Algunos padres mantienen la creencia de que basta con cubrir las necesidades de educación, comida y salud, si darse cuenta que al no brindarles el suficiente cariño, dejando una huella en ellos ante esta ausencia emocional. Cabe destacar que, al hablar de abandono emocional, estamos haciendo referencia a un tipo de maltrato que afecta a varios niños.
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¿Qué es el abandono emocional? El concepto del abandono va más allá de una ausencia física. El abandono más frecuente, de hecho, es la ausencia emocional por parte de la figura de apego principal. No obstante, dicho vacío no es exclusivo de la infancia, ya que también se han observado casos de síndrome de abandono en adultos.
De acuerdo con la psicóloga Mónica Serrano, define que el abandono emocional consiste en la carencia de atención a los niños, cuando no se atienden sus necesidades afectivas, sin hacerles ningún caso.
La sensación de abandono no está únicamente relacionada con la proximidad, también puede surgir cuando se está acostado al lado de alguien, pero sin poder conectar con esta persona y las necesidades afectivas no se ven cubiertas dentro de la relación.
Factores que originan el abandono emocional
Frecuentemente, las personas no logran ser lo suficientemente conscientes de sus necesidades emocionales, y solo sienten que algo falta, pero lo cierto es que los seres humanos sienten la necesidad de entablar relaciones íntimas, por lo que, en consecuencia, de darse un fuerte conflicto, como una infidelidad o abuso, dichas necesidades no se estarán viendo satisfechas.
Conversaciones de rutina y superficiales
Cuando dos personas que se tienen cariño dedican pocos minutos del día para hablar de temas superficiales, esto poco a poco puede degenerar en una situación donde alguno de los dos se sienta poco querido por la otra persona.
Tanto en relaciones familiares o con amistades, esto es indicio de que la relación puede estarse enfriando, ocasionando que estas personas con quienes se comparte, se vayan convirtiendo en desconocidos.
Cuando hay otras personas, cada uno habla solo con los suyos
Muchas veces puede suceder que, al salir con la pareja, una de las partes tiene mayor relación con el grupo de amistades que el otro, o no tienen en común las mismas amistades.
Si bien no es un signo de algo de gravedad, el que cada parte se ocupe de conversar con sus amigos, al grado de dejar de lado al otro puede sugerir que existe una intención de buscar un descanso de la pareja. Si dicha situación se repite múltiples veces podría indicar que ambas partes buscan ignorarse mutuamente ante la presencia de otras personas, aprovechándose de este momento.
Desconfianza
Cuando dos individuos, sean padres, hermanos, novios o amigos sienten que no les es fácil contar con la ayuda o apoyo del otro para un asunto importante, es indicio de que hay un problema de confianza.
Una falta de confianza suele contribuir a que se presente una situación de ausencia emocional, ya que la víctima considera que no se le toma debidamente en cuenta o poco valorada, siendo una situación angustiosa.
Desinterés por el afecto del otro
Tanto animales como humanos presentan una necesidad de recibir afecto. Acciones como abrazos, besos, caricias y elogios son algunos aspectos que, aunque puedan parecer pequeños, en realidad no lo son.
Cuando alguien a quien se requiere, no responde de forma adecuada ante estos gestos o da poca importancia, puede conllevar a una sensación de ausencia o rechazo. Una relación sana es en la cual, sus participantes se sienten queridos igual por el otro, correspondiendo de forma mutua cuando se expresan afectivamente.
Consecuencias del abandono emocional
Aquellas personas que han sufrido algún abandono emocional con el tiempo pueden presentar una gama de problemas relacionados, que pueden influir en como llevan su vida diaria. Algunos de los síntomas más comunes suelen ser de naturaleza depresiva, como pérdida de interés por actividades que antes solían disfrutar, tristeza, evitan interactuar con otras personas, por miedo a salir lastimados o falta de ganas. A continuación, se mencionan algunas consecuencias del abandono emocional:
Ansiedad por separación
Se trata de un tipo de ansiedad que genera una disfuncionalidad en la persona. Este abandonismo se detona al sufrir una separación del cuidador originando una percepción de ausencia emocional. La pérdida de una relación puede causar incertidumbre en las personas, desconocer si la querida volverá o no, ya sea una pareja o un padre, acompañado del miedo de no saberse capaz o no de superar dicha adversidad conlleva a una tensión emocional.
El individuo que sufra ansiedad por separación, tiene de cuestionarse de si es digno de recibir amor, si él o ella es responsable de que el familiar, pareja o amistad se haya distanciado, y de si logrará conectar emocionalmente con alguien más.
Al combinarse con esa sensación de malestar, proveniente de ser abandonado, la persona afectada estará en constante autoevaluación, para encontrar defectos que lo estén perjudicando en este ámbito de su vida.
Trauma psicológico y Trastorno de estrés postraumático (TEPT)
Aunque en si son casos más extremos, es muy común que quienes presentes los síntomas típicos del TEPT cuando se pierde la relación con un ser querido. Vivir con un constante sufrimiento emocional puede derivar en un trastorno por abandono, lo cual en sí patológico o no, aunque pueden observarse cambios en su forma de comportarse con otros.
En caso de que el quiebre de la relación haya sido brusco, se puede desarrollar un complejo de abandono, en futuras relaciones, donde se siente un constante miedo a que esto se repita.
Dificultades sociales
Una falta de regulación emocional a causa de una ausencia hace que los individuos visualicen su contexto social como un lugar más peligroso. Las alarmas suelen activarse frente a cualquier situación, ya que estas personas no se sienten capaces para hacer frente a un mundo completamente inesperado.
Problemas de autoestima
Sin duda una de los problemas más graves y comunes que se generan. Afectando la construcción de la personalidad, por lo que sus consecuencias son mayores. Para fomentar una adecuada autoestima, es indispensable desarrollar una estima externa en la infancia.
Trastorno límite de personalidad (TLP)
Entre algunos de los síntomas más definitorios del TLP, se pueden encontrar miedo a la crítica y rechazo social, además un temor extremo a sufrir un abandono. Quienes padecen este trastorno son bastantes sensibles con respecto a las relaciones con otras personas, ya que de por sí tienen dificultades para controlar su impulsividad y emociones. También puede verse acompañado de sentimientos de inseguridad referente a su identidad y presentar pensamientos paranoicos.
Consejos que ayudan a las personas a superar el abandono emocional
¿Cómo síntomas del miedo al abandono? Si este problema ha repercutido en varias de tus relaciones, es momento de hacerse cargo y afrontar el trauma por abandono de la infancia o adolescencia.
Son varias las personas que viven sintiéndose indignas de recibir afecto. Situaciones como superar el abandono en pareja o perder un ser querido nunca han sido fáciles. Por lo que aquí se presentan algunos consejos acerca de cómo superar el abandono emocional, mediante la práctica del cuidado y autocompasión:
Ser amable con uno mismo
Hay quienes poseen una voz crítica interior que indica si es alguien terrible, mientras más temprano se aprenda a detener dicha voz y así evitar que influya en sus comportamientos. Lo adecuado es aprender a reconocer las cualidades positivas en uno mismo, en lugar de concentrarse exclusivamente en los defectos propios.
Practicar la conciencia
Una forma de superar el miedo al abandono, es aprendiendo a concientizar los pensamientos y sentimientos, cortando de raíz todo pensamiento intrusivo, de forma de que se pueda construir un núcleo emocional de mayor fuerza sin que se pierda el sentido de uno mismo.
Recuerda que no eres el único que puede tener pensamientos y sentimientos dolorosos
La mayoría de las personas siempre están ocupándose de sus propios problemas, por lo que, si todas pueden unirse para practicar la fuerza emocional y autocompasión, sería más sencillo llevar una vida con base en el amor y la aceptación. Es necesario que cada persona se logré recordar que no está sola y es digna de recibir afecto y compasión como cualquier otro.
No hay obligación de curar tus propias heridas emocionales solo
Al inicia un proceso terapéutico, el individuo va aprendiendo a reconocer los detonantes principales de sus miedos además de identificar patrones de pensamientos negativos, mientras que el terapeuta se ocupa de ayudar reemplazando estos, por creencias más realistas y saludables.
Además de aprender cómo se pueden establecer límites de forma saludables en las relaciones interpersonales, con fin de evitar conductas que dificulten el desarrollo de una sana relación.
Ciertamente, las implicaciones de sufrir un abandono emocional sobre todo en la infancia pueden ocasionar un trauma difícil de superar. La vivencia de la ausencia emocional puede observar tanto en relaciones parentales, de pareja o hasta de amistad, dejando heridas, siendo de vital importancia aprender a cómo superar el sentimiento de abandono.
Si sabes de música o si estás interesado o interesada en ella, debes saber que la génesis del rock como lo conoces actualmente, tiene lugar en el Reino Unido, donde la música rock de las bandas británicas se apoderó del suelo de Londres y, sin pausa alguna, fue extendiéndose fuera de Europa. Desde la década de los 60, hasta la actualidad, haremos un recorrido por las bandas inglesas que formaron parte de la Invasión Británica del rock and roll.
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Los años 60 estuvieron marcados por sonidos de las bandas británicas más impresionantes que el mundo de la música pudo escuchar en lo que se conoció como la Invasión Británica del rock. En esta sección hablaremos de las bandas inglesas que brillaron en la era del rock británico.
1. The Beatles
La banda de música inglesa con la que empezó todo en los años 60 fue la de The Beatles —o como popularmente se llamaron en países de habla hispana: Los Beatles— fueron considerados los representantes más importantes del rock y, además, fueron los populares precursores de la Invasión Británica del rock en los años 60. El torbellino que fue The Beatles, partió de Liverpool en 1960 con el talento de John Lennon, Paul McCartney, Ringo Starr y George Harrison.
En sus años de trayectoria (1960-1970), el grupo experimentó con diferentes estilos musicales y fue pionero en la composición, grabación y presentación artística, hasta los vídeos musicales de bandas como esta fueron un patrón a seguir. Sus influencias en la cultura pop se extendieron más allá de Europa, donde también fueron considerados líderes de la música y del rock.
La banda se consolidó como un referente indudable del rock britanico en 1964 y maravilló con su álbum A Hard Day’s Night. Asimismo, canciones como Imagine, Let It Be, Hey Jude y Here Comes The Sun, siendo un himno que nadie puede dejar de tararear.
2. The Rolling Stones
La música rock en inglés también estuvo a cargo de The Rolling Stones, banda que se formó en 1962 con Mick Jagger, Keith Richards, Bill Wyman y Charlie Watts. La energía oscura y sexual de los Stones hizo que se convirtieran en una de las mejores bandas de rock actuales, gracias a canciones como Sympathy for the Devil, Paint it, Black y Satisfaction. Es posible que The Rolling Stones haya sido la primera de las bandas inglesas que fue pionera en hard rock y que lo definió a su manera.
Rolling Stones en Hyde Park para su gira «50 y contando…» en 2013 (Grupo de Besanez, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
El rock de los Stones fue y ha sido una mezcla de blues con su arrogante rock’n’roll, hard rock y las porras hacia el desacato, llamando a ir contra el sistema. Los forajidos del rock’n’roll siguieron con los ojos cerrados a una banda que año tras año fue desafiando las barreras sociales a través de su música.Haciendo un conteo de sus triunfos como una de las mejores bandas inglesas que hasta ahora sigue en pie, The Rolling Stones está en la lista de los discos más vendidos de todos los tiempos.
3. The Who
Directo desde Londres, The Who se formó en 1964 con Roger Daltrey, Peter Townshend, Keith Moon y John Entwistle. Este es otro de los grupos británicos de rock que se convirtió en parte significativa del auge y desarrollo de grandes sistemas sonidos eléctricos amplificados, Marshall stack y la inclusión del sintetizador en sus pintas.
The Who históricamente ha sido uno de los grupos de rock más populares de UK que ha sido reconocido por la calidad y originalidad de su música. La banda se estrenó con I Can’t Explain en 1965 y significó un éxitos en el top ten del Reino Unido; luego le seguirían otros lanzamientos fructíferos como Won’t get fooled again, Behind blue eyes, Baba O’Riley y Quick One While He’s Away.
La alineación oficial de The Who en 1975 (Jim Summaria, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
El contenido lírico de The Who ha tenido mucho que ver con la alienación, la incertidumbre y la frustración, temas que tocó sobre melodías fuertes y acordes salvajes, llenos de poder y de los chillidos de la guitarra de Townshend.
4. The Kinks
The Kinks se formó en 1963, en Londres, con los hermanos Ray y Dave Davies, quienes hicieron que se banda fuese considerada una de las más influyentes de los años 60. Esta fue una de las mejores bandas británicas que tuvo un papel importante en la invasión británica de los Estados Unidos, hasta su prohibición en 1965, por comportamiento inapropiado fuera de los escenarios.
Los Kinks en 1966 (Publicaciones KRLA Beat/Beat, Inc., Dominio Público, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
El tercer sencillo de la banda, You Really Got Me fue un éxito internacional para la banda que en 1990 fue incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll, al tiempo que también fue honrada con el Premio Ivor Novello por «Servicio Destacado a la Música Británica». Pese a que The Kinks era conocida por sus shows alocados, su buena música y por himnos como Waterloo Sunset y All the Day and All of the Night, su prohibición en suelo estadounidense hizo que toda la fama se limitara a su tierra natal y eso evitó que se expandiera mucho más.
