio al momento de reclamar derechos. 


Una madrugada en el hospital más caliente de la Capital

Siguiendo con los ejemplos de redacción periodística, esta vez es una crónica de un diario argentino conocido como Clarín. Se trata de un trabajo que se enfoca en hablar de indigentes que duermen en el piso de un hospital en espera de atención. 

A través de descripciones, el autor se encarga de exponer la realidad de los involucrados. 


Por medio de estos ejemplos de cómo realizar una nota periodística, todo aquel que desee entender o hacer notas con estilo periodístico podrá hacerlo sin ningún problema. La redacción periodística tiene su complejidad, sin embargo, todo se encuentra en la práctica y en el deseo de instruirse para crear artículos que nutran a los lectores. 

Luis Lucia Lucia: el desterrado que no llegaría a ser

Un verdadero calvario tuvo que sufrir este covarchino, nacido en las Cuevas de Vinromá (Castellón), un 17 de octubre de 1888, en el seno de una familia procedente de Teruel, que pronto se trasladó a Nules (Castellón), donde su padre había obtenido plaza de notario.

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Reseña biográfica

Desde muy joven quiso participar en política, militando en el tradicionalismo valenciano. Importante fueron sus colaboraciones periodísticas en el semanario carlista El Guerrillero, llegando a ser director el año 1909, desde donde entró a formar parte del Diario de Valencia, espacio desde el que realizaría una activa propaganda del catolicismo social. En 1918 fue nombrado director de dicho diario, cargo que ocupó hasta el estallido de la guerra.

Fue fundador y presidente de la Derecha Regional Valenciana, un convencido demócrata, firme defensor de la República, como modelo ideal de convivencia. Junto a José María Gil-Robles, fundó la Confederación Española de Derechas Autónomas (CEDA), donde ejerció como vicepresidente. El 6 de mayo de 1935 fue nombrado ministro de Comunicaciones en el gobierno de Alejandro Lerroux; y de nuevo el 21 de septiembre la misma cartera en el gobierno de Joaquín Chapaprieta.

No conforme con el excesivo protagonismo de Gil-Robles, sus caminos se fueron distanciando, acercándose Lucia a los republicanos conservadores de Maura. Los tiempos eran difíciles y tras el asesinato de Calvo Sotelo, Lucia se traslada a Francia, de donde regresaría el 17 de julio de 1936, posicionándose al lado del gobierno republicano.

Para Lucia fue un auténtico drama el hecho de que la República no reconociera su sincera adhesión ni los franquistas, años después, no le admitieran entre ellos, tras años de militancia en las derechas. A pesar de lo cual, debido a sus antecedentes católicos y de derechas, fue detenido y encarcelado.

Tras el caos producido en la retaguardia republicana, se escondió, pero fue delatado y encarcelado en Valencia, de donde le trasladaron a Barcelona. De esta prisión fue liberado el 26 de enero de 1939 junto a otros presos de derechas ante la inminente caída de la ciudad, que tuvo lugar por un diplomático que se hizo pasar por guardia de asalto.  

Tras la llegada de los rebeldes, fue encarcelado por estos el 14 de febrero de ese mismo año. Tras un juicio sumarísimo fue condenado a muerte, acusado de apoyar a la República, es decir al gobierno legal. El arzobispo de Valencia, Prudencio Melo, medió ante Franco, y este conmutó la pena capital, por la de treinta años de reclusión.

El 18 de julio de 1941, salió de la Cárcel Modelo de Barcelona, en dirección al destierro que habría de cumplir —esperanzado por poderse reunir con su familia, tras siete años de separación—, en Palma de Mallorca. Destierro que no llegaría a cumplir pues falleció en Valencia, a donde fue autorizado a trasladarse debido a un cáncer hepático, el 5 de enero de 1943.

Su muerte fue censurada por las prensas locales y nacionales. Silencio que se prolongó durante el franquismo.

Largometrajes (películas): qué son, características y diferencias con un cortometraje (duración, personajes…)

Cuando se habla sobre películas, independientemente del género, es usual toparse con el término “largometrajes” y, en primera instancia, se puede entender que el término tiene que ver con la extensión del tiempo que se proyecta el material audiovisual. Para entender qué es un largometraje o película y su diferencia con el cortometraje, te invitamos a seguir leyendo esta entrada. 

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¿Qué son los largometrajes?

Antes de hablar de las diferencias entre cortometraje y largometraje, es necesario hablar primeramente de los largometrajes, que son películas que se desarrollan en duración de entre 80 y 180 minutos, es decir, van desde una hora y media hasta las tres horas. No obstante, este precepto puede variar dependiendo de las organizaciones que fijan las reglas o criterios para que se pueda considerar la duración de un cortometraje o largometraje.

Dicho esto, esas distinciones, que las hablaremos más adelante, se utilizan principalmente para separar las películas (largometrajes) en la categoría que corresponda, sea cortometraje, largometraje o documental. Por lo general, se sabe que la mayoría de las películas que se proyectan en salas de cine comerciales tienen una duración aproximada de 80 minutos. 

¿Cuáles organismos establecen los criterios para diferenciar las películas de otras producciones? 

Ahora bien, como dijimos anteriormente, existen organismos reconocidos mundialmente que han fijado las reglas o criterios clave para que se puedan identificar los tipos de metraje o proyecto audiovisual, según su duración. Estas son algunas de las instituciones calificadas:

Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMPAS)

Principalmente, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, que se encarga de llevar a cabo los Premios Óscar, establece que una película o largometraje se proyecta en una función como mínimo de 40 minutos. Además, exige que el material sea “exhibido públicamente por medio de una película de 35 mm o 70 mm, o en un escaneo progresivo de 24 o 48 cuadros”.

