Después de 30 años descubren una reliquia judía perdida detrás de un muro
“El mural perdido” es una pintura interior del ábside creada en 1910 por Ben Zion Black, un dramaturgo, poeta y pintor de letreros lituano de 24 años, quien hizo el arte para la antigua sinagoga Chai Adam en Burlington, Vermont. Aaron Goldberg, descendiente de los primeros residentes judíos de Burlington. Ahora que el mural ha sido encontrado, la sociedad fundó Lost Mural Project para recuperar la obra de Black.
Según el sitio web del proyecto, el tríptico de 155 pies cuadrados de Black “es parte de una larga tradición de pintura mural de sinagogas que fue particularmente avanzada en Europa del Este entre principios del siglo XVIII y mediados del siglo XX”. La mayoría de las obras de arte de este género fueron incendiadas durante el Holocausto, recordadas ahora solo a través de fotografías antiguas y versiones en acuarela.
Black llegó a Burlington en 1910 y se ganó la reputación de ser un pintor talentoso, líder de orquesta de mandolina y campeón de la cultura yiddish. De acuerdo, a los informes, en ese mismo año, Chai Adam le ofreció a Black 200 dólares en ese entonces para pintar el mural y los techos de la sinagoga.
Pedalear 2,6 kilómetros al día podría reducir las emisiones anuales en 686 millones de toneladas
Un nuevo estudio ha encontrado que si todos en el mundo pedalearan solo 1,6 millas (2,6 km) por día, se podrían reducir las emisiones globales de carbono en 686 millones de toneladas cada año. Además, la investigación deja como modelo a Países Bajos, donde 1,6 millas es la distancia media recorrida en bicicleta por sus habitantes.
Estos hallazgos se basan en una evaluación global de la producción, propiedad y uso de bicicletas por país desde 1962 hasta 2015 de la Universidad del Sur de Dinamarca. Los autores sostuvieron que “al final, se podrían evitar entre 0,34 y 0,62 millones de muertes si se siguieran los patrones ciclistas daneses y holandeses a nivel mundial”, puesto que el sector del transporte representa “una cuarta parte de las emisiones mundiales de gases de efecto invernadero relacionadas con los combustibles, y la mitad proviene de vehículos privados”.
Pese a que el ciclismo reduce las emisiones, solo juega un papel pequeño en el transporte en la mayoría de los países.
Aseguran que un manuscrito de Galileo del siglo XVII es una falsificación del siglo XX
Durante más de 80 años, un manuscrito de Galileo Galilei fue considerado “uno de los grandes tesoros” de la biblioteca de la Universidad de Michigan, pero hasta hace poco un experto descubrió que el documento es una falsificación del siglo XX.
En la carta, que fue adquirida por la escuela en 1938, se muestra a Galileo reflexionando sobre los usos potenciales de un telescopio que construyó en 1609 y se identifican “datos de observación que mostraban objetos que orbitaban un cuerpo que no era la Tierra”. No obstante, el experto aseguró que la carta de Galileo tenía algunas “peculiaridades sospechosas”.
El investigador, que está trabajando en un libro sobre Galileo, pudo identificar que descubrió que no había ningún registro del manuscrito en los archivos italianos y que las dos secciones de la carta se escribieron con meses de diferencia y que la tinta parecía extraña y uniforme.
Científicos crean lentes de contacto inteligentes que diagnostican cáncer
Un grupo de investigadores ha creado lentes de contacto inteligentes que pueden diagnosticar el cáncer por medio de la detección de sustancias químicas tumorales que se encuentran en las lágrimas durante las primeras etapas de la enfermedad.
Según explicaron, estos lentes pueden capturar las señales de exosomas, que fungen como mensajeros secretos dentro del cuerpo. Los lentes están equipados con microcámaras unidas a anticuerpos a los que se adhieren los exosomas.
Con la existencia de estos lentes existe una plataforma potencial que puede hacer la detección previa del cáncer y es fácil, rápida, sensible, rentable y no invasiva. “Puede diferenciar la expresión de proteínas de superficie como biomarcadores de cáncer”; dijeron los expertos.
Un perro ayude a erradicar 300,000 conejos invasores en la Isla Macquarie
La isla Macquarie, un sitio del Patrimonio Natural de la UNESCO (1997), se ha salvado de la invasión mamíferos, luego de ocho años de luchas para dejar limpia la casa de los pingüinos, que se vio asolada por animales como gatos, ratas, ratones y conejos. El espacio natural también se vio afectado en su vegetación endémica y las poblaciones de insectos.
Sin embargo, y para suerte de los pingüinos, Melissa Houghton y su labrador negro «Wags» se sumaron al esfuerzo de 24,6 millones de dólares australianos de Tasmania y Australia para erradicar los mamíferos invasores de la isla en 2007. Desde entonces iniciaron la limpieza para disminuir las poblaciones de roedores gracias a las gotas de cebo envenenado durante los inviernos consecutivos anteriores.
Para 2011, Wags ya había hecho parte del trabajo gigante, pero en 2014 él y su dueña lograron localizar al último roedor: una coneja adulta y su cría. Desde entonces, la isla se ha recuperado con éxito y poco a poco se ha mantenido como un sitio ideal para la comunidad animal.
Es probable que la mayoría de las personas tengan una idea bastante aproximada de lo que es el diseño de publicidad como carrera profesional y oportunidad de negocios. Pero como suele ocurrir con cualquier especialidad asociada con el marketing, no todo es tan sencillo como puede parecer; el diseño publicitario es un proceso extremadamente complejo y delicado que va mucho más allá de solo crear piezas comunicacionales atractivas para el público.
Textos publicitarios: Cuáles son, características, funciones, tipos y ejemplos de textos promocionales
No se puede negar el hecho de que el diseño publicitario está muy conectado a lo que es el uso creativo de los elementos visuales y simbólicos para hacer que una pieza publicitaria logre llamar la atención de los espectadores. Más para tener una percepción más precisa de qué es diseño publicitario, hace falta saber realmente cómo diseñar una publicidad.
Lo primero que hay que tener muy en claro cuando se habla de publicidad y diseño, es que todo se centra en el producto y cómo darlo a conocer. El producto y la marca son dos elementos esenciales dentro de los que es el diseño de publicidad como área de especialidad profesional.
Una manera bastante resumida de describir qué es diseño gráfico publicitario es percibirlo como un departamento, el cual tiene la responsabilidad de transformar los objetivos de la marca y presentarlos al público a través de piezas comunicacionales que formarán parte de la campaña para promocionar un determinado producto.
En cuanto a qué es un diseñador publicitario y cuál es el rol que este cumple dentro del departamento de marketing de una empresa, podemos describirlo como un profesional de las comunicaciones que posee una visión bastante amplia de la marca como principal representante de los productos que comercializa la empresa dentro del mercado competitivo.
Principales funciones del diseño de publicidad
Reforzar la presencia de la marca
Al ser una especialidad que se centra en la comunicación, es lógico relacionar al diseño de publicidad directamente con la marca y cada uno de los productos incluidos dentro de la misma.
Llamar la atención
Para nadie es un secreto que las imágenes publicitarias deben tener la capacidad de poder llamar la atención del público en general. Y esta es una de las principales responsabilidades que posee el departamento encargado del diseño publicitario dentro de una empresa o agencia de publicidad.
Un producto que ingresa al mercado competitivo es básicamente un desconocido para el público. Los profesionales en marketing son los encargados de hacerles llegar toda la información que los posibles clientes necesiten conocer sobre el producto y la necesidad que satisface a través de actividades como el diseño de publicidad.
Definir la personalidad de la marca
Si bien existen miles de productos disponibles en el mercado actual, cada empresa tiene una manera particular de solventar las necesidades de sus clientes y dirigirse a ellos. El diseño publicitario es una especialidad que se centra exclusivamente en darle una identidad a cada producto de la marca y hacer que la misma conserve cierto nivel de coherencia con respecto a los objetivos de la propia compañía que los fabrica.
Motivar a los espectadores
No hace falta tener un diplomado en marketing para entender que los diseños para publicidad tiene la finalidad de estimular al público a realizar una acción específica. Es por esto que los especialistas en diseño de publicidad le más atención al cómo presentarla la información a los espectadores de la forma menos invasiva posible.
Despertar el interés
Dentro de todas las actividades comunicacionales vinculadas con el marketing, el diseño publicitario es un área en donde recae mayor peso en lo que se refiere a despertar el interés por los bienes y servicios que ofrece la empresa. Esto ocurre, principalmente, porque es el departamento encargado de trabajar directamente con las piezas comunicacionales.
Principales elementos dentro del diseño de publicidad
Es algo bastante evidente que el diseño publicitario como especialidad surge de la combinación de qué es diseño y publicidad. Aunque si lo analizamos desde una perspectiva más realista, el diseño de publicidad es una actividad que está mucho más conectada con las estrategias comunicacionales de una empresa, tanto a nivel externo como interno.
La forma más fácil de poder entender la auténtica complejidad que existe tras del diseño publicitario, es analizando cada uno de los elementos gráficos de la publicidad y descubrir cómo cada uno de ellos infiere en el proceso de decodificación e interpretación del mensaje que se planea transmitir a través de las piezas.
Jamás hay que perder de vista que la publicidad es un medio para hacer llegar información a un número considerable de personas. Esto pone sobre la mesa dos aspectos claves que describen bastante bien lo que es el diseño de publicidad y su implementación como herramienta para disuadir a posibles consumidores.
Primero tenemos lo que se conoce como el contexto del mensaje publicitario. Es decir, la elaboración de un mensaje central a través de símbolos lingüísticos y no lingüísticos para darle un sentido más universal al mensaje que se desea transmitir y dar origen a la estructura discursiva que sirve de guía de cómo realizar una imagen publicitaria.
Y el segundo punto a tener en consideración es el tipo de público al cual se desea llegar realmente y de qué forma el diseño del mensaje publicitario servirá para llamar su atención y hacerlos interesarse por el bien o servicio que ofrece la empresa. Una vez se comprende la función de ambos factores dentro del mensaje con fines publicitarios, todos elementos dentro del diseño de publicidad comienzan lentamente a revelarse.
Presencia de marca
Cuando pensamos en los elementos de un diseño publicitario, no se puede ignorar el valor que posee la marca dentro de las estrategias de comunicación publicitarias. Pues hablamos específicamente del elemento que da origen a la necesidad de diseñar un plan estratégico para estimular el interés y la demanda por un producto.
Textos informativos
Siempre hay que tener en cuenta que todo buen diseño publicitario debe incluir información que resulte de utilidad para el público. Y la forma más simple de incluir datos relevantes en un diseño de publicidad es con la colocación estratégica de textos con información relevante.
La mayoría de las personas tienden a asociar a las imágenes de diseño gráfico publicitario como una de las principales roles estratégicos de este departamento. Ciertamente, esta percepción del diseño publicitario no resulta del todo errada, sobre todo si tenemos en consideración el diseño de publicidad online.
Discurso
No sería exagerado afirmar que el discurso es la razón de ser del diseño de publicidad como especialidad dentro del marketing. Esto se debe a que el discurso publicitario define tanto el tipo de público para el cual va dirigido el producto, como la manera en que la empresa los aborda su necesidad a través de la marca.
Referencia al producto
Sin producto, no tiene ningún tipo de sentido la elaboración de un contexto comunicacional por medio del diseño de publicidad. Aunque en la actualidad se tiende a abordar esto de manera mucho más sutil, el principal objetivo del mensaje publicitario es incentivar el interés y la demanda por el producto.
Contexto situacional
Con contexto situacional, nos referimos a toda la combinación de elementos gráficos y lingüísticos que le dan un sentido lógico al mensaje publicitario. Este elemento es crucial tanto para identificar el motivo de la campaña y los principios estratégicos que existen tras los fondos para anuncios publicitarios llamativos.
El diseño publicitario dentro de los medios de comunicación
La repentina expansión del mercado digital ha sido un factor clave para la demanda actual que existe por profesionales que se dediquen al diseño publicitario. Inevitablemente, esto ha traído consigo un incremento considerable en las clases de diseño publicitario que existen hoy en día y las herramientas comunicacionales que existen para hacer llegar el mensaje.
Pero, a pesar de que la rentabilidad de las campañas es un aspecto que hay que tener muy en consideración cuando estudiamos todo lo que tiene que ver con publicidad y herramientas de difusión de contenidos a nivel masivo. Aun así, el diseño de publicidad para medios de comunicación tradicionales sigue siendo un área de gran interés para las compañías que están dispuestas a invertir en estrategias comunicacionales para promover y estimular la demanda por los productos que ofrecen al mercado.