5. The Yardbirds
Fue en 1963 cuando The Yardbirds se formó en Londres, tiempo al que se les atribuye el impulso de las carreras de tres de los guitarristas más famosos del rock: Jimmy Page, Eric Clapton y Jeff Beck.
Aunque en sus inicios surgió como un grupo más orientado al blues, gradualmente fue migrando al hard rock temprano, el pop y el rock psicodélico; de hecho, los expertos en la música del Reino Unido sugieren que Los Yardbirds tuvieron una gran influencia en las tendencias posteriores del rock progresivo, en los grupos de punk ingleses y en el movimiento del heavy metal.
El repertorio de The Yardbirds incluyó grandes éxitos como For Your Love, Happenings Ten Years Time Ago y Shapes of Things. La banda fue incluida en el Rock & Roll Hall of Fame en 1992.
Bandas británicas de los 70
Diez años más adelante, el mundo del rock and roll vio crecer a otras bandas que se encargaron de dejar huella en la historia de la música; estos son algunos grupos británicos de los 70 que más sonaron.
6. Jethro Tull
Es bueno iniciar esta lista con Jethro Tull, ya que no solo es una de las bandas británicas más influyentes, sino que es una de las más longevas que partió de los años dorados del rock británico. El grupo se formó en Blackpool, Lancashire, en 1967, con influencias del blues rock y jazz fusión, pero luego desarrolló su sonido para convertirlo en hard rock y folk rock y hacer espacio en el rock progresivo.
Ian Anderson, Mick Abrahams y Martin Barre, son algunos de los miembros más destacados del grupo que alcanzó el éxito comercial por primera vez en 1969, con su álbum Stand Up. Con el paso del tiempo, la suerte le sonrió con proyectos como Aqualung (1971), Thick as a Brick (1972) y Songs from the Wood (1977). Los historiadores han catalogado a Jethro Tull como “una de las bandas de rock progresivo más excéntricas y de mayor éxito comercial”.
7. Pink Floyd
Seguidamente, otra de las bandas inglesas importantes es Pink Floyd, la cual se popularizó desde mediados de los años 60 y consolidó su éxito en los 70, cuando hizo que el álbum conceptual tuviese peso para las audiencias masivas de rock n’ roll.
El talento de Syd Barrett, Roger Waters, Nick Mason, Rick Wright y David Gilmour destacó en los escenarios, donde la banda logró marcar un precedente con shows entretenidos, trucos tecnológicos y extensos espectáculos de luces en vivo; esta es una marca de reconocimiento y la popularidad de Pink Floyd.
Pink Floyd en un show en vivo tras el lanzamiento de Dark Side of the Moon, en 1973 (Tim Duncan, CC BY 3.0,vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
No obstante, álbumes de la banda como Dark Side of the Moon (1973), Wish You Were Here (1975), Animals (1977) y The Wall (1979) se vendieron hasta agotarse y son considerados joyas musicales y del rock de antes y ahora. Sus éxitos le valieron el ingreso al Museo y Salón de la Fama del Rock and Roll en 1996.
8. Led Zeppelin
Led Zeppelin es otra de las bandas británicas de rock que fue extremadamente popular en la década de 1970. Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones y John Bonham fueron los principales integrantes del grupo que inicialmente se llamó New Yardbirds (1968), ya que Page y Jones pertenecieron a los Yardbirds.
Fotografía promocional de Led Zeppelin en 1970 (Autor desconocido Dominio Público, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
El grupo finalmente se mantuvo como Led Zeppelin y recibió las influencias del rock and roll temprano, el rock psicodélico, el blues, el folk, la música celta, entre otros géneros. Los chicos de Led Zeppelin también fueron precursores del metal pesado que se desarrollaría más adelante en la historia de la música.
Piezas como Kashmir, When the Levee Breaks, Stairway to Heaven y Good Times Bad Times son algunas de las mejores canciones que podrás escuchar de Led Zeppelin, una de las bandas inglesas más destacadas de los 70.
9. T-Rex
T-Rex fue una banda inglesa de los años 70 llamada Tyrannosaurus Rex, que se especializó en hacer música acústica, con un sonido eléctrico más moderno y orientado al rock clásico. Con su sencillo Ride a White Swan obtuvieron su primer éxito comercial y además, la banda ayudó al desarrollo del emergente del glam rock en ese entonces.
El baterista de T.Rex, Mickey Finn, tocando en 1973 (heinrich klaffs, CC BY-SA 2.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
A pesar de que el rock glamoroso no tuvo tanto tiempo de estar en boga, la banda logró mantenerse a flote con 10 sencillos entre los cuales destacan canciones como Bang a Gong (Get It On), Metal Guru, Telegram Sam y Cosmic Dancer. T-Rex fue una idea de Marc Bolan, quien actuó como compositor, cantante principal y el único miembro constante cuando la banda estaba cambiando de formaciones, hasta su muerte fatal en 1977.
10. Queen
Por supuesto, una lista de bandas británicas de los 70 no puede concluir sin mencionar a Queen. Sin lugar a dudas, Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon fueron grandes intérpretes y creadores de shows que quedaron fijados en la memoria de la música rock y pop. La invasión británica del rock se consolidó finalmente con Queen, una banda que estuvo destinada al éxito desde el primer momento, gracias a su música y a la forma en la que se presentaba.
Bohemian Rhapsody fue su single de 1975, el cual es uno ejemplo de su enfoque musical único, su esencia y su capacidad de crear piezas exitosas con diferentes tipos de música. Entre sus canciones más icónicas podemos nombrar Radio Ga Ga, Another One Bites the Dust, I Can’t Live With You, I Want to Break Free, The Show Must Go On, We Are The Champions, Somebody to Love, entre otros éxitos que pasaron la prueba del tiempo y siguen sonando en la actualidad.
Bandas británicas de los 80
Avanzamos un poco más en el tiempo para hacer un repaso por las bandas de rock de los 80 que figuraron como los representantes del rock n’ roll de aquella época.
11. Def Leppard
Def Leppard es uno de los grupos musicales británicos de los 80 que encabeza esta lista. Esta banda fue una de las principales impulsoras de la nueva ola de música británica en la década de 1980 y mantuvo su popularidad hasta el siglo XXI. Pete Willis, Rick Savage, Joe Elliott y Tony Kenning fueron los principales miembros de la banda que se formó en Sheffield, en 1977.
Def Leppard se forjó en apogeo del punk y eso hizo que figurara como una de las principales bandas de punk inglesas que también creó una versión melódica más “accesible” que se asemeja al heavy metal, un género que tardó más en hacerse popular en Reino Unido que en Estados Unidos.
Def Leppard posando para una foto promocional en 2018 (kevin nixon, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
No obstante, con su primer álbum, On Through the Night (1980), la banda mostró lo que tenía para ofrecer y siguió adelante con High ‘n’ Dry (1981), pero fue Pyromania (1983), con éxitos como Photograph y Rock of Ages, el proyecto que le aseguró un espacio en la historia del rock.
12. Joy Division
Joy Division fue una banda británica de punk, post-punk y new wave, formada en 1976, en Salford, Greater Manchester. Inicialmente se anunciaban como Varsovia, cuando hacían sus primeras presentaciones, pero a lo largo de 1977, siendo parte de los nuevos grupos de punk ingleses, continuaron con este nombre hasta la grabación del primer EP, pero cambiaron su nombre a Joy Division a principios de 1978, antes de lanzar An Ideal For Living.
Joy Division / New ORder tocando en 2019 en Chile (RL GNZLZ de Chile, CC BY-SA 2.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Ian Curtis, Bernard Sumner, Peter Hooky’ Hook y Stephen Morris fueron los encargados de que el nombre de Joy Division se abriera paso entre tantos grupos musicales británicos de los 80. Sin embargo, el rumbo para los chicos de Joy Division cambió cuando Curtis se quitó la vida el 18 de mayo de 1980: la banda pasó a llamarse New Order. Entre las piezas más destacadas de la banda podemos enlistar canciones como Transmission, Love Will Tear Us Apart, She’s Lost Control, Atmosphere y Shadowplay.
13. The Smiths
Por otro lado, The Smiths fue una de las bandas inglesas más populares y aclamadas por la crítica de la década de 1980, de la mano de Morrissey, Johnny Marr, Andy Rourke y Mike Joyce, quienes hicieron que esta fuera una de las principales bandas inglesas de rock alternativo.
Collage de los integrantes dd The Smiths (AmarilisJardinero, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Los Smiths se aprovecharon de su buena combinación para hacer ruido en Manchester y rápidamente ganaron seguidores para las sesiones grabadas para la radio de la British Broadcasting Corporation (BBC), shows en vivo y el plañidero folk-punk de su sencillo debut, Hand in Glove. Además, contaron con la presencia escénica de Morrissey, su canto desolado y su personalidad extravagante y conflictiva, su proyección como rompecorazones y canciones como Still I’ll, lo hicieron un representante de la juventud descontenta de los 80.
Aunque The Smiths fueron encasillados como “miserabilistas” y “pesimistas”, lograron alcanzar el éxito con canciones como Bigmouth Strikes Again, Heaven Knows I’m Miserable Now y This Charming Man.
14. The Cure
El punk toma lugar nuevamente con The Cure, la banda inglesa de new wave, post-punk, pop rock, que fue fundada en 1976 en Crawley, West Sussex. Antes de ser conocida como The Cure, la banda inicialmente se llamó Malice, luego Easy Cure y finalmente se decidió por The Cure en 1978.
Desde su creación, Robert Smith ha sido el líder, compositor, vocalista y guitarrista, y eso le valió la inclusión en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 2019; también lo acompañan Simon Gallup, Reeves Gabrels y Roger O’Donnell. Sus piezas más destacadas son Just Like Heaven, Never Enough y Friday I’m In Love.
Si hay algo que destacar de The Cure como uno de los grupos de los 80 británicos es su fidelidad al punk sin caer en trivialidades, pues con sus letras y música esperaban que sus seguidores también entendieran que todo se trata de ir contra la corriente y ser lo que eres, sin apariencias.
15. The Stone Roses
A la lista de los grupos británicos de los 80, anexamos a The Stone Roses, la cual fue una banda de rock inglesa formada en Manchester en 1983, muy conocida por ser una de las pioneras del movimiento alternativo Madchester a fines de la década de 1980 y principios de la de 1990.
Ian Brown, John Squire, Mani y Reni fueron los responsables de que la banda inglesa de los 80 debutara en 1989 con The Stone Roses, un proyecto que significó el éxito para la banda y recibió elogios de la crítica, muchos lo consideran uno de los mejores álbumes británicos jamás hechos. Un dato interesante de la influencia de los Stone Roses es que inspiraron a Liam y Noel Gallagher para darle forma a Oasis.
En canciones como Tell Me, Made of Stone, She Bangs the Drums, Standing Here y This Is the One, The Stone Roses le dio otra vibra a la juventud de los 80 y 90, quienes siempre le recordarán por el limón como símbolo icónico.
Bandas del Reino Unido de los 90
Desde las décadas pasadas, avanzamos hacia las bandas inglesas que hicieron vida en los 90 y que influyeron en los grupos británicos actuales.
16. Radiohead
Radiohead fue probablemente una de las bandas británicas más exitosas de principios del siglo XXI. Este quinteto se destaca por haber hecho música majestuosa en la era posmoderna, aunque también bastante saturada de angustia. La gran banda tiene sus inicios a mediados de la década de 1980 en Abingdon School, Oxfordshire, compuesta por Thom Yorke, Jonny Greenwood, Ed O’Brien, Colin Greenwood y Phil Selway, una alineación que aún mantiene, aunque el presente y futuro de la agrupación es algo incierto.
Fuertemente influenciada por el sonido de REM y Pixies, Radiohead logró llamar la atención rápidamente en el circuito de pubs locales, y pudo brillar con Pablo Honey en 1993, su álbum debut; dos años más tarde sorprendió con The Bends, en 1995, trascendiendo por completo en la escena británica. En el 97 hizo lo propio con Ok Computer, un álbum con un sonido enorme y una belleza escalofriante.
Su legado siguió creciendo desde Kid A (2000) hasta In Rainbows (2007), y su catálogo creció aún más con The King of Limbs en 2011 y A Moon Shaped Pool en 2016, una pieza texturizada y emotiva que los llevó por última vez a alcanzar la cima de las listas del Reino Unido.
17. Super Furry Animals
A la lista de bandas inglesas de los 90 añadimos a Super Furry Animals, que fue una de las primeras bandas post-alternativas, fusionando desde el power pop y el punk rock, hasta el techno y el rock progresivo, creando un rock brillante, melódico, irreverente y muy artístico. Esta banda fue formada en Cardiff, Gales, en 1993, por Gruff Rhys, Huw «Bunf» Bunford, Guto Pryce, Cian Ciárán y Dafydd Ieuan.