American Film Institute (AFI)

Seguidamente, el American Film Institute mantiene los mismos lineamientos que la Academia: un mínimo de 40 minutos. El AFI es una organización sin fines de lucro que se enfoca en celebrar “la excelencia en la forma de arte” y ayuda a crear iniciativas educativas que puedan inspirar al público y a los artistas.

British Film Institute (BFI)

Para el British Film Institute son necesarios 40 minutos o más en una proyección para que el material pueda ser considerado un largometraje. No obstante, el BFI sostiene que la Filmografía también “incluye largometrajes más cortos que pueden haber desempeñado papeles secundarios en programas dobles, a menudo denominados ‘Películas B’”.

Screen Actors Guild (SAG) 

Finalmente, el Sindicato de Actores de Pantalla, que lleva a cabo los Premios SAG, considera que los largometrajes son aquellos que tienen una duración de 60 minutos en adelante, es decir, que el punto inicial es de una hora de proyección.

Es importante resaltar que estas son solo algunas de las organizaciones que tienen fijados sus criterios para qué significa cortometraje y largometraje. Otras áreas destacadas que tienen sus propias reglas son festivales como el de Sundance, Cannes, Zúrich, Venecia y Toronto; entre ellos marcan un tiempo estimado que no debe ser menos de 80 minutos. 

Características de los largometrajes

A continuación, enlistamos algunas de las características básicas de los largometrajes que se pueden identificar en este tipo de proyectos. 

La duración

Si bien resaltamos que los largometrajes son aquellos que tienen una duración estimada que va desde los 40 minutos hasta los 50 y 80, también pueden extenderse de 180 a 240 minutos.

Lanzamiento

Si nos guiamos por las reglas de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, las películas o largometrajes deben haber tenido un estreno en cines o un lanzamiento digital similar; eso forma parte de su criterio para lo que se considera un largometraje.

El género

El tipo de película o el género, es muy importante en para las consideraciones de un largometraje, puesto que, por ejemplo, las películas de terror suelen tener una duración de una hora y media, mientras que un documental podría no llegar a los 40 minutos. Esto se debe a los tiempos de ejecución del guion, es por ello que las comedias románticas suelen durar más, porque requiere del desarrollo de los personajes.

Distinción

El término “largometraje”, se utiliza para referirse a una película que se proyecta en los cines pero, a su vez, también se emplea como un agente divisor entre las películas que se muestran por primera vez en los establecimientos de proyección y las que se hacen exclusivamente para la televisión.

Diferencias entre largometrajes y cortometrajes

En esta sección encaramos las características de un cortometraje y de un largometraje para definir sus diferencias, puesto que no todas las películas que hacen los directores reconocidos se consideran un largometraje.

Tiempo

Evidentemente, y como lo hemos desarrollado a lo largo de esta entrada, el tiempo es un factor crucial para determinar cuánto dura un cortometraje y un largometraje. Como se dijo anteriormente, los largometrajes o películas pueden durar 40 minutos como mínimo y 240 como máximo; mientras que los cortometrajes pueden ser tan cortos como unos escasos cinco o 10 minutos, pero se pueden extender en el límite de 30 a 40 minutos. Por supuesto, esta diferencia está anclada al tiempo de ejecución del guion.

Estructura

Por otro lado, la duración del cortometraje se ve afectada por la estructura, puesto que cuenta con menos tiempo para contar una historia, así que se enfoca en proyectar un metraje que avance directa y progresivamente hacia la acción, el clímax y el desenlace.

En contraparte, las películas sí cuentan con tiempo suficiente como para estructurar su guion en actos. Es por ello que en los conocidos “tres actos”, los largometrajes se pueden dividir en la presentación, confrontación y la resolución. 

Personajes

Los personajes también son un tema crucial para marcar las distancias en la identificación de para qué sirve un cortometraje y un largometraje. En primer lugar, las películas ofrecen un casting extenso, según lo requiera el guion, para poder crear varios arcos dentro de la historia, al tiempo que se desarrollan los personajes; esto hace que la audiencia pueda conectar de forma efectiva con alguno de ellos, y no siempre con los protagonistas. 

En el otro extremo, los cortometrajes se caracterizan por mostrar fragmentos de un personaje, su vida y su entorno.Todo sucede en un tiempo reducido, así que la magia está en hacer que la audiencia conecte bien con la historia y su protagonista. 

Presupuesto

Finalmente, y aunque puede parecer algo evidente, la diferencia de presupuestos juega un papel importante en ambos, ya que los cortometrajes requieren de menos esfuerzo monetario, mientras que las películas sí necesitan de presupuestos considerables para poder llevar a cabo el proyecto, y es por ello que los plazos de grabación y producción se pueden extender de dos a cuatro años. 

No obstante, los cineastas pueden jugar una “carta especial” con el corto, pues tienen la posibilidad de presentar su proyecto como un cortometraje como una “prueba de concepto”, para medir el interés de los inversores; si tienen el visto bueno, entonces pueden avanzar hacia un largometraje. Un caso resaltable de la “carta especial” es el Damien Chazelle con Whiplash (2014): 

Chazelle desarrolló el concepto de Whiplash como un cortometraje para cautivar los financistas y luego explotó su mina de oro con un largometraje que fue muy aclamado por la crítica y que logró obtener Premios Óscar por Mejor Sonido, Mejor Montaje, y el imponente J.K Simmons fue galardonado como Mejor Actor de Reparto. 