Cuando se trata de diseños publicitarios creativos, lo más importante es qué tan eficientemente es transmitido el mensaje que el medio de comunicación que se seleccione para hacerlo llegar al público.
Es evidente que cada estrategia comunicacional requiere su propia forma y ventajas estratégicas en cuanto al diseño publicitario se refiere. Por este mismo motivo es el que cuando se habla de imagen publicitaria actual, lo más relevante es conocer bien el producto y aprender cómo sacarle el máximo provecho a sus cualidades a través de los medios de comunicación.
Medios impresos
Las revistas, periódicos e incluso hasta los volantes continúan siendo herramientas realmente eficaces para informar a los consumidores. De hecho, los medios impresos excelentes para analizar más a fondo cómo el internet y el uso de las redes sociales han modificado la forma de hacer diseño de publicidad.
Piezas audiovisuales
Hoy en día las piezas audiovisuales están ganando cada vez más popularidad en lo que se refiere a diseño gráfico y diseño publicitario. Pues los avances en la tecnología y herramientas audiovisuales han hecho que su producción resulte un poco más accesible, incluso para empresas pequeñas.
Estrategias de marketing digital
El crecimiento que experimento el mercado digital en el último par de años, lo convirtió en una plaza bastante atractiva para el diseño de publicidad. Desarrollando herramientas y estrategias de comunicación que se ajustan perfectamente a la propia dinámica de cada página web o blog.
Redes sociales
Solo era cuestión de tiempo antes de que las redes sociales empezaran a convertirse en parte esencial del plan de medios de cualquier compañía, sin importar su tamaño o alcance dentro del mercado. No sería exagerado afirmar que las redes sociales transformaron por completo la publicidad para diseñadores, promoviendo el desarrollo de campañas publicitarias que están mucho más enfocadas en el desarrollo de una interacción constante entre la marca y los consumidores de sus productos.
Gigantografías
Una valla publicitaria es una herramienta comunicacional que demuestra cuanta creatividad e ingenio existe tras el diseño publicitario. Recientemente, las mismas se han convertido en una muestra de cómo el diseño de publicidad es capaz de crear piezas capaces de llamar la atención del público a través del uso de estrategias de marketing poco convencionales.
Aplicaciones
En la actualidad, muchas compañías están apostando por el desarrollo de aplicaciones para dispositivos inteligentes como una herramienta para expandir los servicios y productos que ofrecen al público. Evidentemente, este interés trajo consigo una nueva forma de comunicar y despertar el interés por dichos productos a través del diseño publicitario.
Medios no convencionales
Para llamar la atención de los espectadores, hace falta hacer algo que rompa por completo con la cotidianidad de las personas. Es decir, hacer uso de técnicas del diseño de publicidad para transformar espacios urbanos en piezas gráficas que sirvan tanto para intrigar a los espectadores, como para darle un enfoque creativo más didáctico a la campaña.
Herramientas interactivas
La interactividad se ha convertido en un elemento clave dentro de muchos de los ejemplos de diseño publicitario más famosos. Entre más se involucra al público con la marca, mayor va a ser la receptividad de los mismos hacia los productos representados por la misma.
Eventos en vivo
No hace falta tener de un título en marketing, para entender que los eventos publicitarios son una estrategia comunicacional bastante efectiva tanto para las empresas como para las agencias encargadas de organizarlos. Dentro de ellos, se pueden evidenciar todo un despliegue de diseño de publicidad creativa a través de piezas que no solo ayudan a reforzar la identidad de la marca, además, ofrecen a los visitantes la oportunidad de tener una experiencia mucho más cercana con el producto.
5 Marcas que son sinónimos de diseño de publicidad
Cuando hablamos del diseño publicitario y de cómo el mismo ha traído consigo un grupo de estrategias novedosas y efectivas para despertar el interés del público en general sobre un bien o servicio. Es lógico suponer que existe marcas que hay llevado el diseño de publicidad a un nuevo nivel.
Una realidad dentro del mundo de la publicidad es que sin importar cuántas similitudes existen entre su producto y los de la competencia, cada marca tiene una manera propia de comunicarse con su público a través del diseño publicitario.
Esto nos abre la puerta a un mundo totalmente nuevo de posibilidades para la creación de diseños publicitarios llamativos e inteligentes. Un mundo en donde la creatividad y el uso ingenioso siempre resultarán las vencedoras, sin importar cuánto sea el presupuesto destinado para la campaña.
A pesar de lo que muchas personas puedan llegar a pensar, los diseños publicitarios más llamativos no siempre son las piezas más grandes y extravagantes. Las campañas publicitarias más impactantes en lo que se refiere a la publicidad de diseñadores gráficos, son aquellas que le dan un enfoque ingenioso del producto a través de las herramientas comunicacionales que tienen a su disposición.
Burger King
De todas las franquicias de comida rápida que existen en la actualidad, ninguna es capaz de igualar a Burger King en lo que respecta a diseño de publicidad.
Valla publicitaria con anuncio de establecimiento de comida rápida (Burger King)
En lo que se trata de personalidad de marca y concepto; esta cadena se ha caracterizado por optar por un enfoque más juvenil e irreverente que el resto de sus competidores. Dando como resultado, un amplio catálogo de piezas que son una referencia en lo que se refiere al diseño publicitario.
Skechers
A pesar de que la competencia en el mercado del calzado deportivo es bastante agresiva y con la partición de competidores bastante influyentes. Existen algunas marcas que han logrado ganar notoriedad, gracias a su enfoque del producto y cómo el mismo se refleja en su diseño de publicidad.
Pieza publicitaria en centro comercial (Skechers)
Una de las más reconocidas es la marca norteamericana Skechers, cuya línea de zapatos deportivos de enfoque clásicos y plan de medios, han sido dos elementos claves para que la marca alcanzara la importancia que posee hoy en día dentro del mercado.
Halls
Ya a comienzos de los años 90´s la empresa Halls había mostrado un cambio radical en todo lo relacionado con su diseño de publicidad y enfoque comunicacional. Con el tiempo, esto terminó por convertir su producto insignia en lo que conocemos hoy en día.
Una actitud fresca y original, ese ha sido el enfoque comunicacional de la empresa por más de veinte años. Mismo que la ha llevado a experimentar con diseños publicitarios tan creativos como ingeniosos desde el punto de vista del marketing.
Amazon
Desde una plataforma que ha definido el concepto de compras por internet, hasta uno de los servicios de entretenimiento con mayor demanda dentro del mercado actual. Simplemente, pareciera que no existe nada capaz de detener a Amazon.
Valla publicitaria de servicio de música por internet (Amazon)
Y todo esto ha sido una combinación brillante entre un sólido concepto de marca; más un diseño de publicidad con un enfoque bastante sólido que es el origen de una serie de campañas publicitarias realmente exitosas.
Nintendo
Para muchos expertos en marketing, el diseño publicitario es un área la cuya principal labor es la de hacer que el producto evolucione junto con las necesidades de los consumidores. Esto ha sido algo que ha ayudado a Nintendo a seguir siendo uno de los más grandes competidores dentro del segmento de las consolas de videojuegos.
Exhibidor de videojuegos en tienda de electrónica (Nintendo)
Desde que la empresa comenzó a incursionar en el mundo de los juguetes electrónicos a comienzos de los 60´s, Nintendo se ha caracterizado por ser una compañía que siempre apuesta por la innovación tecnológica. Un aspecto que la compañía se ha encargado de reforzar tanto en sus productos y como en su enfoque del diseño publicitario.
Pasos para construir un buen diseño publicitario
Transmitir información relevante al público sobre un producto no es algo tan sencillo como la mayoría de las personas creen. El diseño de publicidad es una actividad que involucra mucha investigación y análisis del comportamiento de los posibles consumidores para dar origen a piezas realmente atractivas.
Ciertamente, el diseño publicitario no es solo creatividad y uso de herramientas audiovisuales. Cada elemento dentro de una pieza debe tener un por qué y un propósito comunicacional; el cual debe estar directamente conectado con los propios objetivos de mercado de la empresa que introduce dicho producto.
Es por este mismo motivo, que dentro del departamento de marketing de una empresa existen muchos especialistas en diseño de publicidad. Ya que la inclusión de estos profesionales dentro del equipo de trabajo, es de gran ayuda para la elaboración de estrategias comunicacionales más coherentes con los propios objetivos de la marca.
Al igual que con el resto de las actividades asociadas con el marketing, el diseño publicitario requiere de la implementación de ciertos pasos estratégicos para así garantizar el cumplimiento de los objetivos de la campaña. Y entre ellos tenemos:
1. Conocer el producto
Desde el logotipo de un anuncio publicitario hasta la manera en que está empaquetado; todo lo que se refiere a comunicación publicitaria está directamente relacionada con el producto. Por la clave de un buen diseño publicitario, consiste en conocer bien sus características más resaltantes y buscar la forma de sacarle el máximo provecho a través del mensaje publicitario.
2. Identificar el público objetivo y sus necesidades
Otro aspecto crucial en cuanto al diseño de publicidad, es aprender a identificar el tipo de público para el cual ha sido diseñado el producto en primer lugar. Esto no solo ayudará a contextualizar mejor el mensaje dentro de las piezas publicitarias, también es importante para descubrir qué es lo que realmente esperan los consumidores del producto y de qué forma hacerles llegar esta información.
3. Definir el plan de medios
Algo determinante, dentro de cualquier campaña publicitaria, es tener presente el presupuesto disponible y de qué forma sacarle el máximo provecho al mismo a través de los recursos que se poseen. Por lo tanto, es de extrema importancia tener un plan de medios bien definido.
4. Incorporar elementos para reforzar la marca
Una vez se tienen seleccionados las herramientas comunicacionales para informar al público, el paso siguiente en el diseño publicitario consiste en el desarrollo de un esquema gráfico que permita reconstruir el mensaje publicitario a través de los elementos lingüísticos y gráficos. En esta parte del proceso es donde los diseñadores empiezan a experimentar con algunas imágenes, símbolos y estilos de tipografías en su búsqueda por cercano una publicidad con fondo llamativo.
5. Diseñar piezas preliminares
Hablar de publicidad, es hacer mención a una actividad donde hay una cantidad considerable de capital y recursos involucrados. Por eso, lo más recomendable con respecto al diseño de publicidad es que primero se realicen unos prototipos de las piezas originales y se las presente a un grupo de testing para comprobar su efectividad.
6. Implementar las estrategias
Cuando las piezas ya han pasado por una evaluación preliminar y se han hecho todos los cambios necesarios; entonces es momento de presentar los diseños publicitarios finales incorporando las piezas finales a la campaña.
7. Hacer seguimiento continuo del desarrollo de la campaña
En lo que se refiere al marketing como especialidad dentro del mundo de los negocios, es crucial hacer un seguimiento constante de la evolución y las reacciones generales del público durante todo el tiempo que dure la campaña publicitaria. Obviamente, esto cobra mayor peso cuando hablamos del diseño publicitario, pues en la mayoría de los obtenidos revelan la efectividad de cada una de las piezas comunicacionales.
La creatividad, el ingenio y la originalidad son tres principios que están implícitos en todo lo que tiene que ver con diseño de publicidad. Una compañía no hace nada fabricando un producto de alta calidad, si a cambio no existe una demanda en el mercado capaz de cubrir con todos los gastos de capital, tiempo y recursos que involucra su creación; y es justo en esta parte donde el diseño publicitario empieza a hacerse valer como una pieza fundamental dentro de todas las actividades y procedimientos asociadas con el marketing.
Para nadie es un secreto que en toda la historia, Europa ha sido el epicentro del arte mundial, emergiendo de ese territorio varios de los movimientos y estilos artísticos de mayor trascendencia. Por supuesto, el arte italiano no está exento de ello y, específicamente las pinturas italianas han sido todo un referente para el mundo de las artes plásticas, destacando de esa disciplina creativa las pinturas del Renacimiento italiano, que se encuentran en los primeros lugares de las obras más reconocidas y afamadas del planeta. Este artículo presenta los aspectos más interesantes de 15 apreciadas pinturas de Italia, concebidas dentro del periodo renacentista. No te pierdas la siguiente información.
Pinturas famosas del Renacimiento: Características y artistas de las 18 principales pinturas del Renacimiento (imágenes)
Iniciamos esta lista de obras de arte italianas con este magnífico cuadro realizado en 1538 por Tiziano, como parte de un encargo hecho por el hijo del duque de Urbino. Como en algunas obras de la pintura renacentista en Italia, Tiziano usó como tema principal la mitología grecolatina al representar a la diosa Venus, con la particularidad de que la figura femenina se desprende de la divinidad para exponerse como una mujer cargada de erotismo y provocación, un elemento que se diferencia enormemente del tradicional idealismo renacentista.