SFA en el Indie Rock Festival de 2009 (Silvio Tanaka de Sao Paulo, Brasil, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Inicialmente el grupo era un conjunto de techno, pero rápidamente evolucionó con la fusión de diversos géneros. Entre canciones y giras, la banda firmó con el sello independiente Ankst y lanzó su EP debut Llanfairpwllgwyngyllgogerychwyndrobwllantysiliogogogochynygofod (In Space) en 1995. Al siguiente año, el álbum debut de la banda, Fuzzy Logic, fue lanzado con éxito, alcanzando una gran base de fanáticos, los cuales le dieron la bienvenida a Radiator en 1997.
Guerrilla siguió dos años más tarde y, a mediados de 2000, la banda resurgió con Mwng; cinco álbumes más se publicaron en la década de 2010 con sonidos aún más ambiciosos y sueltos, siendo Dark Days/Light Years (2009) el último álbum antes de una pausa que terminaría en 2015, donde hubo reediciones, conciertos y festivales.
18. The Verve
Una de las bandas más innovadoras y fascinantes de la escena pop rock británica contemporánea es The Verve, que se abrió paso a la audiencia internacional en 1997 con el clásico instantáneo Bitter Sweet Symphony.
El grupo se formó en Wigan, en el norte de Inglaterra, en 1990, bajo el mando de Richard Ashcroft, Nick McCabe, Simon Jones y Peter Salisbury, alineación que debutó en marzo de 1992 con el sencillo All in the Mind. En 1995, luego de un par de años algo accidentados, lanzaron A Northern Soul, un álbum que marcó la salida de Ashcroft y la primera ruptura de la banda.
El vocalista Richard Ashcroft de Verve cantando en el Pinkpop 2008 (Danny Lechanteur, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons).
Con una nueva alineación, The Verve volvió poco tiempo más tarde para sorprender con Urban Hymnsm (1997). El segundo sencillo del álbum, The Drugs Don’t Work, se convirtió en el primer éxito número uno de la banda en el Reino Unido, y con la buena suerte a su favor, se fueron de gira y volvieron algunos problemas del pasado que llevaron a la separación oficial de la banda, aunque ocho años después volvieron para grabar Forth, su último álbum.
19. Oasis
La lista de las bandas inglesas de los 90 cierra con Oasis, la banda que saltó de la oscuridad al estrellato en 1994, convirtiéndose en uno de los grupos británicos más populares y aclamados, desde sus inicios en Manchester en 1911. Originalmente, bajo el nombre de The Rain, el grupo estaba formado por Liam Gallagher, Paul ‘Bonehead’ Arthurs, Paul McGuigan y Tony McCaroll, luego Noel Gallagher se suma al equipo con la condición de tomar el control completo Oasis.
Supersonic fue el debut de Oasis en 1994, un proyecto que les permitió tocar en sitios más grandes y con más adictos a su sonido. La popularidad de los Gallagher y su banda fue innegable dentro y fuera del Reino Unido, donde llegaron a Estados Unidos a promocionar el sencillo Live Forever, canción que se convirtió en un gran éxito en MTV y en las estaciones de radio de rock moderno. Tiempo después brillaron con (What’s the Story) Morning Glory? (1996) y Dig Out Your Soul (2009), que fue el último de los ocho álbumes de estudio antes de su separación definitiva.
Bandas famosas de rock de los 2000
Los grupos británicos actuales se formaron en los 2000 y desde entonces han hecho que sus carreras se encaminaran por senderos apegados a la actualidad y a las innovaciones tecnológicas.
20. Muse
Otra de las bandas inglesas fue Muse, que en 1994 se destacó por fusionar el rock alternativo de finales de los 90, con rock progresivo, pop y hasta electrónica. Matthew Bellamy, Christopher Tony Wolstenholme y Dominic James Howard son los integrantes de esta banda que en sus inicios llevó otros nombres, hasta adoptar el conocido en 1995, cuando decidieron ir en serio.
Muse fue su EP de estreno en 1997, con el cual lograron abrirse paso en la escena del rock. Para el año siguiente, Muse lanzó con éxito su segundo EP y luego debutaron a totalidad con Showbiz, lanzado en 1999. Desde 2001 hasta la actualidad, Muse ha publicado siete álbumes de estudio con sencillos que suelen alcanzar los primeros lugares del Reino Unido y van desde New Born, Plug in Baby y Bliss, lanzados a principios del milenio, hasta Won’t Stand Down, Compliance y Will of the People, que forman parte de Will of the People, álbum de 2022.
21. Coldplay
Coldplay es una banda que logró fusionar lo mejor del pop y el rock británico hasta posicionarse entre las mejores de las dos últimas décadas. Todo comenzó con Chris Martin y Jonny Buckland en 1996, aunque la alineación definitiva se logró el año siguiente e incluía a Will Champion y Guy Berryman, quienes empezaron a dar conciertos y consiguieron lanzar su Safety EP a mediados de 1998.
Antes de terminar la década Coldplay ya había concretado un contrato de grabación, varios EP y empezaron a trabajar en su primer álbum. A principios del 2000 y con un importante número de conciertos y festivales en su haber, estrenaron Parachutes, álbum que incluye Yellow, el single que llevó a la banda a formar parte de la cultura popular.
Coldplay durante el Music of the Spheres World Tour en 2022 (Stevie Rae Gibbs, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Tras el éxito cosechado, Coldplay pudo seguir madurando, superándose y construyendo un sonido en constante evolución que absorbió múltiples géneros, como se puede observar en Mylo Xyloto (2011), A Head Full of Dreams (2015) y Everyday Life (2019). El último álbum de estudio de la agrupación, que se mantiene vigente y girando, es Music of the Spheres, lanzado a finales de 2021.
22. The Libertines
Formada en 1997, en el Camden Town de Londres, Pete Doherty y Carl Barât hicieron de The Libertines una banda que estuvo a la vanguardia del renacimiento del garage rock británico y fue una parte crucial de la escena indie británica de principios de la década de 2000.
The Libertines tocando en vivo en 2018 (Bruce from Sydney, Australia, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Mucho se dice sobre su nombre, pero la realidad es que The Libertines se inspiró en una controvertida obra erótica del marqués de Sade llamada The Lust of the Libertines (1785). Dicho esto, la popularidad del grupo nació de los malos hábitos de Pete con las drogas y los conflictos internos que dieron espacio a las habladurías; más allá de este tema, The Libertines tuvo su apogeo entre 2002 y 2003 con el single What a Waster y por su primer álbum de estudio Up the Bracket.
The Libertines se separó en 2004 volvió en 2010 para una “reunión única”, pero finalmente retomaron el camino musical en 2014 para aparecer en eventos, festivales y conciertos para sus fanáticos.
23. Bloc Party
Seguidamente, en 1998 Bloc Party se abrió paso en la escena indie rock británica de la mano de Russell Lissack, Kele Okereke, Gordon Moakes y Matt Tong. En 2004 la banda entregó su primer EP, donde se encuentra el sencillo She’s Hearing Voices, el mismo que le permitió triunfar con un sello independiente.
Bloc Party en el Southside Festival de 2019 (señor rossi, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Texturas electrónicas y atmósferas de post rock se fusionaron en Silent Alarm, el álbum debut de Bloc Party, que obtuvo un disco platino el mismo año de lanzamiento en 2005. La banda continuó su camino y publicó A Weekend in the City en 2007 e Intimacy el año siguiente, álbumes donde se aprecian influencias del hip-hop y letras que iban desde la conciencia social hasta lo más personal.
Los siguientes álbumes de Bloc Party también fueron bastante interesantes, sumando desde el post hardcore en Four (2012) o volviendo al post punk con sonido fresco en Hymns (2016). En 2020, la agrupación anunció un nuevo álbum, que vio luz en 2022 con el nombre de Alpha Games.
24. Arctic Monkeys
Otra de las mejores bandas de rock actuales es Arctic Monkeys, la banda de indie rock formada en 2002 en Sheffield, Reino Unido. La agrupación de Alex Turner, Jamie Cook, Matt Helders y Nick O’Malley, empezó a regalar demos que los ayudaron a darse a conocer en 2003, pero su principal aliado fue el internet.
Un video de sus primeras actuaciones grabado por un fotógrafo de la ciudad y un perfil en MySpace que no pertenecía a Arctic Monkeys le dieron la popularidad necesaria a la banda para que el lanzamiento de su EP debut Five Minutes with Arctic Monkey en 2005 fuera un completo éxito.
Ese mismo año lanzaron I Bet You Look Good On The Dancefloor, sencillo incluido en su primer álbum Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not (2006). El éxito de la banda fue constante durante los siguientes años, entre álbumes y giras, hasta una pausa en 2014 que se mantuvo hasta estrenar Tranquility Base Hotel & Casino en 2018.
25. The 1975
Finalmente, The 1975 es la última de las bandas británicas de esta lista. Es una banda de rock alternativo de Wilmslow, Cheshire, Reino Unido, formada en 2012 con Matthew Healy, Adam Hann, George Daniel y Ross MacDonald; la banda nació haciendo covers y unos cuantos años más tarde generó su propio material.
El debut de The 1975 fue con un EP titulado Facedown lanzado bajo un sello independiente en 2012, mismo año que publicarían Sex EP. La popularidad de la banda siguió aumentando y en 2013 lanzaron su debut homónimo de larga duración, donde se incluyen varias pistas lanzadas anteriormente como Chocolate, Sex, Settle Down y Girls. Su segundo proyecto se dio en 2016 con I Like It When You Sleep, for You Are So Beautiful Yet So Unaware of It.
En 2020, tras publicar Notes on a Conditional Form, The 1975 alcanzó nuevamente el puesto número uno en el Reino Unido y apunta muy alto para su próximo lanzamiento previsto para finales de 2022.
Desde los orígenes de la invasión británica del rock, con bandas inglesas icónicas, hasta las agrupaciones más frescas de los 90 y 2000, hemos hecho un recorrido por la evolución y variación del rock, fusionado con el punk britanico y el metal, para dar una idea de cómo la música británica dominó la escena dentro y fuera de sus fronteras.
La actitud en nuestras vidas es determinante para el logro de nuestros objetivos. Nuestro comportamiento revela mucho de nuestra personalidad y de lo que somos capaces. No en vano la gente prefiere hacer amistad o contratar personas con actitud positiva que propague esa misma conducta en todos en derredor. Además es más fácil tratar a una persona proactiva que reactiva; a una solidaria que interesada; a una integradora que manipuladora; o a una pasiva que agresiva. Depende de la clasificación que se le dé, pues existe una larga lista de ejemplos de actitudes que dependen de varios criterios, esta vez nos enfocaremos en los tres tipos de actitudes según su valencia afectiva, el entorno y la situación.
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Se trata de uno de los tipos de actitudes de los seres humanos más favorables que suelen asumir las personas al enfrentar cada situación de vida y los diferentes estímulos con una interpretación positiva y optimista. Incluso en momentos de dificultades y estrés estas personas son motivadas a la acción y a la búsqueda de soluciones y objetivos. Son personas de carácter confiado y disciplinado.
Características
La actitud positiva suele ser contagiosa pues independientemente de la situación, se basa en una idea del bien común.
De las actitudes humanas esta colabora con la aceptación de fortalezas y debilidades y el desarrollo de la resiliencia.
Este tipo de actitud es clave para el éxito académico y profesional, ya que organiza el comportamiento de una persona mientras mantiene su trabajo en movimiento y progresando.
Las personas positivas suelen mostrar confianza en sí mismos, optimismo, alegría, fiabilidad y flexibilidad.
Quienes manejan este tipo de conductas y actitudes, usualmente ponen atención a lo bueno de cada persona, situación o evento. No considerarán que el fracaso sea un error u obstáculo, sino una oportunidad. Estas personas aprenden de los errores y se mueven adelante en la vida.
Según cuáles son las actitudes de las personas con mentalidad positiva, ellos creen en sí mismos y poseen una extensa lista de cualidades que los hace admirable ante los ojos de quienes lo rodean, entre tantas poseen un alto grado de optimismo, sentido de responsabilidad, flexibilidad, tolerancia, diligencia, humildad, voluntad, además de:
Confianza: La gente positiva está siempre preparada para afrontar todo reto que se le presente, incluso las situaciones difíciles para lo que la confianza es fundamental. Son entusiastas y confían en que las cosas irán bien.
Felicidad: La gente positiva es feliz y la felicidad conlleva a la bondad. Las personas seguras de sí mismas son felices, confiadas y no le temen a los resultados, si son buenos los celebran y si son negativos los afrontan y mejoran con la mejor actitud.
Sinceridad: de cuáles son las actitudes de una persona positiva esta es una cualidad de las personas comprometidas y responsables. La sinceridad no tiene que ser un problema, si se utiliza de manera adecuada y para el bien común.
Determinación: Son personas seguras y enfocadas que saben que con trabajo duro, esfuerzo y la determinación, todo es posible y nada impedirá el logro de sus éxitos y deseos.
Estas personas mantiene pensamientos positivos en condiciones y circunstancias críticas para soluciones claras.