Tras haber repasado las características de películas o largometrajes y cómo se diferencian del cine cortometraje, podemos resumir que los criterios de fijación de tiempo pueden variar y coincidir dependiendo de las organizaciones y países, pero a fin de cuentas todo se resume en que un largometraje debe durar de 80 a 180 minutos para ser considerado “película”, legalmente hablando. 

Arte budista: historia, características, técnicas y principales obras de estilo budista (dibujo, pintura, diseño…)

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El budismo, religión surgida entre los siglos VI y V a.C., hoy se consolida como la cuarta creencia con mayor número de devotos en el mundo, y a lo largo de su desarrollo en el tiempo, ha dejado un importante legado, sobre todo dentro de la filosofía, historia, cultura y arte del subcontinente indio. Concretamente, el arte budista emergió luego de la muerte del fundador de dicha filosofía, Siddhartha Gautama o Buda, siendo la manifestación artística más antigua de la India, logrando extenderse hacia otras regiones como el este de Asia. En este artículo encontrarás todo lo referente a la evolución del arte de estilo budista, a través de aspectos como su definición, desarrollo histórico, características, técnicas y algunos ejemplos de dicho arte mostrados en diferentes obras.

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Todo sobre el arte budista

Para dar comienzo a este interesante tema, detallaremos algunas de las particularidades relacionadas con la definición del estilo budista, el desarrollo histórico del arte budista en India y en otras regiones de Asia y la relevancia que ha tenido este arte antiguo en el aspecto cultural y religioso del subcontinente indio y de gran parte del territorio asiático, como muestra de la huella que ha dejado dicho arte fuera de las fronteras de su lugar de origen.

¿De qué se trata el estilo budista en el arte?

La definición de arte budista hace referencia al conjunto de manifestaciones creativas que guardan relación con diversos elementos característicos de la cultura budista en su forma más pura o también por el contacto que este tipo de arte ha tenido con otras tradiciones y costumbres fuera de India, lo que ha permitido la evolución, difusión y adaptación del estilo de Buda en varias partes del mundo.

Cabe destacar que este estilo no solo se ha dedicado a desarrollar y plasmar de forma estética la iconografía de Buda Gautama, fundador del budismo, sino también a representar artísticamente toda clase de símbolos, objetos, figuras y lugares considerados sagrados dentro de esta religión y filosofía india.

Breve historia del arte budista

Antes de ahondar en detalle en los aspectos más relevantes del origen y desarrollo del estilo budista dentro del arte, primero es fundamental hacer un conciso repaso por la historia del budismo. Dicha religión tuvo su origen en India entre los siglos VI y V a.C., siguiendo los preceptos espirituales, filosóficos y morales establecidos por su líder y fundador Siddhartha Gautama, para luego ser difundida en otros lugares como las actuales China, Sri Lanka, Grecia o Tailandia.

Origen y desarrollo del arte budista

Paralelo a la difusión y consolidación del budismo como doctrina espiritual y filosófica, comenzaron a aparecer las primeras manifestaciones artísticas bajo las técnicas budistas, contribuyendo así a la propagación de símbolos ligados con dicha religión. De acuerdo a los estudios históricos relacionados con este arte, el desarrollo del mismo presenta dos etapas principales:

Hinayana

Esta primera fase, llamada también pre-icónica, se prolongó hasta el siglo III a.C., es decir, muchos años después de la muerte de Buda, y se caracterizó por representar a dicho líder a través de figuras y símbolos, no de forma directa. La idea de este periodo era narrar artísticamente los acontecimientos más relevantes de la vida y enseñanzas del fundador del budismo, los cuales formaron parte del ornamento de monumentos sagrados o stupas, así como también de otros recintos erigidos en lugares considerados sagrados para la cultura budista.

En estos monumentos, creados para contener reliquias, se pueden ver los primeros vestigios de la escultura de arte budista, como el ya mencionado relieve narrativo. Por otra parte, se toma en cuenta en esta etapa pre-icónica la producción de objetos asociados con la práctica budista, como campanas, vajras, vasos kalashas, baldaquines chnattra y otros elementos esenciales para la práctica de rituales.

La razón por la que no se recurría a la representación directa de Buda dentro de esta primera etapa artística estuvo ligada con una de las enseñanzas de este líder, el cual rechazaba y condenaba representaciones de su figura tras la extinción de su cuerpo.

Mahayana

Producto del paso del tiempo y el contacto de India con otras culturas, el arte budista sufrió una serie de transformaciones englobadas en esta segunda etapa, llamada también icónica, donde, a partir del siglo I d.C. ya las imágenes del budismo comenzaban a orientarse a la representación antropomórfica de Buda.

Según los hallazgos y estudios arqueológicos, este cambio vivido dentro del estilo budista de esta etapa tuvo influencia directa de la introducción de la cultura helenística luego de las conquistas de Alejandro Magno en el año 332 a.C., logrando afianzarse posteriormente durante la formación del Imperio Maurya de manos de Ashoka, el cual precisamente se convirtió al budismo y aprovecho su liderazgo para la propagación y difusión de dicha religión en todo el territorio imperial.

De esta época destacan los descubrimientos artísticos encontrados tanto en Gandhara (actual Pakistán) y Mathurā (norte de India), que se ha determinado, fueron los dos principales centros de creación y producción de obras y otros elementos artísticos de ese tiempo.