Esta pintura ha sido ampliamente reproducida e imitada por artistas de movimientos y corrientes posteriores, demostrando así el gran impacto que ha marcado esta obra dentro de arte pictórico.
(Uffizi, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Tránsito de la Virgen, Andrea Mantegna
Mantegna fue uno de los más consagrados pintores del Renacimiento italiano en su primera etapa, el Quattrocento, como bien se puede evidenciar en este cuadro realizado en 1462 como un encargo hecho por Luis III Gonzaga al renombrado artista veneciano para decorar la capilla del castillo ducal de Mantua. Representa la muerte de la Virgen María, que yace en la escena rodeada de once apóstoles.
Forma parte de la colección del Museo del Prado de Madrid.
(Museo del Prado, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Cristo en el monte de los Olivos, Giovanni Bellini
Muchas de las imágenes renacentistas están dedicadas a la representación del hijo de Dios, como bien lo muestra este cuadro al temple sobre tabla realizado en 1459 por Bellini, pintor renacentista italiano que desplegó su carrera principalmente en Venecia. Esta obra fue inspirada por un cuadro similar de Andrea Mantegna, cuya temática principal es la oración de Jesucristo en el monte de los Olivos, acompañado por unos durmientes Simón Pedro, Juan y Santiago.
(National Gallery, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
La tempestad, Giorgione
Otro renombrado pintor del Renacimiento italiano fue Giorgione, que legó esta maravillosa obra elaborada en 1508 para complacer un encargo del noble Gabriel Vendramin. En este cuadro se puede observar una mujer y un hombre que posan delante de un paisaje que anuncia una tormenta, escena que ha tenido diferentes interpretaciones, que van desde lo mitológico, bíblico y hasta lo alegórico.
Se encuentra expuesta en la Galería de la Academia de Venecia, como parte de la nutrida colección de cuadros famosos del Renacimiento que reposan en este recinto.
(Gallerie dell’Accademia, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
El pago del tributo, Masaccio
Entre las pinturas renacentistas italianas producidas en el Quattrocento se encuentra esta obra de Masaccio, que es una de las representaciones más famosas del conjunto de frescos hechos por el célebre pintor para decorar la Capilla Brancacci, hoy iglesia de Santa María del Carmine, situada en Florencia.
Representa la narración de un pasaje del Evangelio según Mateo, que reseña hechos de la vida de san Pedro; para ello, Masaccio hace el uso de la yuxtaposición para colocar en una sola escena tres acontecimientos: el reclamo del tributo a Pedro por parte de un recaudador (centro), la toma de una moneda tragada por un pez en el lago Tiberíades por parte de Pedro (izquierda) y el pago del tributo (derecha).
(Masaccio, Public domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución del original).
La última cena, Leonardo da Vinci
Da Vinci es, indudablemente, el primero de los artistas famosos de Italia, desarrollando carrera como pintor, escultor, inventor y también científico. Este polifacético personaje es el autor de esta aclamada pieza, un mural al temple realizado en 1495 para decorar el convento de Santa María de la Gracia, ubicado en Milán, como parte de un tríptico de escenas que representan importantes narraciones bíblicas.
El último encuentro de Jesús con sus apóstoles es reseñado pictóricamente en esta obra, que si bien es una pintura italiana del siglo XV, hoy en día sigue tomándose como referencia dentro de la cultura popular.
(Santa Maria delle Grazie, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
El nacimiento de Venus, Sandro Botticelli
Botticelli es otro de los reconocidos pintores italianos del Renacimiento, desarrollando su carrera concretamente en el Quattrocento. Con una marcada referencia hacia el arte grecolatino, esta pintura, creada en 1485, representa extraordinariamente el mito romano en torno al nacimiento de Venus, la diosa del amor, que es pintada desnuda en la pieza emergiendo de una concha marina, siendo también el primer desnudo realizado en la historia del arte pictórico. La pintura, hoy expuesta en la galería Uffizi de Florencia, conformó la amplia colección artística que poseía la poderosa familia Médici.
(Uffizi, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Cristo muerto, sostenido por un ángel, Antonello da Messina
La técnica mixta del óleo y temple sobre tabla es la principal característica de este cuadro datado entre 1475 y 1476, siendo una obra de Messina que se mantuvo inédita hasta su adquisición en 1965 por parte del Museo del Prado de Madrid, donde se pudo comprobar que esta pintura renacentista italiana es una de las piezas más significativas del artista.
La escena representada es protagonizada por Cristo ya fallecido después de su calvario, que es sostenido por un ángel lloroso, en una imagen dramática que se aprecia ante un paisaje que recuerda al Gólgota.
(Museo del Prado, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
La anunciación, Fra Angélico
Entre las famosas pinturas de pintores italianos que desarrollaron su carrera en la primera etapa del Renacimiento destaca este cuadro de temática religiosa elaborado en 1426 por Guido di Prietro, conocido mundialmente como Fra Angélico por su ejercicio como fraile en la orden de los dominicos.
Y es para uno de los conventos de dicha orden que pintó este magnífico retablo, que reseña la aparición del arcángel Gabriel ante la Virgen María para anunciar su futuro como madre de Jesús. La pieza se puede apreciar en el Museo del Prado de Madrid.
(basilica of St. Mark, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Escuela de Atenas, Rafael
Rafael Sanzio fue uno de los aclamados pintores del siglo XVI italianos, siendo considerado para la realización de varios encargos artísticos hechos tanto por renombradas figuras como para instituciones religiosas. Un ejemplo de ello fue su designación para decorar cuatro espacios del segundo piso del Palacio Apostólico, habitaciones que, precisamente, hoy se conocen como Las estancias de Rafael, que muestran un conjunto de pinturas que simbolizan distintas ramas del conocimiento.
La Estancia del Sello está decorada como este interesante fresco, elaborado por Rafael y sus discípulos entre 1510 y 1512 para representar a la filosofía, tomando no solo aspectos del arte pictórico griego, sino también de la arquitectura clásica, como se muestra en la escena que congrega a un nutrido grupo de filósofos y pensadores griegos.
(Rafael Sanzio, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Lamentación sobre Cristo muerto, Giotto
La pintura del Renacimiento italiano se originó después de una profunda transición que vivió el predecesor arte medieval, por lo que su producción artística vino a llamar la atención de la opinión pública desde el siglo XIV, cuando esta época creativa comenzaba a dar sus primeros pasos. Uno de los precursores de esta corriente fue Giotto di Bondone, prominente muralista que realizó en 1306 este fresco para decorar la capilla de los Scrovegni situada en Padua. En dicha obra se muestra la dolorosa escena protagonizada por una afligida Virgen María que sostiene en brazos a Jesucristo, acto que atestiguan con lamentación un nutrido grupo de personas encabezadas por María Magdalena, los apóstoles y unos ángeles.
(Scrovegni Chapel, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
La leyenda de la Santa Cruz, Piero della Francesca
En la Toscana se hallan numerosos cuadros del Renacimiento italiano, siendo éste uno de los más apreciados. En realidad se trata de un conjunto de frescos realizado por Francesca para la decoración de la Capilla Bacci, ubicada en la Basílica de San Francisco de Arezzo, que anteriormente pertenecía a la familia más rica de dicha localidad.
La obra, dividida en doce episodios, relata gráficamente la historia del hallazgo de la Vera Cruz, siguiendo las compilaciones y leyendas escritas durante la época medieval.
Madonna Sixtina, Rafael
Aquí presentamos otra obra famosísima del consagrado pintor renacentista Rafael Sanzio, uno de los máximos representantes del arte pictórico de la mencionada época. Desarrollada entre 1513 y 1514, es decir, en el Cinquecento o segunda etapa renacentista, esta obra fue elaborada con el fin de decorar la tumba del papa Julio II, lo que viene a demostrar la incorporación de la pintura de ese tiempo dentro de los monumentos funerarios que se encuentran en la Ciudad del Vaticano.
Dicha pintura cristiana representa a la Virgen María sosteniendo en brazos al niño, escena que atestigua desde la parte interior unos tiernos querubines, figuras ampliamente replicadas dentro de la cultura popular.
(Gemäldegalerie Alte Meister, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
La creación de Adán, Miguel Ángel
Hablar de la pintura renacentista italiana es hablar de Miguel Ángel Buonarroti, artista toscano que se desenvolvió como pintor y escultor durante esta etapa creativa. Tal era su fama a inicios del siglo XVI que el papa Julio II le asignó la responsabilidad de decorar el techo de la Capilla Sixtina, uno de los recintos de mayor importancia dentro de la iglesia católica.
Para ello, pintó un conjunto de frescos compuesto por más de trescientas figuras, que representan a personajes de la Biblia que protagonizaron importantes hechos reseñados en este libro sagrado, una tarea que desarrolló entre 1508 y 1512. Una de las obras que más llama la atención de esta bóveda es la que reseña gráficamente la creación divina del primer hombre de la Tierra, una escena que es ampliamente famosa en todo el mundo y que ha servido de influencia para distintos ámbitos artísticos, más allá del género pictórico.
(Michelangelo, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
La Gioconda o Mona Lisa, Leonardo da Vinci
Para cerrar con broche de oro esta detallada lista de pinturas de Italia no podíamos dejar de mencionar la que, para muchos, es la pintura más famosa de toda la historia universal. Nos referimos al aclamado cuadro de Leonardo, pintado en 1503 a inicios del Cinquecento, época en la que da Vinci era ampliamente solicitado para retratar a importantes figuras de la sociedad florentina.
En esta oportunidad le tocó retratar a la esposa del comerciante y mercader Francisco del Giocondo, una joven llamada Lisa Gherardini (de ahí ambos nombres del cuadro) que posa sentada en la obra delante de un paisaje. Lo representativo de esta pintura es la mirada y la enigmática sonrisa de esta figura femenina, la cual puede provocar admiración o desconcierto en el público espectador. Actualmente reposa en el consagrado Museo del Louvre, siendo también una de las piezas de arte mejor valoradas en todo el mundo.
(Louvre Museum, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Las pinturas de Italia descritas previamente se ubican entre las más famosas y valoradas del mundo artístico, hecho que demuestra la relevancia que tuvo en su momento y que aún tiene el Renacimiento italiano en pintura, que no solo rompió los esquemas dentro del ámbito estético, sino que también cambió la perspectiva en cuanto a la sensibilidad artística y el simbolismo del arte como expresión de poder y riqueza que, en su momento, tuvieron las familias que patrocinaron y se beneficiaron de estas obras, sin olvidar también que fue una época de consagración para el grupo de artistas que se convirtieron desde ese tiempo en personas famosas de Italia. Hoy, las pinturas italianas renacentistas son una clara muestra del impacto que tuvo este movimiento artístico – cultural para las posteriores generaciones de artistas, siendo aún fuentes de inspiración para muchos pintores actuales y piezas fascinantes para los amantes e interesados del arte.
Es posible que te hayas encontrado con algún anuncio sobre lectura de tarot, o que vieras este tipo de referencias en películas y series. Sin embargo, la mayoría de las personas no saben lo que hay detrás de la cartomancia y los diferentes tipos de tarot que existen en la actualidad. Se trata de una práctica antigua que sigue muy presente en la actualidad, y para la que se han desarrollado diferentes tipos de cartas de tarot (algunas con diseños increíbles y únicos). Si te da curiosidad el tema o si simplemente te gustaría saber para qué sirve el tarot, en este artículo encontrarás las clasificaciones más populares para leer las cartas.
Cartomancia: Qué es, elementos, significado y cómo hacer una lectura de cartas para adivinar el futuro
Se trata de un método de adivinación muy antiguo que pretende descubrir datos o acontecimientos del futuro, e incluso algunas razones detrás de situaciones pasadas. Desde que existe el tarot, siempre se ha relacionado a imágenes místicas y fuerzas superiores que guían el camino de los seres humanos. Este es el caso de los ángeles o arcanos. Para estas lecturas se necesitan tres cosas: una persona con el don de la clarividencia o la intuición, una baraja ilustrada, y un consultante con buena disposición.
Antes de adentrarse en cualquier descripción de esta práctica en particular, es importante mencionar que todos los tipos de tarot se basan en un concepto primordial, que son los arcanos. Este término hace referencia a la energía misteriosa e implícita que está detrás de algo, y que al revelarse puede representar una visión del futuro. Cada carta representa a un arcano en especial, con una historia o interpretación determinada. Aunque los nombres pueden variar, dependiendo del idioma y del lugar de origen, se pueden encontrar a El Loco, La Sacerdotisa, El Mago, La Muerte, Los Amantes, El Colgado, La Luna y El Sol, Justicia, El Mundo y La Fuerza.