Ejemplo de actitudes personales positivas
Eugenia logró alcanzar su título de Licenciada en Educación del Arte, hace dos años de ello seguía desempleada. Entre tanto, esperaba la oportunidad de dedicarse a enseñar lo que tanto sabe y lo que realmente le apasiona, trabajó como diseñadora de una revista, camarera, cuidadora y por las noches pintaba sus cuadros.
Ella estaba segura de su talento para la pedagogía y de que su futuro sería el prometido a sí misma. Pasaron varios años y logró reunir el dinero necesario para abrir su pequeño taller galería de arte en el centro de la ciudad; hoy convertida en academia que gradúa a más de mil artistas cada año. Su mentalidad optimista, diligente y resiliente fue clave para lograr el éxito, uno de los mejores ejemplos de qué es actitud positiva.
Las personas con este tipo de actitud mantienen una visión negativa y pesimista de la realidad, maximizan las experiencias adversas y dan poco valor a los elementos positivos de alguna situación. Conforme a los tipos de actitudes de una persona pesimista, estas personas generan rechazo permanente y quejas más allá de lo racional, por lo que afecta el alcance de objetivos y soluciones.
Características
Tanto como el carácter positivo, la actitud negativa puede ser negativamente contagiosa.
Este tipo de actitud evita que las personas suman las situaciones con esperanza y alegría.
Las personas con este tipo de visión especialmente enfrentan entornos desfavorables que los hace mirar negativamente la vida; atraen el fracaso en cada acción y son propensos a compararse con los demás.
Quienes mantienen actitudes negativas, también lidian con emociones negativas permanentes que afectan su salud física y mental, logran tener un mínimo control de sus emociones y sentimientos.
La mentalidad negativa sufre de constantes momentos de duda, frustración e ira, lo que incide en las relaciones personales y profesionales.
Las personas con dicha actitud ignoran lo bueno y prestan atención a lo malo de las personas, situaciones o eventos.
Las personas negativas rechazan los cambios, culpan a otros por su fracaso y tienen dificultad para la toma de decisiones asertivas.
Formas de expresión
La ira, la frustración y la duda son algunos de las manifestaciones más comunes en una persona con actitud negativas, a veces requieren ayuda profesional y la compañía de amigos o familias cercanas para tratar y controlar este tipo de emociones, como por el ejemplo, el odio o resentimiento, el pesimismo, la frustración, los celos, la impresión de inferioridad, también otros como:
Enfado: Las personas con actitudes negativas a veces pueden sentir esta emoción sin motivos específicos e importantes, además los arrastra a la autodestrucción y el aislamiento progresivo.
Duda: Suelen ser personas desconfiadas y dudosas de sus propias capacidades.
Decepción: Así como son desconfiados y rígidos nunca se sienten conformes o satisfechos con ellos mismos ni con las personas a su alrededor, poco a poco está actitud los va alejando de la gente que los quiere y de la posibilidad de ser felices.
Ejemplos de actitudes de una persona negativa
Jorge es de los que siempre llega tarde a la oficina. En el proyecto pasado hizo perder el tiempo a todo el equipo, pues era el responsable de preparar la presentación de una nueva publicidad. Era su turno; ya todos habíamos trabajado fuertemente en el diseño de la campaña durante las reuniones en las que siempre creaba conflictos y desacuerdos. Fue tan larga la espera que el cliente frustrado se marchó y rechazó cualquier próxima oportunidad para atender nuestra propuesta.
Jorge media hora después apareció con actitud prepotente y agresiva, culpando a todos de dejar toda responsabilidad bajo su cargo, por no haber retenido al comprador y por haber afectado su posibilidad de éxito. Nunca creyó en la confianza y oportunidad que le dieron; por el contrario, su actitud negativa indujo su inevitable despido. De los ejemplos de qué son actitudes destructivas.
Actitud neutral
La persona con actitud neutra no emite pensamiento, juicio o emoción positiva ni negativa; mantienen una posición imparcial incluso pasiva sobre las circunstancias y personas. Según los tipos de actitudes en psicología, estas personas suelen sentirse satisfechas consigo mismas; no reaccionan ante situaciones y ser indiferente a los desafíos.
Características
Ser neutral puede ser una ventaja mientras te ayude a mantener la estabilidad frente a los contratiempos; pero puede separarte con facilidad de las personas y las metas.
Las personas con actitud neutral suelen ignorar los problemas y esperar a que alguien se encargue de solucionarlos, llevan una vida perezosa y de ínfima emoción.
No sienten necesidad de cambio ni de ser como son. Usualmente requieren de terapias mentales de ajuste hacia una actitud positiva.
Son personas con poca esperanza y visión de futuro, no les importa mucho nada; simplemente van con la corriente.
Formas de expresión
Las personas con una actitud imparcial subestiman la importancia de cualquier situación o evento; evitan los problemas para que otros los resuelva; y de paso, no les interesa cambiar esta lista de actitudes falla. Otros de sus rasgos frecuentes son:
Complacencia
Indiferencia
Desapego
Sensación de estar desconectado
Ausencia de emociones
Ejemplos de actitudes del ser humano neutral
Angélica es jefa del condominio, prácticamente todo lo relacionados al mantenimiento y seguridad del edificio es de su competencia, ella aboga por la tranquilidad y la buena convivencias de las 15 familias que habitamos en el lugar.
Un día cualquiera se produjo un conflicto entre dos de los vecinos del segundo piso, por cuanto una fuga de agua causó daños en la pared y techo del apartamento contiguo sin que su dueño se hiciera a cargo oportunamente. Ambos eran propietarios de departamentos, pero Angélica decidió asumir una posición neutral que no favoreció al afectado ni incentivó algún tipo de solución en mitad del conflicto. Su actitud perezosa, complaciente o indiferente; afectó su continuidad en dicha ocupación. El último de los ejemplos de actitudes sociales que se pueden mejorar.
Es definitivo que la actitud hacia el mundo nace de la fusión entre factores biológicos y hereditarios; es el rasgo prevaleciente de nuestra personalidad y factores ambientales como el aprendizaje también hacen su aporte. Los tipos de actitudes mencionados se establecen en el tiempo y determinan nuestra tendencia y disposición a actuar de cierta manera. Lo importante con estos ejemplos de actitudes es reconocer cual es la nuestra y si nos está funcionando para ser las personas felices y exitosas que siempre hemos deseamos; o si acaso debemos tomar medidas a tiempo para lograrlo.
En un mercado tan competitivo e impredecible como el actual, hasta el más mínimo detalle, es capaz de marcar una enorme diferencia entre un producto exitoso y otro que, simplemente, está condenado a desaparecer. De esta realidad nace la necesidad de contar con estándares de calidad bien definidos que solo permitan satisfacer las necesidades esenciales de los clientes, si no que además, contribuyan a una interacción mucho más positiva entre la compañía y el público en general; basada en los parámetros de calidad asociados a los bienes y servicios ofertados.
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La reputación que tiene un producto dentro del mercado competitivo es incluso más importante que otros aspectos más técnicos como su diseño o funcionalidad. Y lo cierto es que la fama de una marca se construye desde los estándares de calidad que posee la propia empresa.
Pero, qué significa estándar y cómo este puede convertirse en un factor tan decisivo al momento de comercializar un producto.
Y la verdad, es que la respuesta a esta interrogante es tan intuitiva que ni siquiera hace falta recurrir a la definición más técnica de qué son los estándares de calidad. Lo primero que hay que tener presente es el por qué motivo las empresas introducen mercados dentro del mercado competitivo.
Todo se puede reducir a una sola palabra, necesidad. Ya con este hecho presente, resulta algo lógico que las compañías cuenten con parámetros de calidad bien establecidos para asegurar que cada uno de los bienes y servicios que comercializan resulten tan seguros como eficientes para los usuarios.
Dicho de una forma sencilla, los estándares de calidad no son más que una serie de parámetros establecidos, tanto por la empresa como por organismos internacionales, para garantizar a los consumidores la buena calidad y eficiencia de cada uno de los productos asociados con la marca. De aquí parte el hecho de que los estándares de calidad en una empresa, sean percibidos como una característica que permite establecer una diferencia entre la compañía y el resto de su competencia dentro del mercado.
La importancia de poseer parámetros de calidad
Uno de los principales objetivos de estándares de calidad que establece una empresa para sus productos es hacer que los bienes y servicios que esta comercializa muestren ser capaces de cubrir con las exigencias básicas de los consumidores.
Pero, a medida que profundizamos más en todo lo relacionado con los parámetros de calidad de una empresa, más nos vamos dando cuenta que esto solo es una aproximación muy superficial a su verdadera finalidad.
Los estándares de calidad son, en sí, una representación logística de toda la filosofía de la compañía aplicada a cada uno de los aspectos relacionados directamente con su marca y los productos asociados a la misma. Es decir, que en los parámetros de calidad de una empresa incluyen desde la propia concepción del bien o servicio que posteriormente pasará a ser comercializado, hasta el mismo estándar de servicio al cliente.
Es lógico suponer que en una era en donde las herramientas tecnológicas han dotado a las personas de la capacidad de poder expresar su opinión, la propia definición de qué son estándares de calidad en una empresa han adquirido una nueva dimensión. Ya que, los estándares de calidad aplicados sobre los productos y servicios que ofrece la empresa son claves para identificar la imagen que esta proyecta hacia el público.
Principales funciones de los parámetros de calidad
Cuando ya tenemos en claro el significado de estándares de calidad y cómo los mismos pueden influir sobre la opinión de los consumidores. Es posible encontrar algunas características comunes que comparten todos los parámetros de calidad que aplica una empresa, independientemente del sector o departamento.
Algo que siempre tenemos que tener presentes con respecto a los estándares de una empresa, es que los mismos están conectados con los objetivos que conforman la filosofía corporativa.
Cosas como los principios laborales o la calidad del ambiente de trabajo dentro de la institución son dos aspectos corporativos que pueden ser estudiados con mayor detenimiento, observando la aplicación de estándares de calidad de la empresa. Este tipo de principios, nos permiten tener una visión mucho más completa de qué son realmente los parámetros de calidad y su relevancia dentro de la cultura corporativa actual.
Tomando como referencia la propia definición de estándar de calidad que se maneja actualmente, podemos encontrar:
Garantizar la satisfacción del público
Esta es probablemente una de las características que mejor describe para qué sirven los estándares de calidad. Nunca debemos olvidar que la prioridad de los productos que elabora una empresa es la de satisfacer las necesidades de sus usuarios, por lo tanto, los parámetros de seguridad son herramientas establecidas por la junta directiva de la propia institución para cerciorarse de que esto sea así.
Estandarizar procedimientos
Los estándares de calidad de una empresa no cumplen la función de asegurar la buena calidad de los productos ofrecidos. Ellos también son de gran ayuda para definir con precisión cada uno de los protocolos y procedimientos requeridos para que el producto adquiera las propiedades por las cuales se le identifican de la competencia.
Mejorar la producción
Para muchos expertos en desarrollo industrial, una empresa productiva es sinónimo de una institución con estándares de calidad bien estructurados y que están en sincronía con los objetivos administrativos y operacionales de la compañía.
Dar una imagen positiva
No hace falta ser un experto en control de calidad, para entender que la mejor tarjeta de presentación que tiene una empresa es el producto y la reacción de sus consumidores ante el mismo. Y es en este punto, en donde los estándares de calidad empiezan a aparecer como parte del plan comunicacional de la empresa para brindar una imagen positiva de ella misma ante la opinión pública.
Resulta bastante común que en muchos de los ejemplos de estándares de calidad, se haga mucho hincapié en el poder que tiene estos para estimular positivamente a los consumidores, hasta el punto de poder fidelizarlos con la marca. Esto nos brinda la oportunidad de analizar con mayor detenimiento cuál es el peso que tienen los parámetros de calidad dentro de la filosofía institucional de una empresa y cómo este puede contribuir positivamente al desarrollo de la marca dentro del mercado.
Diferenciar a la marca de la competencia
Cada empresa tiene una forma particular de abordar las necesidades de sus clientes a través de los productos que fabrica. Y una de las maneras más fáciles de identificar esto, es estudiando con detenimiento los patrones de calidad de la empresa y cómo los mismos se materializan a través de los bienes y servicios que la misma ofrece.
Cumplir con las normas de seguridad
Desde el primer momento en que una empresa introduce un producto dentro del mercado competitivo, esta asume una serie de responsabilidades tanto con las instituciones que regulan la actividad comercial como con sus propios clientes. Los estándares de calidad y seguridad a las cuales la empresa somete cada uno de los artículos que comercializa son la mejor prueba de ello.
Tipos de estándares de calidad
Aunque evidentemente mucho de la teoría sobre los patrones de calidad se centra principalmente en las actividades del sector industrial y empresarial; existen muchas otras especialidades y campos de aplicación de estándares de calidad.
Jamás hay que perder de vista que la principal función de los patrones de calidad es la de establecer pasos y procedimientos adecuados para la obtención de resultados. Con esto en mente, es posible tener una idea bastante cercana de aquellos tipos de estándar de calidad que se pueden establecer.