En este tiempo, la imagen budista desde el punto de vista estético pretende mostrar a Buda como una figura divina pero a la vez humana, convirtiéndose así en referente para la iconografía desarrollada en las artes subsecuentes. Por tanto, resalta de esta época el diseño de Buda creado bajo una noción artística idealista y realista. Las manifestaciones más representativas de este periodo son las esculturas con claras referencias griegas, específicamente expresadas en figuras humanas grandes con detalles como cabello ondulado, zapatos, sandalias, adornos y otros elementos que recuerdan al arte escultórico helenístico.

Expansión del arte budista fuera de India

Por medio del intercambio generado a través de la Ruta de la Seda, se logró la difusión del budismo más allá de las fronteras de India durante el siglo I d.C., llegando a lugares como China, Corea y Japón bajo el auspicia de la dinastía Ming. Por otro lado, entre los siglos II y XI se afianzaron derivaciones del arte greco-budista proveniente de Gandhara, como fue notable, por ejemplo, en la actual Sinkiang, donde el arte de Serindia resultó de la conjunción de las culturas indias, romanas y griegas.

El arte budista siguió llegando a otros sitios del norte como Afganistán, Tíbet, Bután, Vietnam y, hacia el sur, hacia localidades como Indonesia, Camboya, Tailandia y Birmania. Así, las diferentes ramificaciones del arte de estilo budista fueron surgiendo en estos territorios hasta el siglo X, cuando perdió fuerza ante la propagación y resurgimiento del hinduismo y el islam.

Importancia del arte budista dentro de la cultura y religión oriental

El arte budista, a medida que se fue desarrollando, sirvió como vehículo efectivo para la difusión de esta creencia en territorios fuera de las fronteras indias, siendo utilizado incluso para conciliaciones diplomáticas y políticas entre reinos e imperios, tal y como pasó con la llegada del arte de estilo budista en Japón durante el periodo Asuka, donde tuvo tal influencia que impactó en el acontecer político de dicho imperio.

Así como en el caso japonés, muchas otras culturas fueron moldeadas y adoptadas siguiendo la doctrina budista, resaltando en muchos casos el sincretismo entre el arte oriental y occidental. Aunque prácticamente desapareció en su país de origen, India, lo cierto es que el arte budista ha logrado prevalecer hasta nuestros días gracias a la concreción e intercambio cultural y religioso con otras creencias orientales.

Adicionalmente, la utilización de símbolos y objetos derivados del estilo budista es bastante demandada en la actualidad, como el caso de los cuadros de mandalas (concebidos dentro del arte budista tibetano), empleados como técnica artística de relajación tanto de niños como de adultos, ofreciendo así el fortalecimiento de la creatividad, una sensación de serenidad y bienestar y la gestión mental en situaciones de estrés y ansiedad. Este y muchos otros elementos forman parte de la denominada pintura del arte budista contemporáneo, donde se han empleado de forma efectiva la simbología derivada del budismo puro, de acuerdo con los planteamiento de la nombrada doctrina filosófica.

Principales características del arte budista

Como toda expresión y manifestación artística, el estilo budista presenta ciertos aspectos que lo caracterizan, sobre todo por su vínculo perenne con esta creencia milenaria. Entre los rasgos que permiten identificar al arte budista se encuentran:

Simbolismo en el arte budista primitivo

En los primeros años de desarrollo del arte budista, se emplearon diversas formas y símbolos de forma estética para hacer llegar los preceptos de dicha religión a la población. Por tanto, se emplearon figuras geométricas, animales, árboles y diversos elementos arquitectónicos presentes tanto en monumentos como en templos sagrados.

Humanización de Buda

Ya para la segunda etapa de este estilo, el dibujo realista de Buda se plasmó no para representarlo de forma humana y naturalista, sino para invitar a los creyentes a descubrir el estado de conciencia que este líder espiritual descubrió y quiso compartir al mundo. Lo curioso de estas representaciones es que, si bien cualquier dibujo o escultura del fundador del budismo muestra detalles expresivos en su rostro, dichas expresiones artísticas no eran más que simbolismos de elementos intangibles predicados dentro de dicha religión.

Transmisor de armonía y paz

Apreciar los distintos productos del arte budista es transportarse a un estado de serenidad, tranquilidad, trascendencia armónica y paz, por lo cual fue y es fundamental este recurso visual para reforzar estos impulsos propuestos por el budismo.

Sincretismo con otras culturas

Surgido en una época convulsa con cambios en el ámbito religioso, cultural y social en Oriente, el arte budista supo combinarse con otras culturas dentro y fuera de India, lo cual garantizó su predominio hasta el siglo X, cuando finalmente fue desplazado por el hinduismo y el islam. Sin embargo, quedan remanentes de este arte milenaria en países asiáticos.

Principios del arte budista

Tanto el budismo como el estilo artístico orientado a esta creencia oriental se basan en una serie de principios que han logrado mantenerse a lo largo de la historia. Entre ellos destacan:

Estilo no teísta

Siguiendo la doctrina filosófica budista que deja de lado el planteamiento de la existencia de un dios o ser trascendental, el arte budista recurre a los simbolismos para representar las enseñanzas de Buda en busca de la contemplación y el ascetismo individual.

Espacio para la difusión de símbolos religiosos

Por medio del arte budista, se presentan elementos que forman parte de la enseñanza de esta creencia, tales como:

  • La rueda del Drama o dharma chakra, como símbolo del Noble Camino Óctuple que Buda presentó a sus discípulos.
  • El nudo sin fin o srivatsa, como representación de la eterna sabiduría del líder de la religión.
  • La flor de loto, la cual representa la pureza sobre todas las adversidades cotidianas.
  • El árbol de Bodhi, árbol donde según la creencia, Buda se sentaba a meditar.