Todos los tipos de barajas de cartas de este estilo tienen un elemento en común: se forman a partir de arcanos mayores y menores. Un mazo promedio se compone de 78 cartas, la mayoría (56 para ser exactos) son menores. Por otro lado, 22 es el total de cuántos arcanos mayores hay en una baraja común.
Los arcanos mayores son las cartas principales del mazo y representan patrones comunes para todos los individuos. Es decir, que hacen referencia a patrones humanos o leyes universales. Los arcanos menores son, por su parte, una referencia a los elementos cotidianos y fluctuantes. Se dividen en oro, bastos, espada y copas.
La numerología y simbología que existe detrás de este grupo de cartas es lo que permite complementar una lectura, entendiendo siempre que se trata de energías temporales o momentáneas que van de la mano con las decisiones que la persona pueda tomar. Este es un resumen muy amplio, genérico y rápido de cómo se manejan los arcanos en la cartomancia. Una base que se replica en otros tipos de lecturas.
Cada uno de estos elementos tiene una imagen que será interpretada por el tarotista, para brindarle respuestas o aproximaciones a la realidad que se analiza. Por ejemplo, la carta del mundo en tarot representa el fin de un ciclo y el inicio de otro. Es el gran peak entre dos momentos importantes de la historia de alguien.
Sin importar cuántas cartas del tarot hay, la versión de Rider-Waite es reconocida globalmente como una de las más comunes. Surgió en 1910 de la mano del británico Arthur Edward Waite, (con ilustraciones originales de Pamela Colman Smith) y forma parte de los tipos de barajas de tarot con los que todo principiante debe aprender, si quiere involucrarse en el mundo de la adivinación.
Se trata de un grupo de cartas que se divide en 22 arcanos mayores y 56 menores, para un total de 78, con ilustraciones muy detalladas de cada uno de los elementos. La principal característica de este tarot es que se eliminan las referencias religiosas cristianas de las versiones más antiguas. Así mismo, se realizaron varias modificaciones a la simbología y representaciones establecidas, para lograr una concordancia con las características generales de la astrología (como los rasgos más determinantes de cada signo). Las imágenes tienen gran influencia del ocultismo y las corrientes mágicas.
Esta baraja está acompañada de una guía resumen que sirve para orientar a las personas en su lectura. Cada carta va impregnada de una historia y descripción de complementan la perspectiva del tarotista.
La lectura se realiza, generalmente, abriendo la baraja en forma de abanico para luego sacar tres o cuatros cartas que se leen en conjunto para una interpretación más amplia y completa.
Tarot gitano
El tarot existe desde hace muchas generaciones atrás, y los gitanos son – quizás – una de las representaciones más conocidas. Entre los tipos de tiradas del tarot, el estilo gitano es el que se caracteriza por su tinte realista.
Dentro de todos los tipos de tarot, se cree que esta es una de las barajas más sagradas y precisas, mezclando metafísica, esoterismo y alquimia.
Tarot de Marsella
También el tarot existe en su versión francesa, nombrado por la hermosa Marsella. Es uno de los estilos más difundidos y que dio origen a nuevos tipos de barajas posteriores. Muchos lo confunden con el tradicional juego de naipes español.
Ya que hay tantas posibles interpretaciones como tipos de cartas de tarot en el mundo, el autoconocimiento y la concentración del consultante es clave para entender qué es tarot francés, o tarot de Marsella.
Para esta práctica se emplea un tipo de cartas tarot que se divide en 3 grupos. La clasificación común de arcanos mayores y menores (con algunas diferencias), y -además- una tercera categoría. La baraja tiene 78 cartas, de las cuales son 22 mayores, 40 palos y oros (arcanos menores) y finalmente, las figuras de la corte. La estética es clásica y medieval, emulando a los vitrales de la antigüedad, y suelen manejar una paleta de colores bastante reducida (normalmente se utiliza el amarillo, azul y rojo).
Es un tipo de tarot al que la gente recurre cuando quiere saber cuál o cuáles aspectos de la vida presentan trabas, o generan incertidumbres. Está muy ligado al ser, y al desarrollo de virtudes personales.
Tarot egipcio
Por último, para entender qué es un tarot egipcio, hay que comprender su relación con eventos naturales, los arquetipos y los simbolismos egipcios antiguos. Es allí donde radica la principal diferencia al momento de la interpretación. Los tipos de cartas del tarot egipcio se caracterizan por la simbología antigua y su estética particular.
Las tradiciones y creencias egipcias se reflejan en cada una de las imágenes implementadas, con una dualidad de deidad y simbología que ayuda a formar los conceptos.
Algunos historiadores aseguran que la versión original del tarot fue tallada por el Dios Thoth en papiro, 3.000 años antes de Cristo, y llevada por los gitanos desde Egipto hacia Italia en mitad del siglo XV. Por esta razón las cartas están rodeadas de simbología y sabiduría antigua, ya que contienen el conocimiento del cosmos, la materia, la energía, el espíritu y la mente.
Se dividen las imágenes en tres planos o partes principales que están conectados con el mundo divino, mental y material. En la parte superior de las cartas se hace referencia a un Dios del antiguo Egipto, y en la inferior hay símbolos que combinados se traducen en un mensaje para el consultante. Para realizar esta tirada se forma una pirámide de seis cartas de arcanos mayores, más la carta número 78, que corresponde a “la locura”.
La cartomancia es una práctica antigua que, sin importar la gran cantidad de tipos de barajas tarot que existan, siempre busca concentrarse en dos puntos importantes: la intuición y el camino del del ser humano. No está definido cuántas son las cartas del tarot hay, ya que el diseño y la intención detrás de cada mazo es muy variado. Entre los tipos de cartas de tarot se pueden encontrar diseños paranormales o religiosos, mazos inspirados en personajes o historias populares, y mucho más. Lo importante es que en cada uno de los diferentes tipos de tarot es posible encontrar un universo complejo de misterio, espiritualidad y estudio.
¿Alguna vez te preguntaste cómo saber si hay fantasmas en tu casa? Es probable que sí, ya que todas las personas han experimentado alguna vez situaciones tensas o escalofriantes con tipos de fantasmas que no han podido identificar. A continuación, hablaremos sobre los tipos de espectros que pueden existir en tu casa o en un lugar abandonado.
Mitos venezolanos: Historia, vídeos e imágenes de las 25 leyendas venezolanas más populares
La diferencia entre espectro y fantasma está en el sinónimo, pero en este caso se habla de actividad fantasmal residual en situaciones que involucran trauma o estrés para la persona que ha fallecido; un asesinato, violación o muerte repentina puede generar una energía negativa o positiva emanada del alma en pena.
Sin interacciones
Con respecto a la energía negativa de esta alma en pena, suele irse hacia la atmósfera, donde se encapsulan o registran los eventos que causaron la muerte del espectro. De acuerdo a los expertos en fantasmas, no hay forma de cómo ver un espíritu de este tipo, pero se presentan como una cinta de grabación que se reproduce una y otra vez.
Asimismo, sugieren que las entidades involucradas que forman parte de la actividad fantasmal residual no están al tanto de lo que sucede, así que no son conscientes de su entorno; además, no tienen intención alguna de hacer interacciones con los humanos, lo que implica que no hay un ataque o confrontación entre tú y la entidad.
Reproducción de sonidos
La frecuencia fantasma de estos tipos de espectros se relaciona, como se dijo anteriormente, con la repetición de eventos. La actividad inquietante residual, como también es conocida, puede ser parte de los espectros de los seres vivos.
Es por ello que alguna vez llegaste a escuchar esas historias de fantasmas que te hicieron preguntarte si existen los espíritus, ya que estas especies de fantasmas suelen reproducir sonidos de una fiesta, voces, música, cantos, risas, pasos, etc., cuando entran en lugares como salones, espacios donde se hacían eventos, iglesias, y lugares cerrados que albergaban personas.
Poltergeist
Entender qué son los fantasmas y cómo interactúan en el mundo humano puede ser confuso, sobre todo cuando existen diferentes tipos de espectros como el poltergeist. Su nombre tiene origen en el alemán y significa “espíritu ruidoso”. A diferencia de la actividad fantasmal residual, los poltergeists suelen ser más agresivos y con ruidos intensos y amenazantes.
Los historiadores han recopilado informes de poltergeists que se remontan a la época de los antiguos romanos, así que su existencia entre los humanos tiene larga data. Con respecto a su forma de manifestarse, la actividad paranormal empieza con golpes intermitentes, luego repetitivos, hasta que comienzan a moverse los muebles y objetos, se caen o empiezan a ser movidos de lugar.
A medida que aumenta la interacción del poltergeist, la actividad aumenta la intensidad y puede manifestarse por medio de voces e incluso puede optar por la aparición completa, que por lo general es una forma humanoide oscura y amenazante.
Al acecho
Una característica importante del poltergeist, más allá del deslizamiento de objetos y muebles, es que puede acechar a las personas, asustarlas, con movimientos de camas, temblores y sonidos aterradores que pueden paralizar a cualquiera.
Por otro lado, es difícil identificar las víctimas potenciales, ya que ser un fantasma de este tipo implica buscar personas que estén inestables mentalmente para poder apoderarse de su energía, su miedo y fuerza, pero también suelen buscar un hogar estable y con energía controlada, solo para buscar los puntos débiles, como por ejemplo, la falta de fe o episodios de rabia y estrés.
En ocasiones, el espectro solo está deseando dominar el espacio que habita una persona, ya sea por razones pasadas o porque alguna vez le perteneció. Esto hace posible que el mal cese si la persona abandona el lugar, pues rara vez un poltergeist persigue a alguien.
¿Qué es un fantasma demoníaco? También conocidos como actividad demoníaca, los demonios son entidades que nunca tuvieron una forma humana mortal, así que pueden incluirse en los tipos de espectros que se originan de la energía pura.
Presentaciones
En tu mente puedes crear imágenes de fantasmas demoníacos porque estos se pueden presentar de forma angelical, como un ser bello que puede manipularte para cometer algún pecado o algo malo que en tu sano juicio no haría. Es común ver este ejemplo en series o películas ficticias como El Exorcista.
En contraparte, la entidad demoníaca también puede presentarse con un aspecto horrible y malvado. Estos no se alimentan de la ingenuidad, como lo haría la apariencia angelical, sino que apuntan al miedo de las personas; de hecho, algunas afirman haber visto demonios increíblemente horribles. Además, la energía negativa que emanan es paralizante.
Su tercera forma es la de la oscuridad, niebla o sombra. Los demonios también se aferran a lo oscuro para hacer la mayoría de sus apariciones y pasar desapercibidos, al tiempo que esperan generan un ambiente denso y plagado de pesadez para generar tensión. Las personas que suelen notar la presencia de un demonio se topan con un hedor poco soportable, como si fuese carne putrefacta o como si fuese azufre.
Fortaleza
Los demonios destacan por su fortaleza, algo que se pueden notar en sus sonidos o gruñidos que invaden el lugar, también pueden empujar, asfixiar o arañar a la persona que está molestando. Asimismo, pueden hacer que el aire se sienta espeso, que el ambiente se vuelva más frío o mucho más cálido.
Además, su influencia en la persona puede avanzar hacia la posesión. Históricamente se ha hablado de tipos de fantasmas o entes demoníacos muy fuertes que han logrado incubar dentro de personas, independientemente de su fe o de su fortaleza mental; a veces la posesión tiene que ver con conjuros prohibidos o con objetos malditos.
Este es uno de los espectros que es parecido al que abordamos al principio, pero se diferencian porque el anterior no es inteligente y este sí, pues está consciente de su entorno. Esta forma de energía o especie de fantasma puede interactuar con las personas, está al tanto de la presencia humana, puede comunicarse, tocar e interactuar con su entorno. Asimismo, pueden aparecer en fotografías familiares cuando los lentes logran captar su presencia, es por ello que existen muchas fotos de fantasmas documentadas.
Apariencia
La idea más familiar de un fantasma inteligente es una persona fallecida y puede ser un ser querido, como amistades, familiares o un noviazgo. En estos casos, la gente que ve fantasmas o los tipos de espectros como los interactivos pueden ser tan hostiles como amigables y pueden tomar la forma humana para manifestarse.La personalidad interactiva, como también se le conoce, también puede manifestarse con ruidos únicamente o pueden emanar olores familiares para hacerse notar.
Experiencia
Su presencia, dependiendo de si es positiva o negativa, puede llevar a las personas que identifican estos fantasmas a buscar la forma de liberarlos para que pasen de una vez por todas a su otra vida en el más allá. Aún así, la gente que ve espíritus no están exentas de experimentar tristeza, rabia o felicidad inesperada cuando la actividad inteligente se manifiesta en el espacio que antes habitaban. El don de ver espiritus también ayuda a las personas a facilitar su transición al otro mundo.