Cualquier actividad que involucre diversos procedimientos específicos y en donde parte de la eficiencia en la ejecución de las labores requiere de una repetición sistemática de un mismo resultado, se le pueden integrar estándares de calidad.
Una vez se tiene esto en cuenta, rápidamente empiezan a aparecer áreas y especialidades en donde el establecimiento de estándares de calidad resulta una práctica crucial. Ya que con este tipo prácticas, son vitales para conservar todos aquellos protocolos y prácticas que convierten a cada producto elaborado por la institución; en un artículo único dentro del mercado competitivo.
Empresarial
Cuando se estudia con detenimiento la cultura organizacional y los parámetros de calidad, es fácil entender el motivo por el que muchos expertos los perciben como dos elementos que se complementan. Todo empieza a cobrar sentido a medida que nos familiarizamos más con qué es un estándar en administración y de qué forma el mismo influye sobre cada uno de los departamentos que forman parte de la institución.
Comercial
La actividad comercial es otra especialidad en donde los parámetros de calidad son definitorios para garantizar el buen desarrollo de cada una de las actividades relacionadas con ella. Pues cuando hablamos del comercio, la confianza e interés que despierte el producto es un elemento que terminará por definir la actitud de la opinión pública con respecto a la empresa que lo fabrica.
Educativo
El propio ambiente que existe alrededor de la educación, ya hace que los estándares de calidad formen parte de su naturaleza como instituciones encargadas de la formación de futuros profesionales productivos. De hecho, ya el propio estado se encarga de promover y estandarizar normas de calidad en la educación a través de sus instituciones; de esta forma, el mismo se asegura que los centros de formación estén capacitando a individuos preparados para las exigencias y realidades que existen dentro del mercado laboral.
De rendimiento
Cuando se trata de productividad y funcionalidad de las instituciones, no existe mejor herramienta para promoverlas dentro de cada uno de los departamentos de la misma que mediante los parámetros de calidad.
De producción
Una empresa con estándares de calidad bien estructurados no es solo una institución que cuenta con los recursos necesarios para garantizar el buen funcionamiento de cada uno de los productos que elabora. También, es una compañía con la capacidad de producir la cantidad suficiente de los mismos para cubrir con la demanda del mercado; conservando cada una de las cualidades y particularidades por los que el producto es reconocido dentro del mercado.
Operativo
Aunque la mayor parte de la teoría sobre estándares de calidad se centra principalmente en el potencial humano, una parte importante de la misma dentro del medioambiente corporativo también se concentra en el funcionamiento y en el estado de las herramientas implementadas para la elaboración de bienes de consumo masivo.
Estilo de vida
Para llevar un estilo de vida saludable, es necesario ser consientes de nuestras elecciones y la manera en que abordamos cada una de nuestras necesidades. Así que, no es extraño que los parámetros de calidad sean tan frecuentemente asociados con el estilo de vida de las personas.
Producto
Cuando escuchan la palabra estándares de calidad, inmediatamente muchas personas tienden a asociarlo directamente con las características y la funcionalidad que aporta el diseño de un producto.
Servicio
La eficiencia del servicio prestado y la manera en que la compañía muestra interés por cada uno de sus clientes; son dos aspectos cruciales para entender toda la dinámica que existe tras los estándares de calidad como parte de los principios institucionales y éticos bajo los que se rige una empresa.
Cuatro empresas que son famosas por sus estándares de calidad
Hoy en día, no resulta extraño el conseguir empresas cuya proyección y reconocimiento general dentro del mercado competitivo, se base principalmente en sus parámetros de calidad y en cómo los mismos se traducen en una cultura corporativa mucho más consciente de las necesidades individuales de cada cliente.
Pero, convertir los estándares de calidad de una marca en su marca distintiva no es un proceso que puede lograrse de la noche a la mañana. Se requieren de años de investigación de mercado y un gran conocimiento de las cualidades reales del producto para hacer que la filosofía de calidad de la empresa logre ajustarse a los requerimientos del mercado.
Una vez se tiene ambos aspectos ya cubiertos, lo siguiente en la lista es empezar a diseñar un plan de acción con el cual se involucren los parámetros de calidad de la empresa no solamente en el área de desarrollo y operaciones, sino también en los departamentos que tienen más contacto con el público externo. Pues como hemos visto a lo largo de este artículo, una buena cultura de estándares de calidad dentro de una empresa se basa es en la correlación entre la filosofía corporativa de la empresa y la forma en que son puestas en prácticas por cada uno de sus representantes.
En lo que respecta a cuáles son los estándares de calidad que hacen que una compañía realmente sea capaz de hacerse notar, encontramos algunos ejemplos bastante buenos dentro del mercado actual. Entre las empresas más conocidas tenemos:
General Motors
Uno de los sectores económicos en donde los estándares de calidad de una empresa son capaces de marcar una diferencia abismal entre un producto y sus competidores es en el mercado de los vehículos a motor. Y cuando se trata de parámetros de calidad y seguridad en vehículos motorizados, ninguna empresa cuenta con protocolos de fabricación y diseño tan estrictos como la norteamericana General Motors.
Coca-Cola Company
Para muchos consumidores, Coca-Cola es sinónimo de qué es un estándar de calidad con reconocimiento internacional. Tal es la confianza que los consumidores le tienen a Coca-Cola Company, que cualquier producto avalado por la marca es considerado por muchos expertos en marketing como una garantía de ventas inmediata.
Apple
La emblemática compañía de Steve Jobs es otro buen ejemplo de cómo los parámetros de calidad de una empresa son capaces de convertir a la opinión pública en su mejor aliado dentro de los mercados internacionales. Al ofertar una línea de productos totalmente libre de la amenaza que representan los virus informáticos, esto ha demostrado ser un argumento más que eficiente para convencer a muchos consumidores de la calidad y eficiencia que poseen los productos de la marca Apple.
General Electric
General Electric es una multinacional cuyos estándares de calidad la han convertido en una referencia dentro del mercado. Pues su filosofía corporativa ha convertido a la marca en una de las pioneras en lo que se refiere a atención posventa y el desarrollo de nuevas tecnologías en pro a mejorar la experiencia general de los clientes con sus productos.
Ciertamente, no existe ningún elemento que hable mejor de una compañía, como son los estándares de calidad y seguridad que la misma aplica sobre cada uno de los bienes y servicios que oferta dentro del mercado. En la actualidad, cada vez más y más empresas están dispuestas a hacer una renovación total de sus filosofías y objetivos dentro del mercado con el fin de hacer que las marcas resulten mucho más accesibles para los clientes, y la forma más eficiente de renovar las políticas internas de una empresa es haciendo una actualización completa de los parámetros de calidad de la misma para que así los productos estén mucho más acordes con los requerimientos y exigencias del público actual.
Una vez surgido el arte realista, impactó dentro de la opinión pública por la producción de obras que, indudablemente, presentaron características que diferían de corrientes antecesoras como el romanticismo y otros estilos donde se manifestaba la exageración de rasgos en las piezas. Fue cuestión de tiempo para que muchos artistas se apegaran al estilo realista y mostraran en sus obras la realidad que apreciaban sin ninguna modificación y, aunque las primeras opiniones referentes a estas creaciones fueron controversiales y de manifiesto de rechazo, posteriormente lograron calar con admiración en la opinión pública. De esto y más trataremos en este artículo, donde detallaremos de forma precisa todos los aspectos de interés relacionados con el realismo en arte y, a manera de ejemplo, mostraremos algunas famosas obras de arte realistas.
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La definición de realismo hace referencia a la contemplación de la realidad tal cual como se presenta ante nuestros ojos, y con esa noción se forjó un movimiento artístico en el siglo XIX, al cual se sumó también una doctrina de realismo en filosofía.
Muchos aspectos interesantes giran en torno al realismo desde su perspectiva general, por lo que su adopción dentro del ámbito artístico tuvo un notorio impacto al cambiar los cánones establecidos en las diferentes disciplinas creativas hacia una mirada más objetiva y fidedigna de la realidad y de la cotidianidad, por lo que el movimiento del realismo también sirvió de medio para manifestar las problemáticas sociales, económicas y políticas que estaban desarrollándose en el siglo XIX, época en la cual hizo su aparición esta corriente.
Antes de ahondar en detalles, es fundamental saber qué es el estilo realista y cuáles son los principios tomados en cuenta por este movimiento con relación a la técnica artística y la estética de sus obras.
¿Qué es el realismo artístico?
El movimiento artístico del realismo consistió en una corriente consolidada a mediados del siglo XIX en Francia, principalmente, con ciertos episodios artísticos predecesores a lo largo de la historia del arte, siendo su principal objetivo el de representar en las obras de arte una realidad objetiva y verosímil, sin intervenciones idealistas y exenta de emociones exageradas, como bien venía desarrollándose en el romanticismo.
Así, el realismo del siglo XIX tuvo cabida en importantes disciplinas como la literatura, escultura y filosofía, pero fue a través de la pintura realista donde se llevó a cabo una importante producción de obras que expresaron el compromiso social que, en ese entonces, los artistas comenzaron a adquirir, coincidiendo con ciertos acontecimientos históricos que detallaremos más adelante.
Principios artísticos y estéticos presentes en el estilo realista
Como un estilo artístico que surgió como oposición a lo que venía expresándose dentro del romanticismo, el arte realista se originó para reivindicar las luchas sociales que venían generándose en la Francia del siglo XIX y que se extendieron por Europa y el mundo. Para ello, tomó como principios la objetividad y la veracidad del entorno en el que el artista se desenvolvía como observador – testigo de diversos hechos que trascendieron en la historia, sobre todo aquellos de carácter político y económico, por lo que también se hizo presente la noción de contemporaneidad en las obras.
Desde el punto de vista estético, el estilo realista busca representar la realidad de forma imitativa o, como en su momento llamaron los antiguos griegos, la mimesis; es decir, se buscó plasmar a través de las obras la cotidianidad tal cual como se presentaba, sin que el artista agregara en ellas elementos que manifestaran intervenciones sobrenaturales o divinas.
Recorrido histórico del arte realista
Como se describió anteriormente, el contexto histórico del realismo como movimiento artístico inicio a mediados del siglo XIX en una Francia convulsionada por los hechos políticos causados desde los tiempos de la proclamación de la República hasta la aparición de la Comuna de París, por lo que esta corriente creativa tomó como temas las ideas políticas y los diversos movimientos sociales que emergieron en esa época.
Sin embargo, muchas referencias antiguas antecedieron lo que se denominó tiempo después realismo artístico, como describiremos a continuación.
Antecedentes del realismo histórico
Desde el arte desarrollado durante la época prehistórica, se pueden observar distintas manifestaciones que hoy en día demuestran cómo el hombre primitivo buscó representar la realidad tal y como la observaba, jugando también con las dimensiones de los recintos y espacios donde se generaron las primeras obras pictóricas para así agregar más realismo a las piezas. Otra muestra se puede ver en los hallazgos escultóricos descubiertos en los territorios donde se desarrolló la escuela franco – cantábrica, los cuales presentan características que las hacen diferenciarse de figuras halladas en otros lugares, marcadas principalmente por la exageración de rasgos.
Ya dentro de la Antigüedad, los griegos tomaron la mimesis para copiar todo lo que la naturaleza les mostraba, ya que, según ellos, ahí residía la belleza y la perfección estética. Durante la época medieval, a pesar de la evidente idealización religiosa, se buscó representar a los íconos, santos y otras figuras de manera más humana y realista.
No fue sino hasta la llegada del renacimiento italiano y flamenco que, siguiendo los preceptos del antropocentrismo, los artistas representaron magníficamente diversas figuras y escenas con un aspecto verosímil y humano, algo que pudo mantenerse en tiempos del arte barroco y del rococó. La llegada del neoclasicismo significó el encasillamiento del realismo bajo los patrones académicos, al mismo tiempo que proyectaba en las obras el aspecto idealista que cobraría fuerza con la llegada del romanticismo.
Desarrollo del estilo realista
Los recientes desengaños vividos por las consecuencias de los acontecimientos de 1848 en Francia, motivó a que los artistas comenzaran a reflejar en sus obras las luchas sociales que se venían generando desde ese entonces, cobrando aún más fuerza con los sectores menos privilegiados comenzaron a padecer con la aparición de las innovaciones tecnológicas que dieron paso a la segunda Revolución Industrial. Por tanto, el estilo realista se apegó a expresar la veracidad vista en la labor de obreros, campesinos y otros miembros de las clases bajas, siendo así una vitrina para denunciar las problemáticas sociales que se presentaban en esa época.
Entre los ejemplos de realismo artístico se encuentra el realismo pictórico que, por medio de las obras de artistas de la talla de Gustave Courbet, Honore Daumier y Jean-François Mollet (y muchos otros), se proyectaba al mundo lo que acontecía en la cotidianidad. Por otro lado, vale la pena profundizar sobre qué es el realismo filosófico, concretamente, la doctrina positivista que planteó Auguste Comte precisamente en el mismo contexto en el que se desarrollaba el arte realista.