Algunos ejemplos y manifestaciones de arte budista

Detallados todos los aspectos relacionados por esta magnífica expresión artística legendaria, es momento de presentar algunas muestras del estilo budista que se hallan en diversas partes del mundo.

Escultura de Buda, Museo Sarnath

Localizada en el museo arqueológico más antiguo de la India, se trata de una de las tantas esculturas de Buda. Ésta en particular data del siglo V, y muestra al líder espiritual sentado con las piernas cruzadas en posición de loto, con un halo en su cabeza y con una expresión que hace referencia a una meditación profunda.

Arte budista - Escultura de Buda, Museo Sarnath
(Tevaprapas Makklay, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Mandala butanés

Como buen ejemplo de la expansión del arte budista en el continente asiático, presentamos esta colorida pintura de Buda desarrollada de acuerdo al estilo butanés, la cual data del siglo XIX.

Arte budista - Mandala butanés
(Desconocido, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Jardín tailandés

Dentro del diseño de estilo budista desarrollado en Tailandia se encuentran los jardines decorados con budas que llaman a la serenidad, plenitud, armonía y tranquilidad. Las esculturas varían de acuerdo a tamaño, estilo y posición de la figura.

Arte budista - Jardín tailandés
(Pxhere).

Buda Tejaprabhā y los cinco planetas

Producto de la popularidad que tuvo el budismo en China, se produjo una amplia gama de obras dentro del dibujo budista, por solo nombrar la riqueza artística que tiene este país en cuanto a estilo budista se refiere. Una manifestación de dicho país es este dibujo del budismo desarrollado durante la dinastía Tang, cuya capital, Chang’an fue, entre los siglos IV y XI, un núcleo importante para la expansión del budismo en Asia.

Arte budista - Buda Tejaprabhā y los cinco planetas
(Unknown artist, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

A pesar de los múltiples factores que surgieron paralelo al desarrollo del arte budista, esta manifestación logró prevalecer en muchos de los países donde se adoptó esta religión y doctrina. Por otro lado, el estilo budista no es algo exclusivo de Oriente, ya que en tiempos contemporáneos se ha acogido en diversas naciones occidentales, ya sea producto de la migración de personas provenientes del subcontinente indio y de Asia o, por otra parte, la aceptación de los preceptos y principios del budismo por parte de artistas que comulgan esta creencia. Así que ya tienes los conocimientos necesarios para alcanzar la elevación espiritual budista que puedes agregar estéticamente a través de, por ejemplo, un mural zen realizado en casa.

Arte indio: historia, características, cultura y mejores obras de arte hindú (pintura, escultura, arquitectura…)

India es el segundo país del mundo en población y el séptimo en extensión. En él conviven múltiples etnias que hablan veintidós lenguas oficiales. Su cultura se remonta a la Civilización del Valle del Indo, una de las tres más importantes del Cercano Oriente. El arte hindú refleja la mezcla de todos los pueblos que vivieron en la India, así como su veneración hacia los elementos sagrados de la naturaleza. Entre ellos destacan el Ganges, la flor de loto, la higuera y el pavo real. En este artículo hacemos un breve recuento del arte indio a lo largo de toda su historia, incluyendo algunos ejemplos correspondientes a diferentes períodos.

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Épocas del arte en la India

El arte comienza en la India con la Cultura del Valle del Indo. A través de excavaciones se han recuperado numerosas piezas que muestran su gran desarrollo. Posteriormente se observa la influencia muchas culturas o épocas, de las cuales describimos las cinco más representativas. 

Arte Gupta

Gupta es el nombre de un imperio que se estableció en el norte de la India entre los años 320 y 550 d.C. Artísticamente se considera una edad de oro por la especial estética de las manifestaciones tanto hinduistas como budistas. El mayor impacto en cuanto al arte se observa en las esculturas de piedra y terracota, destacándose también las pinturas al fresco. 

Arte Chola 

Este grupo marca la época medieval de la India. Tomaron el poder en el año 300 a.C. y se mantuvieron controlando extensos territorios, tanto al norte como al sur, hasta 1279. Practicaban el hinduismo, su símbolo era el tigre, y lo más relevante de esta cultura son las esculturas de bronce.

Arte Hoysala

El Imperio Hoysala dominó el sur de la India en el período 1026-1343. Durante su reinado florecieron todas las artes ya que practicaban el mecenazgo. Eran hinduistas y de esta época resalta especialmente la construcción de espectaculares templos con hermosas esculturas labradas en sus paredes.

Arte Mogol  

El Arte Mogol es el que se impone a partir del imperio del mismo nombre. Los mogoles eran musulmanes y dominaron desde el siglo XVI hasta el XIX, cuando comienza el período del colonialismo británico. Su influencia está marcada notoriamente en la arquitectura con la construcción de impresionantes palacios.

Escuela de Bengala

La Escuela de Bengala es un movimiento vanguardista que se produce a principio del siglo XX con la intención de rescatar los valores tradicionales de la India. Se origina en Calcuta y principalmente impactó en la pintura, constituyéndose en el origen del arte moderno.

Características del arte hindú

La finalidad del arte hindú es despertar emociones y el goce de los sentidos, lo cual está directamente relacionado con los colores o las posturas de las imágenes, en lo referente a la pintura y la escultura. En cuanto a la arquitectura y las artes decorativas las formas son fundamentales en la transmisión de sensaciones. Aparte de su sincretismo por la mezcla de culturas, en general se pueden resaltar las tres características que se enumeran a continuación.