Criaturas de la sombra
Un espectro fantasma como este tiene que ver con la actividad paranormal inquietante, sobre todo porque te hacen cuestionar “cómo saber si hay espíritus en mi casa”, ya que no puedes ver algo materializado, pues a veces solo es una sombra pasajera. Aunque no hay explicación clara para estos tipos de fantasmas, se sabe que se puede ver mayormente con visión periférica.
Movimiento
Las criaturas de las sombras pertenecen a la oscuridad y suelen moverse por las paredes, no poseen rasgos humanos, son ágiles y difíciles de identificar. Por lo general, los fantasmas de la oscuridad no son hostiles pero sí inquietantes, ya que la persona está buscando rasgos humanos en una sombra estática o no.
Presencia
Los fantasmas sombríos también hacen que las personas se pregunten “cómo saber si en mi casa hay fantasmas”, puesto que suelen dudar de si en realidad están en frente a un espectro malvado o si es solo producto de la imaginación. A veces, estos tipos de fantasmas son transitorios y solo buscan un espacio al cual pertenecer.
Hemos llegado al final de la lista de los tipos de fantasmas que pueden existir en tu casa o en cualquier espacio. Si llegaste hasta aquí es posible que estés buscando en tu mente si alguna vez experimentaste situaciones paranormales con algunos de estos tipos de espectros; situaciones que borran las líneas entre la creencia y la incredulidad.
Para comprender los estados emocionales hay que hacer distinciones entre emociones, pasiones y sentimientos pues por ejemplo las emociones y el afecto no es lo mismo que un estado afectivo, una emoción es una respuesta interna mientras que un estado afectivo hace más referencia al ambiente de un lugar.
Emociones primarias: Cuáles son, significado, tipos y ejemplos de todas las emociones básicas del ser humano
Es bien conocido que las emociones son una parte importante y sumamente interesante de la vida humana, todos en mayor o menor medida operan y viven sumamente influenciados por sus emociones, algunos consideran que esto es algo malo y que siempre se debe perseguir la objetividad, sin embargo las emociones tienen su razón de existir y es que son adaptativas. De forma similar se tiene la existencia de los estados afectivos lo cual toma el concepto de las emociones (al igual que otros que se verán más adelante) y los lleva a otro nivel.
Los estados afectivos también son una función psicológica humana utilizada para la adaptación, pero en este caso se habla más de una comunicación interna y externa, pues un estado afectivo le da información a la persona que podrá usar (y en muchos casos efectivamente, lo hace) para modificar la percepción de varios elementos así también como otros procesos cognitivos más complejos.
Es bueno utilizar uno de los ejemplos afectivos para dejar aún más claro el concepto, no es lo mismo llegar a una fiesta y ver que todo el mundo la está pasando bien, hay múltiples grupos de personas compartiendo y riéndose, a llegar y ver que hay un ambiente de tensión en el que nadie realmente está pasando un buen rato.
En ambos casos la información que la persona recoge de los elementos que percibe, le informarán sobre el ambiente y cómo debería comportarse o proceder con sus siguientes acciones, es decir formar parte de la diversión en el primer caso y andar con precaución en el segundo, si se intercambiaran las respuestas se obtendría a alguien actuando de forma “extraña” o no acorde al contexto, o en otras palabras de forma desadaptativa.
Ejemplos de las características afectivas de una persona
Los estados afectivos constan con algunas características bastante curiosas, algunas son de esperarse pero otras han sido desarrolladas por teorías específicas que buscan aclarar aspectos de la naturaleza y el funcionamiento de los estados afectivos.
Medición de estados afectivos emocionales
La primera característica es que esto es un fenómeno medible, lo cual es sumamente importante para la ciencia especialmente para la psicología en este caso, pues no solo otorga evidencia de su existencia, sino que abre la puerta para realizar posibles estudios que otorguen más información e incluso lo relacionen con otras variables diferentes.
Hay varias formas de medir un estado afectivo, pueden usarse métodos de observación, pueden recogerse datos fisiológicos (como exámenes médicos) pero la más común son los cuestionarios auto aplicados, estos recogen información objetiva junto con expresiones subjetivas del sujeto a estudiar corriendo menos riesgo de sacarlo de dicho estado. Una de las pruebas psicométricas para medir estados afectivos en el Multi-Affect Indicator (conocido como MAI por sus siglas en inglés).
Dimensiones de la emoción
Hay una teoría o, mejor dicho modelo de los estados afectivos del cual se explica el origen de sus tipos, bajo este modelo conocido como modelo descriptivo de los estados afectivos se manejan 2 variables, la activación y la valencia. La valencia es la valoración que se le da al estado afectivo referente a qué tan placentero es, volviendo al ejemplo de las 2 fiestas, la primera donde todos se divierten sería más placentera (valencia positiva) que la que está llena de tensión (valencia negativa).
Luego está la activación la cual es el nivel de activación psicofisiológica (respuestas del cuerpo por ejemplo), en donde mientras más energía de este estilo exista se determinará si es un estado de alta o de baja activación.
Estas variables son representadas gráficamente en una especie de grafico de coordenadas (o cruz) en donde la valencia es el eje X (la línea horizontal) que en su extremo izquierdo tiene la valencia negativa y al derecho la valencia positiva. Y la activación sería el eje Y (la línea vertical) donde en el extremo superior se encuentra la alta activación y en el inferior la baja activación. De este grafico se obtienen cuatro tipos de estados afectivos que se verán en el último apartado de este artículo.
Estados afectivos subjetivos y espontáneos
Ahora es donde se llega a las características de la pasión predecibles que se mencionaron, no es sorpresa que al tratarse de emociones y sentimientos los fenómenos afectivos sean altamente subjetivos, pues la percepción de cada uno tendrá peso a la hora de determinar cómo interpretar alguna situación o inclusive cómo contribuir a dicho estado actual.
También se tiene que el estado afectivo es algo que ocurre espontáneamente, es decir no son algo que emerge directamente de un evento o consecuencia única y necesariamente replicable, sino que tienden a ser involuntarios y el resultado de varios factores alguno sutiles otros no tanto.
¿Cuáles son los estados afectivos?
Volviendo al modelo descriptivo de los estados afectivos hay que recordar todos los elementos presentes para la distinción de los tipos de estados afectivos existentes según el modelo, la alta activación, baja activación, la valencia negativa y la valencia positiva. De estos 4 elementos aparecen distintas combinaciones que resultan en ansiedad, entusiasmo, depresión y tranquilidad.
Entusiasmo
Primero se hablará de los estados afectivos positivos, es decir aquellos que son percibidos por la mayoría como agradables y deseables, el primero es el entusiasmo que resulta de la combinación entre la alta activación y la valencia positiva. El entusiasmo es ánimo y pasión despertada por algo y este suele ser el estado afectivo que más intentan generar en ambientes de trabajo pues es ideal para la productividad y la innovación, desgraciadamente replicarlo no es sencillo pues como se habló en las características estos fenómenos son espontáneos por lo que intentar replicarlos artificialmente resulta en niveles variados de éxitos y fracasos.
Tranquilidad
El segundo estado placentero es el de la tranquilidad, este resulta de la combinación de la valencia positiva (lo que lo hace placentero) y la baja activación, la tranquilidad es necesaria especialmente si se pasa mucho tiempo en algún otro estado afectivo con alta activación, pues el descanso es parte vital de la vida así que el descanso placentero es sumamente importante para todos.
Ansiedad
Los estados afectivos negativos comparten nombre con algunos trastornos psicológicos que desafortunadamente son bastante prevalentes en la actualidad y es que estos estados generan estos sentimientos en las personas y en el peor de los casos la larga exposición a estos ambientes puede empezar a tomar repercusiones en la salud de las personas presentes en él. La ansiedad surge de la combinación de alta activación y valencia negativa y genera sentimientos de miedo o tensión ante situaciones que pueden o no ocurrir.
Depresión
Finalmente, la depresión como estado afectivo nace de unir la baja activación con la valencia negativa, es decir la poca actividad con la valoración del ambiente como uno no placentero, uno de los ejemplos de emociones afectivas pudiese ser el ambiente que existe durante la mayoría de velorios o entierros, por lo general los presentes están tristes y este contexto informa al resto de cómo comportarse en la situación.
En conclusión, el significado afectivo es algo que las personas pueden descifrar y utilizar para adaptar su conducta y encajar con el resto de individuos, también se tiene que estos estados son espontáneos y surgen de una combinación de factores relativamente impredecibles.
El cliente habitual es el que garantiza la rentabilidad de una empresa y colabora de manera espontánea en la promoción positiva y gratuita de tu producto o servicio, pues al sentirse satisfecho comparte la experiencia de calidad con otras personas cercanas a su círculo social. No es fácil ganarse un cliente frecuente, se requiere de dedicación, tiempo y mucha creatividad, pero bien vale el esfuerzo para el éxito comercial que deseas. A continuación te revelamos cómo llevar a cabo un efectivo programa para clientes frecuentes y algunos ejemplos de cliente frecuente que han sido pilares fundamentales en el avance de algunos emprendimientos.
Metas laborales: 18 ejemplos de objetivos laborales a corto, mediano y largo plazo (lista, definición…)
Es un término utilizado por la industria del comercio para referirse a toda persona que compra o consume de manera regular y reiterada un producto o servicio. Este tipo de cliente compra más de una vez en la misma empresa por variadas razones, relacionadas a su nivel de satisfacción con los bienes y servicios que ofrece, calidad de los productos o identificación con los valores de una marca.
El cliente frecuente es siempre un cliente leal y son los que mantienen estable el nivel de ventas de cualquier negocio, pero la definición puede variar según el contexto en el que se aplique el término, ya que puede referirse a un cliente regular que visita a un proveedor de atención médica una vez al mes o el que compra su café cada mañana en el mismo lugar camino al trabajo, como sinónimo de frecuente.
En cualquiera de los casos, las empresas reconocen que es más barato fidelizar a los clientes que encontrar nuevos seguidores; y enfocan su estrategia marketing en la retención de clientes estables aún con todas las dificultades y competencias, ya que la cantidad de ofertas de empresas, productos y marcas siempre es extensa.
¿Qué es la retención de clientes?
Es la capacidad de cualquier empresa de hacer que un comprador regrese en un tiempo determinado. Para ello debe hacer atractivo y superior a la competencia ya sea el producto, el servicio, la marca de la empresa o mejor todo el conjunto. Las estadísticas corroboran que resulta menos costoso que adquirir nuevos clientes.
Un cliente conforme y leal es garantía de ventas, reduce los costos asociados con la educación del consumidor y publicita el producto sin costo adicional. Para aplicar de manera efectiva las técnicas de captación aprovecha las razones por la que un cliente potencial se acerca, estas pueden ser:
Eres el proveedor de menor costo.
El cliente está habituado al uso de tus productos.
Tiene relaciones con alguno o varios de tus empleados.
La ubicación de tu negocio es la más cercana o conveniente para su compra habitual.
Sin embargo, estas razones no son garantía de que el cliente pueda mantenerse en el tiempo o negarse a nuevas ofertas y opciones en el futuro; las personas suelen ser leales a varias empresas conforme a sus preferencias y necesidades.
Importancia del cliente frecuente
La revista Harvard Business Review informó que para una empresa incorporar un cliente nuevo es hasta 25 veces más costoso que conservar al que tiene, por lo que se ahorran recursos en gastos relacionados a marketing, ventas, capacitación de clientes, entre otros; que pueden ser destinados a inversiones de mejoramiento y recompensa de fidelidad.
Este plan que satisface al cliente según lo qué es frecuente, estimula la transmisión publicitaria espontánea y gratuita, todo cliente contento se convierte en fuente multiplicadora sobre los beneficios y cualidades de tu empresa; según la definición de lealtad del cliente y la definición de conservar.
No importa cuál sea su negocio o industria es esencial entender que la consecución de una base de clientes frecuentes y leales solo se logra mejorando el servicio y los beneficios que se ofrecen como por ejemplo descuentos, obsequios, ofertas especiales y las campañas de marketing dirigidas. Pero, enumeremos las razones de por qué es tan importante conservar clientes asiduos:
Su apoyo en el uso o consumo de tu marca, aumenta las ganancias.
Los clientes leales recomiendan y hacen críticas positivas a familiares y amigos sobre el producto.
Está comprobado que los clientes regulares con el tiempo tienden a aumentar sus gastos de consumo de la marca.