En resumidas cuentas, el positivismo es una teoría que plantea la limitación del conocimiento mediante la interpretación de hechos demostrados de forma empírica, o lo que es lo mismo, hallazgos reales que se puedan verificar o percibir.
El realismo en vanguardia artística
Ante la aparición de las diversas vanguardias artísticas que ocuparon el ámbito creativo de la edad contemporánea, varias corrientes buscaron retomar los preceptos del arte realista y llevarlos a dicho contexto histórico; entre ellas se encuentran el realismosocialista, promovido por soviéticos y comunistas para seguir directrices partidistas más que de mostrar un sentido crítico del acontecer social y político, el neorrealismo italiano, que pretendía mostrar la realidad posguerra a través del cine, y el realismo mágico, un corriente artística y literaria que incorpora elementos fantásticos e irreales como algo que se desarrolla en la cotidianidad.
Principales características del realismo en el arte
A continuación, describiremos algunos de los aspectos que caracterizan al realismo dentro del género pictórico, escultórico y literario, al ser éstos los que más impacto generaron cuando se originó este estilo artístico.
Algunas características del realismo en pintura
Entre las particularidades que se presentan dentro de la pintura realista se encuentran:
El reflejo de la realidad histórica, alejándose de la temática religiosa, mitológica, alegórica y sobrenatural que se mostraba en las obras artísticas antecesoras al estilo realista.
El realismo pictórico manifiesta la verdad sobre la belleza, por lo que en muchos casos se representa lo repulsivo y lo feo que el artista observa en el entorno.
Para alejarse de la idealización, la pintura realista es fiel a los detalles, dando así un carácter objetivo y veraz a las obras de arte.
Como expresión de denuncia social, el estilo realista aborda temáticas las consecuencias de la Revolución Industrial que hacen mella en los menos favorecidos, representando así el trabajo abrumador, las carencias de los más pobres, la inserción al trabajo de mujeres y niños, la fatiga de los obreros y campesinos, entre otros asuntos relacionados con las problemáticas de las clases bajas.
El artista basa su obra en la contemporaneidad, por lo que se pierde así la evocación del pasado.
En el caso de los paisajes de estilo realista, los artistas se basan en el naturalismo para mostrar el ambiente y el entorno natural tal como es, sin caer en exageraciones propias del romanticismo.
La objetividad y precisión de los detalles mostrados en la pintura realista, fueron principios que sirvieron de precedente para el auge de la fotografía como medio para la captura de imágenes reales.
Aspectos de la escultura realista
En el caso de la escultura, el realismo aborda también la aproximación de la realidad y lo natural lo más ajustado posible, aunque, contradictoriamente, las obras de este estilo son producidas en su gran mayoría bajo los planteamientos del academicismo derivado de la corriente neoclásica, por lo que los escultores no contaban con la libertad creativa que, por ejemplo, venía presentando la pintura realista, sometiéndose así a los encargos que recibían, principalmente, de figuras consolidadas dentro de la burguesía, siendo estos actores los que propiciaron la mejora en el campo de la fundición y obtención de materias primas necesarias para el esculpido.
Las características del realismo literario
Como otra ventana artística que rompió con el romanticismo, la literatura del siglo XIX también comenzó a apegarse a los principios realistas, por lo que tuvo ciertos rasgos, entre ellos:
La observación y posterior descripción a través de una narrativa fiel a la realidad.
Las publicaciones del estilo realista sirvieron como medio para denunciar y criticar las carencias, problemáticas y necesidades sociales.
Si bien aborda principalmente la temática social, el escritor también fija su atención en otros hechos que ha observado, como aquellos relacionados con el heroísmo y los acontecidos en la vida cotidiana. Todo ello bajo una reproducción exacta de lo observado por el autor.
Se opone rotundamente a la narrativa fantástica, sobrenatural, mágica y/o divina.
Las publicaciones se pueden leer de forma precisa, cuentan con un aspecto elaborado y sobrio.
En este contexto histórico, el género literario por excelencia es la novela, mostrando así acciones reales desarrolladas en lugares específicos, expresando a su vez los sentimientos y emociones más íntimas de los personajes de la obra.
Algunas reconocidas obras de arte del realismo
Desarrollada de manera precisa la interesante información referente al estilo realista, es momento de mostrar ejemplos de obras de arte tanto de la pintura como de la escultura producidos dentro del arte del realismo.
Pintura
Al ser el medio artístico que más influyó y generó controversia en el desarrollo del estilo realista, la pintura generó numerosas obras de arte que reflejaban la realidad social y la vida cotidiana que se desenvolvía en la segunda mitad del siglo XIX. Entre las obras más reconocidas de ese contexto están:
Las espigadoras, Jean-François Millet
Datada en 1857, esta pintura tiene como tema principal la exaltación de la sociedad campesina del siglo XIX. Si bien la obra no fue bien recibida al momento de su exposición en el Salón de París, con el tiempo se convirtió en símbolo artístico del patriotismo francés.
(Musée d’Orsay, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Bonjour, Monsieur Courbet, Gustave Courbet
Llamado también El encuentro, es un cuadro realizado por Courbet en 1854, donde se retrata a sí mismo durante un viaje rumbo a Montpellier, donde se encuentra a su mecenas Alfred Buyas, su sirviente y su perro.
(Fabre museum, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
La lavandera, Honoré Daumier
Realizada por el artista francés en 1863, representa a una mujer lavandera que, acompañada de su pequeño hijo, lleva una carga de ropa en la mano, en un cuadro que busca reivindicar el rol femenino como madre y trabajadora.
(Musée d’Orsay, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Joven campesina con tres niños en la ventana, Ferdinand Georg Waldmüller
La difusión del estilo realista traspasó las fronteras francesas para establecerse en toda Europa. Waldmüller fue uno de los máximos exponentes de la pintura realista austríaca, como bien puede verse en este hermoso cuadro de 1840, que retrata a una mujer con sus tres vástagos.
(Neue Pinakothek, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Escultura
Otro de los géneros donde el arte realista estuvo presente fue el escultórico, desarrollado en su mayoría para complacer los gustos de los personajes más influyentes de la vida política y económica de la época, más que de reflejar las problemáticas sociales de ese entonces. Entre sus obras más importantes destacan:
La máscara del hombre de la nariz rota, Auguste Rodin
Fue una de las obras escultóricas que consagraron a Rodin dentro del realismo escultórico. Fue elaborada entre 1863 y 1864 para representar la vida acumulada en el rostro de un anciano, lleno de arrugas y la nariz rota, en un intento por oponerse al academicismo que buscaba la perfección en las obras.
(Museo Soumaya at Plaza Carso, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
La danza, Jean-Baptiste Carpeaux
Creada entre 1865 y 1869c como decoración del nuevo edificio de la Ópera de París bajo encargo del arquitecto Charles Garnier. La obra no fue bien recibida por el público por considerarla obscena y demasiado realista, llegando incluso a decidirse la sustitución de la escultura, medida que fue negada por Carpeaux.
(Shawn Lipowski, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
El pudelador, Constantin Meunier
El artista belga se interesó en el estilo realista luego de ver de cerca las obras desarrolladas por los pintores y escultores franceses. En su obra escultórica reflejó la labor de los trabajadores de la minería de su país, como en el caso de esta pieza de bronce, elaborada en 1885.
(M Leuven, Public Domain, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Víctima del trabajo, Vincenzo Vela
Esta escultura del artista suizo fue hecha entre 1882 y 1883 como tributo a los trabajadores que fallecieron cuando se llevaba a cabo la construcción del túnel ferroviario de San Gotardo, enalteciendo así la labor de los obreros de ese ámbito.
(Paebi, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Conociendo a profundidad todos los detalles relacionados al arte realista, se puede decir que fue una de las primeras manifestaciones en las que el arte se alejó de lo estético para reflejar la realidad social vivida a partir de la segunda mitad del siglo XIX, iniciando en Francia y extendiéndose hacia otros países de Europa y el mundo, simultáneo a los diferentes acontecimientos históricos generados en esa época. Así, la pintura, escultura y literatura de estilo realista se orientaban a las obras objetivas y verídicas, y a partir de allí, el arte tomaría una visión crítica que cambió trascendentalmente los planteamientos y mensajes artísticos de las siguientes corrientes creativas.
Los valores ambientales o valores ecológicos no tienen una definición específica, solo conceptos que se relacionan con el área de la naturaleza. Siendo así, ¿qué son los valores ambientales? Entre los diferentes significados que se le da, es el proceso de enseñar valores que creen conciencia sobre la protección del medio ambiente. De esta forma, el objetivo de los valores ambientales es que aporten herramientas que se enfoquen en cómo obtener nuevas formas de aprender a detectar los actores sociales, en donde la acción cale adecuadamente en la conciencia de las personas y logre abarcar más allá de su cotidianidad
Contaminación lumínica: Definición, causas, soluciones e imágenes sobre la contaminación de la luz
Este valor, que está entre los primeros de la lista de valores naturales, consiste en que los seres humanos estén conscientes de lo que consumen y de las necesidades reales que tienen. Es un valor que se puede aplicar con la reutilización y reducción de actividades no indispensables.
Cerrar la llave del agua, apagar las luces, reducir el uso de plástico, usar bolsas de tela para las compras, separar la basura, entre otros, son pequeños gestos que hacen la diferencia.
El respeto ambiental es otro de los valores ecológicos indispensable para la humanidad, sin él sería difícil vivir. Así como es importante que exista respeto entre los individuos, también debe fomentarse el respeto hacia todas las formas de vida que existe en el planeta y a su entorno natural. Los seres humanos deben pensar que su hogar es el planeta y cuando no se cuida se deteriora y sin los recursos que ofrece la vida no sería posible.
Entre los ejemplos de valores ambientales como el respeto, es necesario respetar las reservas de agua, porque sin el vital líquido sería difícil sostener la vida en la tierra.
Solidaridad
Con este valor se busca proteger los recursos naturales sin importar el hemisferio donde estén, esto haciendo referencia a que el lado sur del planeta es explotado para poder abastecer el norte y, eso crea grandes desigualdades.
Otro de los objetivos es poder conservar los recursos para las siguientes generaciones, en la actualidad existe una campaña que se conoce con el lema “No ha planeta B”, haciendo alusión a la explotación que tienen las grandes empresas sobre el mundo y los recursos naturales, lo que a largo plazo afectaría a la extinción de la especie humana.
Una de las formas de ser solidario con la tierra es crear huertos ecológicos, repartir los productos que se generen en él y ser más consciente de los recursos que se utilizan y en qué medida, considerándose como otros ejemplos de ética ambiental.
Co-responsabilidad
Es la forma que tiene el individuo de asumir su responsabilidad, tanto individual, como colectivamente, sobre la destrucción que generan en el medio ambiente. Los cambios inician en cada persona y son las pequeñas acciones las que harán la diferencia.
Entre las diferentes formas que existen sobre cómo ser corresponsable con el planeta, están los movimientos contra el cambio climático, pertenecer a un grupo de voluntariados que busque proteger la vida en la tierra, la naturaleza y todo lo que vive en ella.
Empatía
En este caso, es uno de los valores del medio ambiente que hace sentirse identificado con el entorno, entender que todo lo que afecte al planeta, perjudica directamente la vida del ser humano. Salvar el planeta, es salvar la vida de las personas y todas las futuras generaciones.
Para ser empático con el medio ambiente, lo mejor es andar en bicicleta, usar el transporte público y ser parte de todas las actividades que ayuden a mejorar la calidad del aire que se respira, así como la conservación de la naturaleza.
Significa que se debe actuar en relación con las ideas que se expresen. Es decir que, si se piensa en conservar la naturaleza, se debe actuar de tal forma. Porque de nada sirve decirlo si no se están ejecutando acciones que contribuyan a ello.
Por ejemplo, una persona que esté comprometida con preservar y recuperar el medio ambiente, podría dar talleres de educación ambiental para que la comunidad siga creciendo.
Otras de las clasificaciones que se consideran como valores ambientales y que aplican como valores ecológicos para niños son:
Amor ambiental
Está entre los valores medioambientales, porque es un sentimiento de afecto hacia el legado que la tierra nos ofrece. Es la necesidad de proteger, valorar y conservar el lugar donde se habita, a través del respeto, armonía y consideración hacia la naturaleza. Amar el medio ambiente es también cuidar de cada ser humano.
Conciencia ambiental
La conciencia ambiental, siendo otro de los valores naturales, es la capacidad que tienen las personas de reconocer las acciones que ejecutan y cómo afectan a su entorno. Así logran identificar el impacto de las mismas sobre el medio ambiente y pueden ver lo positivo y negativo que tienen todos los actos sobre el planeta tierra.
Para que se logre una buena conciencia ambiental se debe educar en valores ecológicos para cuidar el medio ambiente a las nuevas generaciones. Sin una buena educación ecológica, no existirá conciencia.
La conservación ambiental, es otro valores y actitudes hacia el medio ambiente y está muy ligada a los valores y ética ambiental porque no es más que poder mantener en el tiempo un planeta tierra saludable, próspero y habitable. Si este valor se fomenta adecuadamente, las futuras generaciones tendrán un mundo mejor, con un aire limpio y zonas verdes que puedan disfrutar sin tanto ajetreo industrial.