Religión y mitología

El arte de la India está íntimamente relacionado con las creencias religiosas, específicamente las del hinduismo, el islamismo y el budismo. La pintura suele narrar historias acerca de los personajes claves de cada una de las mencionadas religiones y la escultura recrea a los profetas o dioses del hinduismo y el budismo. Igualmente, se suelen representar a animales mitológicos, los cuales tienen un significado determinado, por lo que el arte hindú es también simbólico. 

Naturaleza

Una de las características importantes de la India, tanto en la vida como en el arte, es el sentido sagrado de los elementos de la naturaleza. En el arte no se trata de naturalismo, sino de la integración espiritual del ser humano con el mundo natural.  Por ejemplo la flor de loto, que simboliza la sabiduría y la eternidad, está con frecuencia presente tanto en la pintura, como en la escultura, la arquitectura y las artes decorativas. Igualmente el pavo real que significa esplendor y riqueza.

Sexualidad

Otra de las características de la cultura hindú, específicamente en el hinduismo, es su visión de la sexualidad como una expresión espiritual y no carnal. En este sentido hay muchísimas manifestaciones artísticas, especialmente en la escultura, que representan escenas eróticas o aluden al órgano sexual masculino (lingam), el cual simboliza la fuerza creadora de Shiva, y al órgano femenino (ioni) que alude a la diosa Shakti así como también a Kali.  

Manifestaciones del arte indio  

Aparte de las características de la cultura india en cuanto al arte en general, cada una de las formas de manifestarlo tiene sus connotaciones particulares, que seguidamente comentamos brevemente.

Pintura

Por lo general esta manifestación del arte en la India se refiere a escenas de la vida cotidiana o el registro de acontecimientos históricos importantes. Entre todas las pinturas destacan los murales que se encuentran en las Cuevas de Ajanta, que expresan las características de India Antigua en cuanto a pintura.

Escultura

La escultura constituye la modalidad más significativa para las manifestaciones artísticas en el país asiático. Entre las características más importantes de la India en cuanto a escultura resalta su finalidad de conectar a los seres humanos con lo elevado. Fundamentalmente se refiere a las  religiones, al tiempo que suele transmitir movimiento y sensualidad.

Arquitectura

La arquitectura en India se desarrolló bastante más tarde que la pintura y la escultura, evidenciándose que las edificaciones monumentales corresponden a una época relativamente reciente. Lo más viejo en construcción son las cuevas excavadas en roca, características de la civilización India en la antigüedad.

Arte decorativo y  utilitario

Otra de las artes con gran importancia en India son los objetos decorativos o de uso personal. Entre ellos las alfombras y los inciensos tienen gran demanda en el mundo. Cada región posee su especialidad y las artesanías imitan lo reflejado en la pintura y la escultura. Lo más famoso históricamente siempre fueron los tejidos de algodón y las piezas de seda.

Obras hindúes destacadas

La lista de obras de arte de la India sería interminable, ya que el país está lleno de templos, palacios, estupas y gorupas. Igualmente con respecto a la escultura, que se inicia con el arte de la civilización india conocida como la cultura del Valle del Indo en el 3.300 a.C., y otro tanto aplica a la pintura y a las artes decorativas. En este sentido, hemos elegido los ejemplos más representativos de cada tipo de arte.

Pintura india

La pintura ha sido una de las artes que ha tenido mayor evolución en la India a lo largo de la historia y es muy notorio el vuelco que se produce a partir del siglo XIX. Para ilustrar este comentario hemos seleccionado tres pinturas de épocas muy diferentes.  

Mahajanaka Jataka  

La pintura hindú antigua que vemos a continuación es un fresco, con una datación correspondiente al siglo VI o VII. Se ubica en las Cuevas de Ajanta, que están en el estado de Maharastra cuya capital es Bombay, en centro-oeste de la India. En total existen 29 grutas, que se encuentran esculpidas en una montaña volcánica, las cuales estaban tapadas por la vegetación y fueron descubiertas en el año 1819 por un grupo de oficiales ingleses. En ellas hallaron las más valiosas obras de arte de la India Antigua relacionadas con el budismo.

Arte indio. Mahajanaka Jataka. Cuevas de Ajanta. Siglos VI o VI.
Mahajanaka Jataka. Cuevas de Ajanta. Siglos VI o VI. (Meister des Mahâjanaka Jâtaka, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Todas las pinturas de las cuevas están elaboradas con pasta de barro pigmentada con tintes naturales, lo cual refleja una destacada tecnología de la Antigua India. El fresco en referencia cuenta la historia del rey Mahajanaka, que decidió renunciar a todos los placeres para dedicarse a la vida asceta, lo que está anunciando a sus mujeres y a su madre que está atrás. 

Coronación de Shah Jahan   

Este emperador fue el quinto de los mogoles, que eran de religión musulmana. Su coronación ocurrió en 1628 y en el cuadro se observa cuando recibe a sus tres hijos mayores acompañados del Primer Ministro. Por cierto que el tercero, llamado Aurangzeb, derrocó a su padre en el año 1658 y lo mantuvo preso hasta que muere en 1666, para implantar un régimen de intolerancia religiosa en el que muchos templos del hinduismo fueron destruidos.

Arte indio. Coronación de Shah Jahan. Entre 1630 y 1657. Autor: Bichitr. Colección Privada.
Coronación de Shah Jahan. Entre 1630 y 1657. Autor: Bichitr. Colección Privada. (Royal Collection, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Shah Jahan, por el contrario, es reconocido en la historia de la India por ser respetuoso, así como también por haber construido el Taj Mahal. El autor del cuadro es Bichitr (1585-1660), de quien no existe demasiada información salvo que era uno de los más brillantes pintores de la corte y el primero en manejar la perspectiva y las sombras. Esta pintura del arte hindú pertenece a la colección privada de la familia real de Inglaterra, que es la que cuenta con más obras de arte en el mundo.   