Se obtiene con los clientes frecuentes un mayor retorno de inversión en inventario y publicidad
Estrategias para la captación de clientes frecuentes
Teniendo en claro la importancia de la introducción de clientes frecuentes para el éxito y rentabilidad de tu empresa; así como de las ventajas que otorga para el ahorro y promoción de tu marca; además de la definición de programa de servicio al cliente, conozcamos a continuación algunos procesos o estrategias que debes seguir y que te ayudarán con el objetivo de incorporar este tipo de consumidor fiel y potencial a tu listado comercial futuro:
Identificación del cliente adecuado
Toda organización o emprendimiento debe evitar asumir que puede vender su producto a todo el mundo, es necesario seleccionar un mercado objetivo a fin de llegar a los clientes potenciales y no desgastarse en esfuerzos que no darán frutos. Lo ideal es adelantar una investigación de mercado que revele información sobre las necesidades e intereses del público general y así detectar a quienes preferirían nuestra marca.
Proceso de incorporación feliz
Esto se refiere a asegurar que toda experiencia de compra, especialmente la primera, sea única y positiva. La mayoría de las personas vuelven por defecto a la feliz experiencia que tuvieron durante la adquisición de su marca. Si fue positivo y mejor, personalizado es mucho más probable que se repita en el tiempo y se conviertan en compradores asiduos e incluso agradecidos. A veces el buen trato mejora las expectativas sobre productos, precios, etc.
Comunicación atractiva y sostenida
Una de las grandes ventajas de esta época son las herramientas con las que contamos para mantener una comunicación mantenida y creativa con el público en general y con potenciales clientes. El uso de la tecnología nos facilita una amplia gama de canales de comunicación digitales de amplio alcance y velocidad. Publicidad a través de correos electrónicos, redes sociales, video conferencias, además de los tradicionales medios de comunicación; no existe excusa para que una marca pase desapercibida. El contacto directo y permanente con los clientes, extiende el mansaje de compromiso de la empresa.
Priorizar la voz del cliente
No existe estrategia más efectiva que personalizar el trato con un cliente para que este se convenza de ser un fiel consumidor, según lo que qué significa frecuentemente. Hacerle saber que a la empresa le importa sus sentimientos, gustos e intereses y que trabaja en satisfacer sus necesidades. Para este objetivo existen diversas estrategias metodológicas que le permitirán indagar ya sea en persona o virtualmente la opinión del cliente; en comentarios, encuestas y otros canales de retroalimentación abierta para una explicación más detallada.
Mantenga sus productos en boca
Decíamos que hoy día existen muchas formas de mantener la comunicación y de mantener tu producto y servicio en la mente y la boca de todos. La comercialización en la actualidad es una feroz maquinaria que requiere que las empresas inviertan tiempo y recursos para garantizar la lealtad de sus clientes frente a tanta competencia. Hay múltiples formas de permanecer presentes en el día a día de las personas, ya sea a través de boletines por correo electrónico, concursos en redes sociales y la producción de contenido de alto valor en videos, podcasts o recursos PDF descargables.
Cuando un cliente no se siente valorado, solo necesitará un mínimo incentivo para cambiar de marca. No hay que dar por sentada la fidelidad, los clientes frecuentes necesitan otras motivaciones para quedarse, recompensar su lealtad con la empresa es una buena estrategia para mantenerlos de nuestro lado, conforme al significado de frecuentemente. Las ofertas y tarifas especiales, bonificaciones y sorpresas en descuentos, obsequio de muestras de productos en lanzamiento, entre otros funcionan de manera efectiva para este fin.
Consejo para retener al cliente frecuente
Las empresas modernas se esfuerzan por mantener el nivel de fidelidad de sus clientes, apoyándose en un intercambio de relaciones más que de transacciones. Han entendido que el costo de perder un cliente equivale a siete veces los recursos utilizados para convertirlos; estos son algunas de las técnicas que utilizan para conservar en el tiempo la cartera de clientes que han logrado retener y que mantienen a flote sus negocios.
Promover productos con valores
El respeto y promoción de valores debe ser un factor presente en el proceso comercial, la calidad de los productos y la atención al cliente para que este se sienta identificado en el tiempo. Compartir los valores y reflejar en tu marca las creencias de los compradores te pondrá un paso adelante en la intención de conservar a un cliente frecuente, que ve mejorado su estilo de vida al relacionarse o asociarse con lo que le ofreces. Permite que tus clientes sepan que tu marca representa positivamente su modo de vida.
Mantener la confianza
Una vez relacionado a tu marca, debes mantener la confianza ganada del cliente frecuente. Ya los valores comunes fomentan la confianza, pero a veces es necesario ir un poco más allá. Aprovecha la información que guardas en tu base de dato sobre los intereses, necesidades y opiniones del cliente fiel y esfuérzate en brindarla experiencia. Una buena alternativa es siempre preguntar de manera directa, la comunicación genera confianza y el comprador recibe el mensaje de que es importante para su negocio. No habrá forma de que el cliente acuda a otro lugar.
Adelanto a expectativas
La comunicación directa también permitirá cubrir las expectativas del cliente frecuente, que ya espera un poco más que calidad y buen precio. Los clientes hoy día son más exigentes y esperan una experiencia en el servicio más personalizada y proactiva; adelantada incluso a lo que suponen recibir. Para ello es esencial permanecer atentos a los comentarios y el intercambio informativo a través de las herramientas investigativas y las redes sociales. Recuerda que actualmente existen más opciones comerciales para elegir, pero evita a toda costa hacer promesas que no puedes cumplir o pondrás en riesgo la confianza.
Seguimiento a los deseos
En la misma línea, insistimos en hacer seguimiento a las expectativas y deseos de sus compradores o usuarios a través de redes sociales y otras herramientas que provoque la participación del cliente. Hazle saber que valoras su opinión y que te preocupas por satisfacerlo y mejorar cualquier inconformidad. La retoalimentación tiene enormes ventajas que podemos enumerar: recibes información honesta y abierta; te permite realizar ajustes positivos en tus productos, también puede ayudarte a rediseñar tus campañas publicitarias. De igual forma, te ayuda a identificar a los clientes insatisfechos antes de que decidan dejar tu empresa y proporciona información sobre defectos del producto o deficiencias en su servicio.
Haga mejoras constantes
Finalmente, esfuérzate por mejorar tu oferta, se trate de la atención, la variedad o la cantidad de producto, siempre sumar algún atractivo nuevo para que el cliente frecuente se mantenga interesado y motivado. Darles nuevas razones para mantener la relación comercial contigo. Seguramente debes realizar constante inversión de tiempo y dinero para optimizar la experiencia de atención al cliente pero bien valdrá el esfuerzo.
A este conjunto de estrategias de atracción del cliente frecuente, así como en cualquier otra relación humana personal o profesional; los gestos de amabilidad son bien valorados. Un cliente habitual que reciba una nota de agradecimiento o cualquier otro pequeño incentivo, considerará la idea de mantenerse fiel a la empresa y al bienestar que de manera integral le genera, más allá del intercambio comercial original. A fin de cuenta, los clientes son la llave del éxito de cualquier negocio, nada nos cuesta demostrarles lo importante que son.
Dados antiguos hechos de huesos de animales se usaron para invocar dioses y predecir el futuro
Arqueólogos israelíes han descubierto el propósito inusual detrás de 600 dados pertenecientes a la era helenística, los cuales fueron creados a partir de huesos de astrágalo de ganado antiguo. De acuerdo a los informes, las mujeres y los niños usaban los dados como jotas o en juegos de azar. En otros casos, los dados astragali se usaron para predecir el futuro y hablar con los dioses.
Los arqueólogos israelíes que estudiaron las modificaciones de cada hueso, como el pulido o la perforación, pudieron comprender sus posibles funciones. Además, identificaron que 24 de los dados presentaban inscripciones como formas geométricas, números, letras y palabras griegas, y convocaban a las deidades griegas como Afrodita, Hermes y Eros.
“El conjunto revela que, como hoy, las personas en peligro buscaron ayuda externa en la adivinación y los hechizos y en el mundo más allá (…) Mujeres y hombres lucharon con un entorno incierto de salud, parto y muerte, y trataron de protegerse con la ayuda de la magia”, dijeron los investigadores.
Aseguran que el arqueólogo que descubrió la tumba del rey Tutankamón robó artefactos de ella
Howard Carter se hizo famoso en 1922 cuando descubrió la tumba de Tutankamón y eso representó un triunfo para la historia y la arqueología, pero ahora, un siglo después, el legado del arqueólogo se ha visto empañado luego de que nuevas pruebas confirmaran las sospechas de larga data de que robó del lugar de descanso final del faraón.
“El amuleto que me mostraste sin duda ha sido robado de la tumba de Tutankamón”, escribió Alan Gardiner, un filólogo que ayudó a traducir los jeroglíficos del sitio, a Carter en una carta inédita de 1934. La carta se publicará en su totalidad por primera vez en el próximo libro de Bob Brier, egiptólogo de la Universidad de Long Island, titulado Tutankamón y la tumba que cambió el mundo,
Los registros sostienen que Carter pasó una década excavando la tumba y catalogando su contenido, que envió al Museo Egipcio de El Cairo; desde entonces circulan rumores de que abrió en secreto la cámara funeraria y luego la volvió a cerrar para el momento oficial del descubrimiento. Brier aseguró que “la gente sospechaba que podría haberse ayudado a sí mismo, pero estas cartas son una prueba irrefutable”.
Investigadores inventaron un dispositivo que genera electricidad a partir de la humedad del aire
Un equipo de investigadores de la Facultad de Diseño e Ingeniería de la Universidad Nacional de Singapur ha desarrollado un nuevo dispositivo de generación de electricidad impulsado por la humedad (MEG), el cual está hecho de una fina capa de tela, de unos 0,3 milímetros de espesor: sal marina, tinta de carbón y un gel especial absorbente de agua.
El dispositivo MEG se basa en la capacidad de diferentes materiales para generar electricidad a partir de la interacción con la humedad del aire. De acuerdo a los expertos, este nuevo ejemplar contiene dos regiones de diferentes propiedades para mantener perpetuamente una diferencia en el contenido de agua en las regiones para generar electricidad. y permitir la salida eléctrica durante cientos de horas.
La nueva tecnología ha recibido atención de los científicos debido a su potencial para una amplia gama de aplicaciones del mundo real, incluidos dispositivos autoalimentados, como dispositivos electrónicos portátiles como monitores de salud, sensores electrónicos de piel y dispositivos de almacenamiento de información.
Robots autónomos brindan seguridad en Tokio debido a la escasez de personal
Los robots modelos SQ-2 producidos por la empresa Seqsense en Tokio, se están encargando del patrullaje en la calle y están equipados con múltiples cámaras que pueden transmitir video directamente al personal de seguridad humano en una ubicación central.
Estos robots giran constantemente y pueden hacer mapas en 3-D de su entorno, tienen capacidades de inteligencia artificial que pueden detectar personas y otros obstáculos para evitar colisiones en las rutas de patrulla predeterminadas y, además, están integrados con sensores de mano para que las personas puedan solicitar ayuda a los guardias humanos. Sin embargo, no están destinados a cumplir con todas las funciones de un guardia de seguridad humano normal.
Un gerente del Gobierno Metropolitano de Tokio aseguró que los robots autónomos son “una medida para resolver la escasez de personal de seguridad”.
Identificaron un factor común en los perros “superdotados”
Un nuevo estudio contó con perros “dotados” para aprender palabras, su rapidez y capacidad de retentiva. En su evaluación, los expertos pudieron identificar un rasgo de personalidad especial en comparación con el resto de los perros.
En un análisis de 21 perros superdotados y 144 perros típicos que no tienen la habilidad inusual de aprender múltiples nombres de objetos, se encontró que los perros “superdotados” fueron calificados por sus dueños como más juguetones que los otros perros
“Existe una relación entre niveles extremadamente altos de alegría y superdotación en el aprendizaje de etiquetas verbales de objetos en perros”, aseguraron los expertos. Dicho esto, pudieron concluir que los perros más juguetones también pueden tener más oportunidades de aprender, porque siempre están jugando.
A lo largo de la historia, las distintas sociedades han implementado diversos sistemas económicos que les permitan el manejo óptimo de los recursos, elevar la calidad y eficiencia de la producción. Entre esos sistemas se han adoptado los referidos a una economía planificada, economía descentralizada o a una economía mixta. ¿Pero, qué es una economía centralizada o planificada? ¿Cuáles son las características de una economía centralizada y cuáles son las ventajas y desventajas de la economía planificada o centralizada? Descúbrelo enseguida.
Economía descentralizada: Definición, características y ejemplos de mercados descentralizados
Conocida también como sistema económico de planificación central, la economía centralizada es una economía gobernada por el Estado, quien es el encargado de planificar, organizar y ejercer el control sobra todas las actividades económicas dentro y fuera de su territorio.