Convivencia ambiental
Consiste en vivir en armonía con las personas que nos rodean y la naturaleza. Además, es otro de los valores para evitar la contaminación par que se genere una buena relación entre la naturaleza y el hombre y de esta forma permitirá que exista un equilibrio entre ambos para un mejor desarrollo sustentable y sostenible del medio ambiente.
Sensibilidad ambiental
Es otro de los valores para cuidar el medio ambiente que tiene la capacidad que tienen los seres humanos de sentir compasión y ternura por todo lo que les rodea. Este valor siempre debe estar presente en el corazón de cada individuo para que considera cada área verde del planeta y pueda ser promotor de conciencia ambiental en todos los que le rodean.
Todas las personas deberían tener la capacidad de estar consciente sobre lo que pasa en la tierra y demostrar humildad por la misma, a través de acciones ecológicas.
La preservación y cuidado del ambiente, no solo es responsabilidad del estado o de un grupo en específico, sino también de la sociedad y todos los habitantes. Conocer qué valores debe regir nuestra conducta ante el medio ambiente es una forma de garantizar un mundo libre de contaminación.
Es necesario que deje de existir la irresponsabilidad y la insensibilidad, porque el futuro de la vida está en manos de la humanidad. Es momento de que los individuos estén conscientes de los que son valores ambientales o valores ecológicos y de que son los únicos responsable de construir un futuro distinto, que pueda restablecer los equilibrios ecológicos para que la especie humana y la biodiversidad puedan subsistir para siempre.
Hablar de los elementos de la historieta es conocer qué lleva por dentro. Cada una de las partes de la historieta tiene un nombre característico que ayuda a identificar cómo está compuesta y cuál es su esencia. En esta entrada, hablaremos más a profundidad de sus cualidades y recursos gráficos.
Tipos de cómics: Definición, características, estilos y ejemplos de todos los tipos de historietas que existen
El primer elemento, explica de una manera fácil cómo son las historietas. Las viñetas son conocidas como los recuadros en los que los personajes existentes accionan, pero ¿qué significa esto? Es decir, son los cuadros que reflejan la expresión de cada uno de los miembros de esa historia.
Esa es una explicación rápida y breve de qué es una viñeta en una historieta. De hecho, otro dato curioso o interesante de las viñetas es que son capaces de mostrar el hilo conductual y también los intervalos de tiempo en los que se producen.
De las partes de una historieta, las viñetas están en el primer escalón porque en ellas se encuentran los textos descriptivos de la historieta, además de ser uno de los elementos más visibles.
El término “viñeta” proviene del idioma francés y significa “pequeña vid”. La palabra, según registros, se documentó por primera vez en 1718.
Características de las viñetas
Es momento de hablar de las características de una historieta, en especial de las viñetas.
Textos concisos
La primera cualidad es que dentro de las viñetas el texto es conciso y no extendido. Es una forma de que los lectores puedan terminar la lectura más rápido.
Otra característica importante es que las viñetas no siguen una narrativa lineal, es decir, dependiendo del cómic hay una línea de sucesos y, por suerte, la viñeta se adapta con rapidez.
Creatividad
Por último, es visible que las viñetas son creativas, la forma de presentarse no se limita y depende del contenido de la historia, lo cual le permite a cada lector sentirse cómodo con lo que está leyendo.
Ilustraciones
Continuando con las historietas con sus elementos señalados, en segundo lugar están las ilustraciones. ¿Qué sería un cómic sin los dibujos animados? De hecho, es considerada una de las partes esenciales de las historietas. En primera instancia porque los dibujos transmiten qué está ocurriendo en la historia, más allá de los diálogos.
Antes de continuar, es indispensable destacar que para entender mejor las ilustraciones, es recomendable revisar ejemplos de historietas. Algunas son:
Después de conocer el breve significado de la ilustración, es el turno de hablar de sus características.
Estilos
Al responder, ¿cuáles son los elementos de una historieta? Se ubica la ilustración en el segundo lugar de los elementos, pero eso no quiere decir que están en orden de prioridad, puesto que las ilustraciones o dibujos marcan el principio y el fin de un cómic.
De hecho, los autores emplean diferentes estilos para darle vida a los personajes de la historia.
Diferente concepción
El camino de las ilustraciones no es fácil, siendo de los recursos gráficos de una historieta con mayor relevancia. Sin embargo, no hay un modelo limitativo para dibujar.
Un ejemplo claro son los “mangas”, cómics de origen japonés que lucen, a nivel gráfico, muy diferente a los cómics norteamericanos.
Globos de textos
Continuando con la descripción de qué lleva una historieta, en el tercer lugar nos encontramos con los globos de textos, como su nombre lo indica son esos diálogos que se encuentran dentro de las viñetas y a un lado de los dibujos o ilustraciones.
Su principal propósito es expresar los sentimientos y emociones de los personajes involucrados. Les permite tener una voz.
Características de los globos de textos
Para entender el universo del cómic y dejar de preguntarse cómo es una historieta, es indispensable iniciar con las características de los globos de textos.
Distinciones
En el afán de continuar respondiendo cuáles son los elementos de la historieta, los globos de textos se encargan de diferentes funciones o distinciones. Por ejemplo, hay globos que indican susurros, otros que son de pensamientos y aquellos que expresan palabras.
También son conocidos por bocadillos.
Indicio
Otra cualidad común de los globos de textos y que ayudan a identificarlo es esa capacidad que tienen para indicar quién está expresando cada palabra. Por ejemplo, algunos lo llaman “rabillo”.
Signos propios
Entonces, ¿cuáles son las partes de una historieta? Haremos un recuento rápido: viñetas, ilustraciones y globos de textos, pero es necesario agregar los signos propios.
Significa que son elementos que crea el autor con la finalidad de basarse en un mundo propio, es decir, puede existir un lenguaje único, una forma de comunicarse entre signos que los lectores también puedan comprender.
Una recomendación para comprender la historieta y sus elementos es el cómic del Hombre Araña. No solo tiene signos propios o elementos propios, también guarda secciones de movimiento que son realmente interesantes para los nuevos lectores.
Cinetismo
Explicar el qué es una historieta para niños es relativo a hablar sobre el cinetismo que envuelve las historietas. Es decir, esta parte está relacionada con el movimiento y la diversión del cómic.
¿Cuándo se puede notar el cinetismo? Es básico, cuando una persona está corriendo o hace algún movimiento.
Un ejemplo de historietas cortas para secundaria y que demuestran lo que es el cinetismo es Mafalda, Condorito y Snoopy. Por último, con esto cerramos los elementos de historieta y representaciones dignas de la misma.
Esta entrada se centra en los elementos de la historieta o partes de la historieta, ninguna sobrevive sin la otra y son indispensable para completar un marco narrativo que sea capaz de enganchar a cualquier lector.
Advierten que el barco del Capitán Cook está en riesgo de desaparecer
Un experto británico en invertebrados marinos comedores de madera, aseguró que los restos recientemente identificados del HMS Endeavour están siendo devorados por gusanos de barco. El famoso buque de investigación de la Marina Real Británica llevó al Capitán James Cook en su primer viaje a Australia y Nueva Zelanda de 1768 a 1771.
Reuben Shipway de la Universidad de Plymouth en el Reino Unido, analizó los restos de lo que se cree que es la embarcación y vio que la madera carcomida tomaba un patrón similar a un panal. Los gusanos de barco son moluscos parecidos a gusanos que a veces se denominan “termitas del océano”.
“Significa que uno de los naufragios más importantes de la historia humana está siendo destruido justo debajo de nuestras narices (…) Este es un barco que conecta el Reino Unido con Australia y con Estados Unidos, porque también desempeñó un papel muy importante en la batalla por la independencia de Estados Unidos. Es nuestro patrimonio cultural compartido y está siendo destruido”, advirtió.
El robot Optimus de Tesla será “amigable con los humanos”, según Elon Musk
Elon Musk compartió nuevos detalles sobre el robot humanoide Optimus de Tesla, incluida información sobre el costo y los posibles usos. Recientemente, el magnate dijo que el ejemplar está destinado a usos industriales y domésticos, y se espera que haga su debut el 30 de septiembre.
“Los bots de Tesla están posicionados inicialmente para reemplazar a las personas en tareas repetitivas, aburridas y peligrosas. Pero la visión es que sirvan a millones de hogares, como cocinar, cortar el césped y cuidar a los ancianos”, escribió Musk en un ensayo para China Cyberspace.
Asimismo, explicó que el androide o Tesla Bot, “tiene casi la altura y el peso de un adulto, puede transportar o recoger objetos pesados, caminar rápido con pequeños pasos y la pantalla en su cara es una interfaz interactiva para comunicarse con las personas”.
Un nuevo estudio asegura que probablemente estés tomando mal tus medicinas
Investigadores de la Universidad Johns Hopkins simularon cómo las píldoras y tabletas se disuelven en el estómago humano y se liberan en el intestino superior, y descubrieron que la postura ideal para una absorción más rápida no era sentarse erguido, sino inclinarse hacia la derecha.
Quedaron sorprendidos por el hecho de que la postura tuviera un efecto tan inmenso en la velocidad de disolución de una píldora. En su estudio también identificaron que tomar pastillas mientras se está inclinado o acostado sobre el lado derecho significa que las drogas se pueden deslizar hasta la parte más profunda del estómago y pueden disolverse dos veces más rápido que las pastillas que se toman sentado en posición vertical.
“Para las personas mayores, sedentarias o postradas en cama, si giran hacia la izquierda o hacia la derecha puede tener un gran impacto”, subrayaron.
Comer uvas como snack puede agregar al menos cinco años de esperanza de vida
Una nueva investigación sugiere que comer uvas como snack (refrigerio, merienda, tentempié) podría combatir los efectos de consumir una dieta de comida chatarra, puesto que puede ayudar a eliminar las grasas refinadas y los azúcares de los alimentos procesados.
Comer las uvas condujo a “patrones únicos de expresión genética, reducción del hígado graso y extensión de la vida útil” para los animales que consumían la dieta alta en grasas, indicaron investigadores de la Universidad de Western New England. Asimismo, dijeron que las uvas añaden una “dimensión completamente nueva al viejo dicho ‘eres lo que comes’”.
Los investigadores abordaron el hecho de que muchas personas piensan en tomar suplementos dietéticos que cuentan con una alta actividad antioxidante para agregar más años a su vida, pero subrayaron que “no se puede consumir una cantidad suficiente de un antioxidante para marcar una gran diferencia”, aunque las uvas añadidas a la dieta, generan “una respuesta catalítica que puede marcar una diferencia real”.
Aseguran que ayudar los hijos con la tarea quizás no sea un gran beneficio para ellos
Nuevas investigaciones no encontraron una asociación significativa entre la ayuda de los padres con la tarea y los logros de matemáticas o lectura de un niño, independientemente de la inteligencia de ambos o de los niveles socioeconómicos. Los expertos destacaron que es poco probable que el tiempo que se dedique a trabajar juntos en una tarea tenga un impacto significativo en los resultados académicos de un estudiante.
En esta situación, la actitud correcta podría infectar a los niños con el amor por el aprendizaje, pero demasiada participación puede ser más un obstáculo para los puntajes de las pruebas que una ayuda, dijeron los investigadores, quienes también destacaron que los padres pueden percibir la tarea como “un esfuerzo estresante” y eso puede crear tensión y presión en el hogar.
A veces, si hay poco tiempo, los padres pueden simplemente proporcionar las respuestas a sus hijos y esto hace que estén haciendo la mayor parte del trabajo, en lugar de enseñar a sus hijos a pensar por sí mismos. Los expertos sugieren que los educadores y padres establezcan mejores formas de ayudar a los niños para fomentar su aprendizaje.
La literatura universal, tal y como se conoce en la actualidad, tiene mucho que ver con los grandes autores italianos que se dedicaron al arte de la escritura entre los siglos XIII y XIV, conocida como la “época de oro”. Es en ese momento donde surgen grandes artistas cuyas obras marcaron un antes y un después en el movimiento, como “La Divina Comedia” y “Decamerón”. Así mismo, los grandes poetas del momento llevaron sus versos a lo largo de Europa y el resto del mundo, influenciados por corrientes como el Humanismo, Renacimiento y el Realismo. Son muchos los nombres que pueden destacarse acá, por eso en este artículo se reúnen los 10 escritores italianos actuales y clásicos más populares.
Autores renacentistas: Biografía, temas y obras de los 12 principales autores del Renacimiento literario (poetas, escritores…)
Sin duda la lista de autores italianos famosos está encabezada por Dante Alighieri. Fue un político, poeta y escritor reconocido. Nació en Florencia en 1265, y desde temprana edad fue cautivado por los encantos de la Escuela Siciliana, el latín y la lengua vernácula italiana, así como la política de la época. Su estilo literario se caracterizó por ser poesía épica.