Galaxia de Músicas – 1889

El autor de esta pintura de la India es Raja Ravi Varma (1848-1906), quien nació en el Reino de Thiruvithamkur situado al sudeste del país, fundado por Marthanda Varma que era un antepasado del artista. Ravi Varma comenzó con la técnica de acuarela y luego se especializó en óleo con un pintor holandés, de lo cual este cuadro es ejemplo. En la imagen se puede observar a mujeres de diferentes zonas del país tocando los instrumentos típicos y con los trajes característicos de cada zona. La pintura se encuentra en el Palacio Jaganmohan de Mysore.

Arte indio. Galaxia de Músicas. 1889. Autor: Raja Ravi Varma. Palacio de Jaganmohan en Mysore.
Galaxia de Músicas. 1889. Autor: Raja Ravi Varma. Palacio de Jaganmohan en Mysore. (Raja Ravi Varma, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Escultura

En cuanto a la escultura, como ya se ha mencionado, la misma está muy relacionada con las religiones, bien sea el budismo o el hinduismo. No así en el caso del islamismo, ya que en esta religión las imágenes están expresamente vetadas. Se han seleccionado tres ejemplos de escultura india, dos de los cuales corresponden al arte de la India Antigua.

Buda sentado de Gandhara  

En lo que era la antigua zona de Gandhara, fueron descubiertas varias estatuas de Buda con aproximadamente 1.800 años de antigüedad. Esta escultura de la India es especialmente valiosa por su delicado labrado de la piedra, lo que implica una gran tecnología de la India Antigua en cuanto a los instrumentos utilizados y el conocimiento sobre la materia.

Arte indio. Buda sentado de Gandhara. Siglos I-II. Cultura Kushán. Museo Británico de Londres.
Buda sentado de Gandhara. Siglos I-II. Cultura Kushán. Museo Británico de Londres. (Jl FilpoC, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Gandhara, que actualmente es parte de Pakistán, fue un importante lugar de peregrinación del budismo. Es importante recordar que en la ubicación de la Antigua India estaba incluido Pakistán, hasta que en 1947, al ser declarada la independencia, el territorio se dividió de acuerdo a la religión: hinduismo en India y musulmanes en Pakistán.

Las esculturas encontradas han sido vendidas a precios exorbitantes. En la que observamos, Buda está sentado sobre un cojín en la postura de loto. Tiene 95 centímetros de alto y se localiza en el Museo Británico de Londres.

Esculturas en el templo Basaralu Mallikarjuna

Esta edificación, que se ubica en el estado de Karnataka al sureste del país, está dedicada a Shiva. El dios que representa tanto la creación como la destrucción, y que tiene cuatro brazos y tres ojos, además de que a través de su cabellera fluye el río Ganges para purificar a los pecadores. Todas las paredes del templo están decoradas con hermosas estatuas de la India talladas en piedra, relativas al panteón hinduista. La construcción data del año 1234 y corresponde al Imperio Hoysala.

Arte indio. Esculturas en el templo Basaralu Mallikarjuna. Año estimado: 1234.
Esculturas en el templo Basaralu Mallikarjuna. Año estimado: 1234. (Dineshkannambadi, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Diosa Kali  

Kali, llamada también Kalika, representa la energía indestructible que se transforma a través de los ciclos, así como el poder femenino. En muchas imágenes de India esta diosa aparece con diez cabezas e igual número de brazos y piernas. El número diez es significativo para el hinduismo, en línea con los avatares del dios Visnú de acuerdo al Garudá-purana. La escultura que vemos a continuación corresponde a la cultura chola, está elaborada en bronce y se encuentra en el Museo Nacional de la India en Nueva Delhi.

Arte indio. Diosa Kali. Cultura Chola. Museo Nacional de la India en Nueva Delhi.
Diosa Kali. Cultura Chola. Museo Nacional de la India en Nueva Delhi. (Miya.m, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Arquitectura

Sin lugar a dudas es en la arquitectura donde se verifica la mayor variedad de estilos y mezclas sincréticas. A continuación hacemos referencias a cuatro de los monumentos de la India más importantes, que se han seleccionado considerando su trascendencia histórica, las estadísticas de visitantes y lo significativo de cada uno de los lugares.

Cuevas de Barabar  

De la arquitectura de la Antigua India que en la actualidad se conserva, al parecer las Cuevas de Barabar son las de mayor edad, además de que están envueltas en un halo de misterio. Estas grutas fueron construidas por el hombre hace más de dos mil años, excavando en la piedra de la montaña, lo cual sucedió durante el Imperio Maurya que reinó entre los siglos IV al II a.C.

Arte indio. Cuevas de Barabar. Siglos IV-II a.C. Imperio Maurya. Entrada a la cueva Lomas Richi.
Cuevas de Barabar. Siglos IV-II a.C. Imperio Maurya. Entrada a la cueva Lomas Richi. (Photo Dharma from Penang, Malaysia, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

El monte de Barabar está situado en el estado de Bihar, al centro-norte del país, y en total existen cuatro cuevas, siendo la denominada Lomas Richi la más interesante por su antigüedad y tamaño. A ella se entra a través de una puerta decorada con elefantes que asemejan el acceso a una cabaña y dentro hay espectaculares salones donde dicen que el eco tiene un sonido muy particular.