En un sistema económico centralizado, el Estado es el dueño de los medios de producción; por lo tanto, tiene la facultad de asignar los objetivos, recursos y directrices a las empresas centralizadas, publicas o privadas.
Luego de la Primera Guerra Mundial, la Unión Soviética adoptó un sistema de economía planificada central inspirado en la teoría marxista que, entre otros aspectos, sostenía que los medios de producción debían ser públicos para poder garantizar una distribución equitativa de los recursos.
Posteriormente, este sistema económico fue expandido a varios países de Europa del Este y otros países asiáticos y rigió hasta mediados del siglo XX. Sin embargo, en la actualidad son pocos los países en el mundo que aun conservan una economía de planificación centralizada, como es el caso de Corea del Norte.
Ventajas de las economías centralizadas
Una de las principales ventajas que pueden ofrecer las economías centralizadas es la posibilidad de unificar los criterios de la sociedad y el gobierno para llevar adelante un objetivo especifico; para ello, el Estado puede nacionalizar empresas y dictar normas que garanticen la unidad de visión. De seguidas otras principales ventajas de las economías centralizadas.
Reducción del desempleo
En las economías centralizadas el mayor empleador es el Estado por lo que el gobierno regula la contratación y las ofertas de trabajo. En consecuencia, el Estado puede establecer baremos salarias y puestos de trabajo que reduzcan los niveles de desempleo.
La prevención de monopolios o de mercados abusivos es otra de las ventajas de la economía centralizada. Las industrias se encuentran controladas por el Estado que tiene la facultad de establecer el mercado, fijar precios, controlar las publicidades engañosas y las practicas de mercado general.
Rápida respuesta a necesidades sociales
Un Estado con una economía planificada puede ofrecer una rápida respuesta a los requerimientos sociales de sus ciudadanos, tales como vivienda, educación o seguridad. Estos, por lo general, son accesibles a bajo costo o libres de cargo, debido a que, en la economía centralizada, el Estado tiene como prioridad el bienestar social.
Desventajas de una economía centralizada
La falta de innovación y la ineficiencia en la producción son algunas de las principales desventajas de una economía centralizada en Estado como único explotador de una industria. Sin embargo, no son las únicas; a continuación, otras desventajas de la economía planificada para la sociedad.
Libertades restringidas
En la economía de planificación central, la libertad y los derechos de los individuos se ven afectados por la intervención excesiva del Estado. La noción de una economía centralmente planificada se relaciona con el comunismo, por lo que el Estado tiene un enorme control sobre el trabajo y las industrias. Las personas no tienen la libertad de elegir sus carreras o tareas, sino que obedecen a la autoridad que se les ha asignado.
Creación de mercados negros
Otra de las principales desventajas de un sistema económico central es el fomento que se hace de la creación de mercados negros. Debido a las excesivas restricciones impuestas por los gobiernos con economías centralizadas a los canales de producción, distribución y mercado; la oferta de bienes y servicios se puede ver limitada. En consecuencia, se crean mercados paralelos, fuera de la ley, para fabricar y vender productos o servicios.
La escasez o excesos de productos en los mercados con una economía centralizada planificada se configura como una importante desventaja de estos sistemas económicos. Esto ocurre cuando el Estado no es capaz de adaptarse, de forma rápida y eficiente, a las necesidades de los consumidores, y no se producen los bienes demandados o no se fabrican los suficientes para satisfacer las demandas del mercado
¿Cuáles son las características de la economía planificada o centralizada?
El fuerte control e intervención del Estado en los procesos productivos, el manejo del presupuesto y la asignación de recursos se destacan entre las principales características de la economía centralizada. Pero, existen otros elementos que distinguen y definen qué es economía planificada. Estas son algunas importantes características de la planificación centralizada.
Control de los recursos
En una economía planificada, el gobierno de turno es quien decide que bienes o servicios se producen y se comercializan. El estado, por tanto, tiene el poder y control absoluto sobre los recursos y materias primas que intervienen en la cadena de producción.
Supremacía estatal
Aunque en una economía planificada pueden coexistir entidades privadas y empresas centralizadas, es el Estado quien tiene la ultima palabra y el pleno control del mercado y de las actividades económicas y el sistema de fijación y regulación de precios de bienes y servicios.
Altos niveles burocráticos
Otra de las características principales de una economía centralizada es el elevado nivel de burocracia en la toma de decisiones. Para la planificación, gestión y ejecución de decisiones económicas, El Estado requiere más tiempo y pasos para su materialización.
Diferencias entre economía centralizada y economía descentralizada
Tal como ocurre con la economía planificada, los sistemas económicos descentralizados también cuentan con características particulares que permiten diferenciarlos de otros tipos de economías. A continuación, algunas diferencias entre economía centralizada y economía descentralizada.
Diferencias entre economía centralizada y economía descentralizada
Economía Centralizada
Economía descentralizada
Objetivo de la producción
Maximizar los beneficios y las ganancias
Alcanzar beneficios sociales
Titularidad de los recursos
Los recursos pueden ser públicos o privados, manejados por particulares.
Los recursos pertenecen en su mayoría al Estado
Libertad económica
Los trabajadores eligen y cambian de trabajo con facilidad, de acuerdo a sus capacidades
La libertad de los trabajadores está limitada por la voluntad del Estado
Rol de los consumidores
Las necesidades y requerimientos de los consumidores inciden en la producción
Solo el Estado decide qué y cómo producir
Fuente: Elaboración propia
Objetivo de la producción
Una de las principales diferencias entre una economía centralizada y una economía descentralizada radica en el objetivo de la producción de bienes. En el caso de la economía planificada el Estado es quien controla y decide la producción de bienes y servicios con un enfoque social y macroeconómico; mientras en la economía descentralizada el libre mercado es quien lidera la producción de los bienes enfocado en la maximización de las ganancias.
Titularidad de los recursos
En los países con un sistema planificado centralizado, los recursos se encuentran bajo el dominio del Estado y es el gobierno quien dirige los factores y las cadenas de producción, establece el sistema de precios y asigna las materias. Por el contrario, en un Estado con una economía descentralizada los recursos pueden pertenecen también a empresas privadas y particulares; y el sistema de precios se fija con base en la oferta y la demanda.
Libertad económica
Un sistema económico descentralizado le ofrece la libertad a los trabajadores a desarrollar sus capacidades y aptitudes en empleos y trabajos que pueden elegir libremente; mientras que en un sistema de planificación central esa libertad se encuentra limitada y los trabajadores no pueden elegir o cambiar de trabajo con facilidad. En una económica centralizada el Estado decide e impone los salarios para buscar una igualdad de ingresos.
Rol de los consumidores
Los consumidores cumplen un rol importante en las economías descentralizadas. En estas, los procesos de producción se ajustan a las demandas del mercado que busca satisfacer las necesidades y requerimientos de los consumidores. En contraposición, en la economía planificada, el gobierno decide cómo y qué producir sin tomar en cuenta las demandas o necesidades de los consumidores.
Casos de economías centralizadas en la historia
Con posterioridad a la revolución rusa, y luego de la Primera Guerra Mundial, los países fueron adoptando sistemas económicos centralizados que priorizaban el control del Estado en la explotación de los recursos. Estos son algunos de los casos de economía planifica en la historia.
Unión Soviética
De los casos más ejemplares de un sistema económico planificado en la historia es el de la antigua Unión Soviética, a mediados del siglo XX. Durante el gobierno de Joseph Stalin, la economía de la Unión Soviética se basó en un sistema comunista, en el cual el Estado controlaba toda la oferta y demanda del mercado, y llegó a expropiar granjas y terrenos de los particulares que pasaron a ser propiedad publica en 1930.
Corea del Norte
Desde 1954, el gobierno norcoreano ha controlado todos los medios de producción de ese país, estableciendo rigurosas políticas económicas que han causado escasez de bienes, mala inversión y altos niveles de pobreza y hambre en la sociedad. Está considerada uno de los más impactantes ejemplos de una economía planificada en la historia de la humanidad.
Cuba
Otro de los principales ejemplos de países con una economía centralizada es el caso de Cuba, que se instaló en la isla desde 1959. El gobierno comunista cubano es quien domina la mayoría de las industrias, los hospitales y los sistemas habitacionales. Si bien en ese país, la tasa de desempleo es casi nula; los ingresos de los cubanos promedio no superan los 20 dólares mensuales.
Libia
El caso de Libia representa otro de los grandes ejemplos de una economía centralizada. En el país africano el 60 % de la economía es controlada por el gobierno, por medio de empresas estatales que explotan las áreas del petróleo y otros hidrocarburos. De igual forma, el gobierno controla precios, otorga subsidios para controlar el mercado.
En conclusión, las economías del mundo han ido evolucionando y se han adaptado a sistemas que satisfagan las necesidades del mercado, atrás ha quedado la noción de la economía centralizada en un Estado totalitario y poderoso. Salvo algunas excepciones, los países se han apartado de un sistema de economía planificada para abrir los mercados a otras prácticas que garanticen el crecimiento, una máxima eficiencia y la participación de todos los factores de producción, compuestos por el Estado y los particulares.
Como legado artístico de la Antigüedad, la escultura de Grecia es el principal reflejo del valor estético que dicha civilización daba a la belleza y a la perfección, elementos que comúnmente eran representados a través de figuras de cuerpos desnudos, estatuas griegas donde se evidencia la conjunción entre el idealismo y el naturalismo, aspectos que, luego de la decadencia de la antigua Grecia, fueron retomados por corrientes escultóricas originadas posteriormente. Por medio del siguiente artículo, descubrirás cómo eran las esculturas griegas, detallando aspectos de interés como la historia y desarrollo de esta disciplina creativa, las características y los tipos de figuras concebidas durante esta época histórica para, finalmente, presentar un listado de 15 famosas obras de arte griego en escultura.
Escultores actuales: Los 18 escultores modernos de arte contemporáneo más famosos y sus obras
Historia del desarrollo de la escultura antigua de Grecia
La escultura de la Antigua Grecia tuvo un importante desarrollo técnico a medida que fue consolidándose en los territorios que pertenecieron a esta civilización. De acuerdo con los estudios y evidencias arqueológicas, se pretende que el arte de la escultura de la cultura griega surgió producto de la combinación de elementos tomados de las antecesoras culturas siria, egipcia, minoica, persa y micénica, hasta que éstos fueron adoptados por los consagrados escultores a través de las escuelas artísticas que se originaron durante la época.
Tomando en cuenta numerosos aspectos y particularidades, la historia del arte ha dividido la producción de estatuas de Grecia en tres etapas o periodos:
Con una marcada influencia del arte egipcio, la producción escultórica de esta etapa estuvo caracterizada por la representación de figuras rígidas sin movimiento, con postura frontal, apoyadas sobre sus dos piernas y con pocas o nulas expresiones faciales, como la denominada sonrisa arcaica. De este periodo se han podido observar imágenes de estatuas griegas elaboradas en mármol, piedra caliza, terracota y madera, lo que vino a demostrar el dominio que tuvieron los escultores de ese entonces en el tallado de estos materiales.
En esta primera etapa se desarrollaron numerosas esculturas para la decoración de monumentos funerarios llamadas kuros o kouros (figura masculina) y koré (representación femenina), figuras que cumplían la función de marcadores de tumbas.
Época Clásica (siglos V – IV a.C.)
La escultura clásica del arte griego demuestra la transición entre la rigidez de las obras y las representaciones de figuras en movimiento, con posturas menos forzadas y dejando de lado la frontalidad característica del periodo arcaico. Asimismo, las poses griegas están marcadas por la naturalidad y la expresión y, en términos generales, su producción se inclinó hacia la temática religiosa, a través de las efigies dedicadas a los dioses que, al mismo tiempo, servían de ornamento para los grandes templos y monumentos.
El clasicismo tuvo como esencia la vinculación de la belleza con la virtud, expresada por medio de la idealización del ser humano, dando forma a una estética que fue uno de los legados más importantes que emergieron de esta etapa artística, retomado tiempo después por los romanos y los renacentistas. Por otra parte, las diferentes escuelas escultóricas de esta época determinaron ciertos conceptos, reglas y normas por medio del kanon, siendo las más reconocidas las establecidas por Fidias y Policleto.
Esta última etapa de la producción escultórica de figuras de Grecia cuenta como principal aspecto la apreciación del realismo y del dinamismo en su máxima expresión, al tiempo que los artistas se inclinaron hacia el idealismo de la naturaleza, representando figuras tal cual eran copiadas, en un principio llamado mimesis o imitación del entorno. Por tanto, aquí se copiaba todo rasgo, emoción, sentimiento o expresión, no solo de belleza, sino de fealdad, tristeza, nostalgia y dolor.