Taj Mahal

El Taj Mahal es el complejo arquitectónico más famoso de la India. Patrimonio de la Humanidad, una de las maravillas del mundo y símbolo de este país. Este monumento representa un conjunto funerario dedicado a la esposa predilecta del emperador Shah Jahan, quien era un musulmán de la dinastía mogol. El nombre de la mujer a la que tanto amó es Mumtaz Majal, quien murió al dar a luz a su hijo número catorce.

Arte indio. Taj Mahal. Construido entre los años 1631-1654 Cultura Mogol.
Taj Mahal. Construido entre los años 1631-1654. Cultura Mogol. (Maahid Photos, CC0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

La obra fue construida entre 1631-1654 a orillas del río Yamuna, en la ciudad de Agra que se ubica al norte de la India, y ocupa una extensión de 170.000 m². Lo más imponente es su gran mausoleo de mármol que se refleja en el gran estanque. Termina en una gran cúpula decorada con flores de loto en relieve y está rodeado de inmensos jardines con multitud de flores coloridas, así como de cipreses en señal de luto.

Palacio Real de Mysore

Este monumento, situado en la ciudad del mismo nombre al sudeste de la India, es el más famoso después del Taj Majal. Fue construido inicialmente en el año 1399, cuando se estableció la dinastía Wadiyar que fundó el Reino de Mysore. Luego el palacio original se demolió y se fueron levantando otros, hasta la versión actual que data de 1912, aunque se refaccionó en 1940 luego de un incendio.

Arte indio. Palacio de Mysore. Inicialmente construido por la Dinastía Wadiyar en 1399.
Palacio de Mysore. Inicialmente construido por la Dinastía Wadiyar en 1399. (Vijay Pandey, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

La estructura es de estilo hindú-sarraceno, con toques de mogol, rajput y gótico. Está hecha de piedra y tiene tres pisos, con una gran cúpula de mármol de cinco pisos adicionales. Mide 75 x 48 metros y cuenta con tres puertas principales, de las cuales permanecen cerradas la del este y la del oeste, siendo sólo abiertas en la festividad del Dussehra. Esta celebración ocurre el 25 de octubre y conmemora el triunfo del bien sobre el mal expresado en la épica del Ramayana.  

Hawa Mahal o Palacio de los Vientos  

El palacio de los vientos, del que sólo queda su fachada, se ubica en Jaipur al norte de India. Esta ciudad también es conocida como la ciudad rosa por sus edificaciones con ladrillos de arenisca que tienen este color. Mawa Mahal fue construido en el año 1799 por el marajá Sawai Pratap Singh y tuvo por finalidad alojar a parte de su impresionante harén.

Arte indio. Palacio Hawa Mahal. Construido en 1799. Cultura Mogol.
Palacio Hawa Mahal. Construido en 1799. Cultura Mogol. (Chainwit., CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Fue levantado en una de las calles concurridas de Jaipur, de forma tal que las damas pudieran distraerse observando la vida citadina sin ser vistas debido a las celosías que tienen las 953 ventanas. A los dos últimos pisos se accede a través de rampas, ya que no hay escaleras, y en sus buenos tiempos poseía un gran patio interno lleno de fuentes. 

El edificio es de color rojo y rosado, con cinco pisos que miden 15 metros en total. Está hecho en forma de pirámide y dicen que simula la cola de un pavo real, que es un animal venerado en la India además de ser el ave nacional.

Artes decorativas

No menos atractivas y relevantes son las artes decorativas. En la India la actividad artesanal está sumamente desarrollada y las creaciones son de gran originalidad. Al respecto reseñamos dos llamativos ejemplos.

Artesanía Bidri

El Arte Bidri es muy demandado por su gran calidad. Estas artesanías de la India constituyen un destacado producto de exportación y muchas piezas son exhibidas en los más famosos museos del mundo. Tienen su origen en la región de Bidar, al suroeste del país, y su fabricación se remonta al año 1347 cuando se establece el Sultanato Bahmaní. La materia prima es una mezcla de zinc y cobre, a la que se agrega incrustaciones de plata pura. Elaborar este tipo de artesanía conlleva un largo y delicado proceso, que termina con la oxidación para lograr el típico negro brillante.

Arte indio. Artesanía Bidri. Sultanato Bahmaní. 1347. Museo del Louvre. París.
Artesanía Bidri. Sultanato Bahmaní. 1347. Museo del Louvre. París. (Louvre Museum, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Arte Mehndi

El arte indio conocido como Mehndi es una forma de decoración corporal a base de henna. Se aplica en manos y brazos, así como en pies y piernas, aunque ocasionalmente en otras partes del cuerpo. Es muy habitual en la India para las bodas, siendo usado por las novias en el marco de una ceremonia particular antes del matrimonio, aunque en algunos lugares las mujeres además se adornan con la técnica para otro tipo de celebraciones. Este arte hindú se remonta al antiguo Egipto y con él engalanaban a las momias. Actualmente también se utiliza en Pakistán, Bangladesh y Nepal. 

Arte indio. Decoración corporal Arte Mehndi.
Arte Mehndi. Decoración corporal. (Rakeshkamandal, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).

Nuestro rápido recorrido por la historia del arte de India ratifica la gran versatilidad del arte indio. Sobre todo debido a la cantidad de culturas e imperios que lo han influido, lo cual se sigue reflejando en la actualidad. La variedad de manifestaciones artísticas del arte hindú es realmente impresionante y con seguridad sobran los dedos de una mano para enumerar otros países que se le puedan comparar.