Cabe acotar que en esta última época, el arte griego comenzaba a difundirse hacia el oriente, a medida que fue concretándose la conquista de nuevos territorios, por lo que afianzó su carácter cosmopolita. Adicional a ello, se ha determinado el excelente manejo del bronce y otros metales, sin abandonar el tradicional mármol, piedra y terracota, con la particularidad de que las obras finales tenían una apariencia más humana al ser pulidas con cera caliente y cera antes de ser coloreadas.
Principales características de la escultura griega
Si observamos imágenes del arte griego, específicamente de la producción escultórica de esta civilización, podemos notar la presencia de ciertos aspectos que caracterizan a las obras creadas durante el tiempo que estuvo vigente esta cultura, características que, como hemos afirmado, sirvieron de referente para la consolidación de siguientes corrientes artísticas.
Entre las principales particularidades de las esculturas griegas se encuentran:
Belleza como valor fundamental
La belleza fue percibida como una virtud humana que servía de nexo entre la belleza física y lo espiritual, por lo que las obras eran creadas con una proporción que expresaba dicha relación.
El idealismo fue tomando forma a medida que fue consolidándose el arte escultórico griego. Así podemos ver figuras llenas de valores idealistas que invocaban a la perfección. Solo en el periodo helenístico, las esculturas fueron adquiriendo rasgos más realistas.
Movimiento
La evolución de las estatuas griegas en los tres periodos artísticos se puede notar en la incorporación del dinamismo. Por tanto, la etapa arcaica se caracterizó por producir figuras rígidas, y ya para las siguientes épocas clásica y helenística, fueron dejando las posturas forzadas para que el movimiento pasara a formar parte de la expresividad de la escultura.
Representación del desnudo
La mayoría de las esculturas griegas se muestran en total desnudez como parte del culto al cuerpo característico de esta cultura, elevando a su vez al hombre como núcleo del universo. Por tanto, pueden verse representadas las figuras de dioses y titanes con figuras esculpidas a semejanza de un hombre o mujer mortal, mostrando un desnudo que no provocaba pudor sino admiración por su perfección.
Materiales utilizados
Una variedad de materia prima fue utilizada por los escultores griegos, con elementos moldeados según las técnicas y métodos heredados de civilizaciones predecesoras. Es por ello que los griegos fueron destacados por su manejo en la piedra caliza, el mármol, madera, terracota, bronce, la criselefantina y el hierro, entre otros metales, los cuales, una vez creada la obra, eran finalmente pulidos y pintados.
Los tipos de escultura griega
De acuerdo con los tres periodos escultóricos de Grecia, la historia del arte ha hecho una clasificación para tipificar las figuras producidas por tan importante cultura. Estos tipos son:
Kuros
También llamado kouros o kouroi en plural, es un tipo de escultura característico del periodo arcaico. Sirvieron como ornamento en tumbas funerarias. Se trata de la representación de un cuerpo humano masculino totalmente desnudo, con cabello peinado con trenzas o bucles. Las primeras esculturas de kuros fueron elaboradas con profunda geometrización, con las plantas de ambos pies pegadas al suelo y la pierna izquierda más adelantada que la otra, aunque carente de movimiento. Asimismo, se muestra con los brazos caídos pegados al cuerpo y con puños cerrados.
Por su parte, para el siglo VI a.C. comenzaron a crearse kouroi con formas redondeadas y suaves movimientos, perfeccionando así el modelado anatómico. Tanto en los kouroi antiguos como en los recientes se puede notar la expresión mecánica denominada sonrisa arcaica.
Koré
Se trata del equivalente femenino del kuros. Tiene marcada influencia de la escultura egipcia, representando a jóvenes doncellas vestidas, de pie y con rigidez corporal, con brazos erguidos a la altura del codo y portando en una de sus manos un objeto. El cabello era una especie de peluca, decorado con ciertos accesorios e indumentarias propias de la región donde se esculpía la figura. La piel de dicha estatua era pintada de blanco, y era empleada para la decoración funeraria o como ofrenda divina.
Estela funeraria
Como su nombre lo indica, se tratan de decoraciones y ornamentos en relieve dispuestos en tumbas y monumentos funerarios. En términos generales, los hombres representados se muestran de pie, andando o en forma pensativa. Por otro lado, las mujeres son representadas sentadas, observando algún objeto o sosteniendo un animal, en varios casos, una paloma.
Escultura monumental
Es un tipo de escultura estrechamente vinculado con la arquitectura. En ella destacan los frisos o decoraciones escultóricas en relieve presentes tanto en templos como en edificios públicos, con figuras de divinidades o escenas de batallas. En esta clasificación se encuentra también la decoración hecha a los tímpanos de los frontones dispuestos en la fachada de los templos, con esculturas adaptadas a la característica forma triangular del tímpano. En todos los casos se puede observar la evolución de las figuras que van desde su forma estática hasta su aspecto más dinámico.
Cariátide
Se trata de una figura femenina esculpida que cumplía función de columna o pilar dentro de los templos o edificios públicos. Su nombre deriva de la condena que tuvieron que pasar las mujeres de Carias una vez desarrolladas las Guerras Médicas, las cuales fueron esclavizadas y condenadas a llevar grandes cargas, como bien se representan en las esculturas que sostienen plataformas o entablamientos sobre su cabeza, dando la sensación de que aguantan el peso de todo el templo.
Este tipo de escultura griega ha sido uno de los más replicados tanto en Occidente como en Oriente, producto de la expansión del arte griego en el mundo, por ello, se pueden encontrar formas similares a esta figura en diversos monumentos del globo.
Temalón
Viene a ser la versión masculina de la cariátide, ya que también es esculpida como columna para los templos y edificios públicos. En este caso, este tipo de esculturas griegas de hombres viene a representar a un héroe de la mitología de dicha civilización, el cual protagoniza algunas de las hazañas y leyendas propias de la mencionada cultura.
A esta escultura también se le conoce como atlante y, al igual que la cariátide, su producción se difundió en todo el mundo.
Algunas esculturas griegas famosas
Conocidos todos los aspectos de interés relacionados con las esculturas griegas, es momento de presentar 15 reconocidas obras de arte griego en escultura, conservadas hoy en día en los más consagrados recintos, museos y galerías del mundo.
1. Kuros de Anavyssos
Estatua producida en el periodo arcaico, hoy en día reposa en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas. Se trata de una escultura sepulcral que representa a un joven desnudo, con pose estática, con su pierna izquierda más adelantada que la otra, brazos extendidos y manos empuñadas.
(Mountain,Public domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
2. Discóbolo de Mirón
Es una escultura atribuida al célebre artista Mirón de Eléuteras, que data del año 450 a.C. Por tanto, se trata de una escultura griega clásica que representa a un atleta desnudo en posición previa a lanzar un disco. Originalmente elaborada en bronce, dicha pieza no se conservó, aunque fue ampliamente reproducida durante la época romana, con copias hechas en mármol tallado.
Copia romana del Discóbolo original. (British Museum, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
3. Apoxiómeno
Se trata de una de las estatuas griegas de temática votiva más famosas de la Antigüedad. La representación de un joven atleta al momento de limpiarse su cuerpo de sudor, polvo y ungüento fue uno de los temas más recurrentes de Grecia, siendo el más famoso el elaborado en bronce por Lisipo de Sición, replicado en mármol a través del Apoxiónemo del Vaticano.
(Vatican Museums, Public domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
4. Victoria de Peonio
Producida durante el periodo clásico, es una escultura o Niké que tributa precisamente a la diosa de la victoria. Estuvo situada originalmente en el Templo de Zeus en Olimpia, donde fue descubierta en 1875 en medio de una excavación dirigida por alemanes. Se ha determinado que fue obra del escultor Peonio de Mende.
(Carole Raddato, CC BY-SA 2.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
5. Kuros de Samos
Es el más grande de los kuros que hoy se conservan en Grecia, elaborado durante el periodo arcaico. Representa a una figura masculina, que bien podría tratarse de un joven guerrero. Se le atribuye su creación a un artista de Samos, localidad donde a finales del siglo XX fue hallada tanto el torso como la cabeza, en el sitio donde una vez estuvo ubicado un templo dedicado la diosa Hera.
(Adam Carr,Public domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
6. Auriga de Delfos
Es una de las esculturas del periodo clásico, específicamente, producida durante la transición de la época arcaica al clasicismo, en una etapa denominada severa. Esta figura fue elaborada en bronce para conmemorar la victoria de Polizalo de Gela en los Juegos Píticos, celebrados en el santuario de Delfos. Se encuentra expuesta en el Museo Arqueológico de Delfos.
(David Monniaux, CC BY-SA 1.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
7. Victoria de Samotracia
Es otra de las famosas esculturas de mujeres griegas, producida durante la época helenística. Es una estatura de mármol blanco que estuvo ubicada en el santuario de los Cabitos en Samotracia para representar a Niké, diosa de la victoria. Actualmente forma parte de la colección escultórica del Museo del Louvre.
(Louvre Museum,Public domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
8. Laoconte y sus hijos
Aunque su datación no ha sido determinada, se cree que este complejo escultórico fue desarrollado durante el final del periodo helenístico, ya que fue concebida por Atenodoro, Polidoro y Agesandro, exponentes de la Escuela de Rodas, renombrado colectivo artístico de dicha época. Representa la muerte del sacerdote Laoconte y sus hijos, condenados a morir estrangulados por serpientes marinas. Se encuentra resguardada en los Museos Vaticanos de Roma.
(Vatican Museums,CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
9. Afrodita de Cnido
Otra famosa figura que forma parte de la lista de esculturas de dioses griegos es esta escultura, la primera que mostraba un desnudo femenino. Fue realizada en Atenas alrededor del 360 a.C. para rendir tributo a la diosa del amor y la belleza. Se muestra a la deidad de forma erótica, hecho que fue controversial en su tiempo.
También llamada Koré de Samos, fue descubierta en dicha localidad en lo que pudo ser un templo dedicado a la diosa Hera. Con las particularidades de la koré, se muestra una figura femenina vestida, erguida y con rigidez corporal, que puede apreciarse hoy en el Museo del Louvre.
(shakko, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
11. Cariátides del Erecteion
Fueron esculturas femeninas que sirvieron de columnas para el templo del Erecteion, uno de los monumentos más célebres de la Acrópolis de Atenas. Actualmente, dichas esculturas griegas de mujeres se conservan en el Museo de la Acrópolis de Atenas, protegidas por un cristal.
Es una escultura de piedra caliza producida durante el periodo arcaico, que hoy en día reposa en el Museo del Louvre. No se ha determinado si te trata de una divinidad, una mujer ofrendada o una sirvienta, lo cierto es que estuvo originalmente pintada, como bien se pudo interpretar en los últimos años en la Universidad de Cambridge.
(Jastrow,CC BY 2.5, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
13. Moscóforo
Es una de las obras más célebres del periodo arcaico, ya que muestra muchas de las características de esta etapa escultórica. Representa a un hombre con un ternero sobre sus hombros, posando como si se tratara de un kuros, y se dice que era una estatua ofrendada a la diosa Atenea.
Es un friso que anteriormente decoraba el frontón del templo de Atenea en Tegea, diseñado y decorado por el arquitecto y escultor Escopas, una de los artistas más prominentes del clasicismo tardío. Representa la caza del monstruo ctónico por parte de los héroes olímpicos.
(ChrisO,CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
15. Venus de Milo
Es para muchos la escultura griega más famosa del mundo. Se trata de una figura datada del periodo helenístico, elaborada en mármol blanco para representar a la diosa Afrodita o la Venus de los romanos, deidad de la belleza y el amor. Su nombre se debe a que fue hallada por un campesino en la localidad de Milo, para luego ser adquirida por Francia en el siglo XIX. Se encuentra expuesta en el Museo del Louvre.
Como se pudo evidenciar en este artículo, los diferentes tipos de estatuas griegas son uno de los principales referentes del arte de la Antigüedad clásica, donde, por lo general, se pueden observar valores característicos como el equilibrio, la proporción y la belleza, elementos que, junto a la búsqueda del idealismo de la naturaleza y el cuerpo humano, constituyeron los rasgos fundamentales de la estética escultórica griega, la cual fue evolucionando en las tres etapas artísticas previamente detalladas, llegando incluso a relacionarse con otro género artístico destacado de ese tiempo como lo fue la arquitectura. Así, las esculturas griegas fueron un importante referente para las culturas y corrientes artísticas originadas tiempo después, y aún en la actualidad, siguen siendo fuente de inspiración y admiración tanto para artistas como para el público que aprecia estas magníficas obras en las galerías y museos que las resguardan.
_adj.jpg){kind=link}
.jpg){kind=link}
.jpg){kind=link}
.jpg){kind=link}
.jpg){kind=link}