Retrato de Dante Alighieri por Sandro Botticelli. (After Sandro Botticelli, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Tuvo una vida política muy activa, desde su participación en la Batalla de Campaldino en 1289, hasta su exilio en 1302 debido a sus fuertes opiniones sobre estos temas. Los textos históricos lo describen como alguien de temperamento fuerte, rápido y agresivo hablar, y gran intelecto, características que lo acompañaron durante sus años errantes entre diferentes partes de Italia. Es en ese momento cuando comenzó a escribir su obra maestra, que más tarde dispararía su carrera.
Este autor fue conocido como “el poeta supremo” y su obra Divina Comedia se posicionó como uno de los mejores libros italianos. Se trata de una historia que narra el descenso del propio Dante hacia el infierno, pasa por el purgatorio y finalmente llega al cielo.
En medio del relato surgen personajes reconocidos como Virgilio, quien fuera su maestro, y Beatriz, su gran amor de la juventud. Entre las líneas de este gran poema se puede apreciar una fórmula distintiva de Dante Alighieri: la terza rima, o tercetos. Se trata de poemas en rima formados a partir de estrofas de tres versos. Además, el autor fue reconocido por combinar dialectos italianos como el toscano y el florentino originario, para enriquecer el vocabulario de sus trabajos.
Marcó un hito en la historia de la literatura de Italia, ya que cambió el enfoque religioso que reinaba sobre el pensamiento y las manifestaciones artísticas, poniendo sobre la mesa temas humanos y existencialistas.
Fue un referente en la poesía medieval, con su colección “La vita nuova” en 1293 y más tarde “Convivio”, en 1304. Pero sin duda su aporte más relevante fue la “Divina Comedia”, que escribió entre 1304 y 1319. Y no solo por la temática de la obra, sino también por la maravillosa arquitectura poética simétrica implementada. Su obra maestra se divide en tres partes, cada una con 33 cantos, todos con versos endecasílabos que siguen un perfecto patrón de ABA, BCB, CDC, y así sucesivamente.
Dante Alighieri murió en Rávena el 14 de septiembre de 1321, a los 56 años. Se cree que enfermó de Malaria y falleció luego de una misión diplomática. Nunca volvió a visitar su natal Florencia.
Ludovico Ariosto
Este poeta italiano nació en Reggio Emilia el 8 de septiembre de 1474. Un buen representante del género de poesía épica, pero también por la sátira y la dramaturgia.
Lodovico Ariosto por Michele Bisi (Michele Bisi, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Formó parte de la aristocracia italiana y estudió en la Universidad de Ferrara. Desde joven perteneció a la corte de la casa de Este, mecenas renacentistas que brindaron apoyo al artista hasta 1517.
Se considera uno de los poetas épicos más famosos de Italia. Destacó en su época y que además escribió otras obras como Arquilla, Nigromante y La alcahueta. Su estilo era estético y sutil, con alusiones al amor y a la naturaleza, pero también llegó a escribir historias tristes y desesperanzadoras. Su gran obra maestra fue el poema “Orlando furioso”, una continuación de “Orlando enamorado” escrito por Matteo Boiardo. Está compuesta de 46 cantos formados por octavas, con muchísima lírica, sentido del humor refinado y excelentes descripciones narrativas.
Ariosto falleció el 6 de julio de 1533 en Ferrara.
Francesco Petrarca, otro de los grandes escritores italianos, nació el 20 de julio de 1304 en Arezzo. Este es uno de los autores importantes que además aportó en la creación nuevas corrientes de pensamiento. Petrarca es reconocido por ser el primer autor literario que se interesó en expresar directamente el pensamiento humanista, muy propio del Renacimiento. Sus obras se centran en la existencia del ser humano. Se le considera el padre del humanismo.
Retrato de Francesco Petrarca. (National Trust, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Sus primeros años transcurrieron entre Italia y Francia, a donde se mudó con sus padres a los 8 años de edad. En 1330 decidió iniciar la carrera eclesiástica, pronunciando los votos menores. Luego dedicó algunos años a viajar y a redescrubrir la antigüedad clásica, junto a Giovanni Bocaccio. Tuvo mucho reconocimiento en la época renacentista, escribió canciones y poemas centrados en la existencia del ser humano, dejando atrás el foco religioso que se había impuesto en las expresiones artísticas. Fue nombrado “poeta laureado” en 1341. Es la mente detrás de poemas italianos famosos.
Muchas obras famosas de Italia llevan su firma. Es el autor de África (1342), De viris illustribus (1338), Diálogo Secretum (1943) y De vita solitaria (1956). Sin embargo, se considera que su colección de poemas “Cancionero: Rime in vita e morta di Madonna Laura” es el más famoso de sus aportes.
Los poemas de este filósofo y humanista influyeron notoriamente en otros autores posteriores como William Shakespeare y Garcilaso de la Vega. A esta nueva corriente se le denominó “Petrarquismo”.
Murió a los 69 años, en Arquá, el 19 de julio de 1374. Los historiadores aseguran que fue encontrado muerto sobre un libro que estaba estudiando.
Nicolás Maquiavelo
Dentro de los famosos italianos que revolucionaron las corrientes de pensamiento, está Niccolo del Machiavelli (o Nicolás Maquiavelo). Se le atribuye el surgimiento de la ciencia política moderna. Nació el 3 de mayo de 1469 en Florencia, y fue un político, filósofo, diplomático y reconocido escritor del Renacimiento.
Retrato de Nicolás Maquiavelo. (Santi di Tito, Public domain, via Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Escribió muchos temas, como discursos, tratados, ensayos, novelas y comedias. Por ejemplo “Andria”, “La mandrágora” y “Asino d’oro”. La obra más importante de Maquiavelo fue “El príncipe”, un tratado de doctrina política escrita en 1513. Se trata de un texto escrito en italiano vernáculo (y no en latín, como se acostumbraba) que fue considerado por muchos como controversial, y no fue publicada sino hasta la muerte del autor. El tema central es la verdad efectiva por sobre los ideales, y considerando el fin como justificante de cualquier medio. Murió en 1527 a causa de una peritonitis, en Florencia.
Giovanni Boccaccio
Giovanni Boccaccio fue un erudito nacido en Florencia en 1313. Escribió muchas obras en latín, y es considerado el precursor de la novela corta (o relato) en Europa.
Retrato de Giovanni Boccaccio. (Giovanni Boccaccio, Public domain, via Wikimedia Commons/ Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Boccaccio es el autor de “Decamerón”. Un libro de narración enmarcada, de diez personajes y cien cuentos, que fue publicado en 1353. Esta es la obra más famosa del escritor, y que puede figurar dentro de las clásicas novelas románticas italianas. Combina la historia después de la peste bubónica y sus efectos, la aristocracia y la fortuna, la inteligencia la religión, el amor joven y la vida cotidiana en Florencia.
Murió a los 62 años en Certaldo, el 21 de diciembre de 1375, a causa de un edema.
Alessandro Manzoni
En la literatura italiana contemporánea se pueden encontrar influencias del autor Alessandro Manzoni. Un narrador, político, poeta y representante del romanticismo italiano. Es el escritor italiano responsable de la novela histórica “Los novios”, publicada en 1827. Es una de las obras más estudiadas de las escuelas europeas de literatura. Murió en Milán en 1873, a causa de una meningitis, a los 88 años.
Retrato de Alessandro Manzoni. (Francesco Hayez, Public domain, via Wikimedia Commons/Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Italo Calvino
Este es uno de los escritores italianos contemporáneos con mayor popularidad. Hijo de padres italianos, nació en Cuba y vivió allí su primera infancia hasta volver a Europa. Fue un escritor y periodista, que se inspiró en el neorrealismo y el postmodernismo para crear sus primeras obras.
Fue reconocido por simplificar las formas narrativas, llevando la literatura a todo tipo de lector. Se apasionó por las fábulas y los relatos fantásticos. Escribió “El barón rampante” en 1957, “Nuestros antepasados” en 1959, la colección de cuentos “Cosmicómicas” en 1965 y “Ciudades invisibles” en 1972.
Recibió la distinción de “Comendador de la Legión de Honor” y el Premio Austriaco De Literatura Europea, en 1976. Murió de una hemorragia traumática a los 61 años, el 19 de septiembre de 1985, en Siena.
Umberto Eco
Umberto Eco es el escritor detrás de algunas de las mejores novelas actuales, como “El nombre de la Rosa”. Esta fue la obra que consagró su carrera y lo convirtió en uno de los más reconocidos escritores italianos del siglo 20.
Fotografía de Umberto Eco. (Rob Bogaerts / Anefo, CC0, via Wikimedia Commons /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Nació el 5 de enero de 1932 en Milán, y fue un semiólogo, escritor, filósofo y profesor universitario. Es uno de los escritores italianos modernos más reconocidos, gracias a sus aportes a la educación, la semiótica y el pensamiento crítico. Es el responsable de novelas y ensayos populares como “El péndulo de Foucalt”, “El cementerio de Praga” y “Numero cero”.
Falleció a los 84 años, en 2016, a causa del cáncer, luego de una larga y exitosa carrera fomentando la literatura y la transformación del lector. Su última obra fue “De la estupidez a la locura”, una selección de sus artículos de prensa, publicado después de su muerte.
Elsa Morante
Las mujeres que encabezan la lista de escritoras italianas actuales tienen mucha influencia de Elsa Morante. Una de las exponentes más importantes del siglo XX.
Fotografía de Morante y sus gatos. (Unknown photographer, Public domain, via Wikimedia Commons /Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
Nació en Roma el 18 de agosto de 1912, con una infancia complicada que acabaría inspirándola a escribir fábulas y cuentos para niños. Se enamoró de la escritura, y escribió su primera novela en 1948 llamada “Mentira y sortilegio” (House of Liars, en Estados Unidos, con la que ganó el premio Viareggio.
Se dedicó a la literatura a tiempo completo y fue galardonada en múltiples ocasiones, llegando incluso a adaptar sus historias para el cine. Sus años finales fueron trágicos después de un divorcio, un intento de suicidio y una fractura de fémur. Murió a causa de un infarto en 1985. Uno de los premios literarios más reconocidos en Europa, lleva su nombre.
Natalia Ginzburg
Nacida como Natalia Levi, el 14 de julio de 1916, fue una escritora y política reconocida por sus novelas, relatos, memorias y ensayos. Su primera publicación fue un cuento titulado “Los niños”, y se dedicó al gremio mientras sobrellevaba las presiones políticas a las que estaba sometida.
Fotografía de Natalia Ginzburg. (dati.camera.it, CC BY 4.0, via Wikimedia Commons/Recorte, mejora de tono y resolución de la original).
La literatura italiana va mucho más allá de solo estos diez nombres de escritores famosos. Esta manifestación artística – y los aportes de grandes autores italianos – fue de gran importancia para el establecimiento de la lengua oficial de Italia, con el surgimiento de la Escuela Poética Siciliana que fue reemplazando el uso del latín por el italiano. Las obras de aquellos escritores italianos de antaño son fundamentales para ilustrar la historia, hazañas y estilismo de la región. Es fácil determinar que muchos de los mejores escritores actuales están influenciados por las novelas italianas o algunos poemas cortos en italiano.
Las características del dibujo artístico son su expresión libre y algunos principios que lo asemejan a la pintura, aunque trabaja en base a líneas, sirviendo también de auxiliar a la primera. Presupone trazar una figura en un papel o cualquier otro soporte, la cual puede representar un objeto real o ser de carácter abstracto. Por su parte, el dibujo técnico funciona más bien como apoyo para la arquitectura o el diseño. Son elementos del dibujo técnico los conocimientos de geometría y el manejo de ciertas herramientas, así como la obligación de seguir ciertas normativas. En el presente artículo hablaremos sobre cuáles son los elementos del dibujo artístico en específico y también mencionaremos algunos elementos básicos del dibujo técnico.
Técnicas de dibujo: Cuáles son, métodos e imágenes de las diferentes técnicas para dibujar (sanguina, plumilla, puntillismo…)
Si nos preguntamos cuáles son los elementos básicos del dibujo, la respuesta es que todo tipo de dibujo, tanto técnico como creativo, está basado en la línea, que al mismo tiempo da lugar a la construcción de diversas formas. En el caso del dibujo técnico las líneas son trazadas haciendo uso de escuadras y compás, mientras que en el creativo se crean libremente. Por otro lado, las líneas tienen su lenguaje particular dependiendo de su forma y posición, por lo que son vitales para transmitir las cualidades del dibujo.
Líneas curvas
Las líneas curvas transmiten suavidad, energía, dinamismo y movimiento. Todas las formas de la naturaleza tienden a este tipo de línea. Los apasionados del estudio de las líneas aseguran que son de índole femenina y que los dibujos a base de líneas curvas se observan de forma preponderante en aquellos movimientos artísticos donde han predominado las emociones sobre el raciocinio, como por caso el Barroco. Las líneas curvas crean una gran diversidad de formas básicas para el dibujo, entre ellas los rostros y los paisajes, así como las formas abstractas.
Las líneas rectas comunican fuerza, firmeza y rigidez. Según los expertos son de naturaleza masculina y su mensaje cambia también de acuerdo a la posición. Dicen que cuando están colocadas verticalmente inspiran elevación y espiritualidad, mientras que si se muestran horizontalmente transmiten tranquilidad y estabilidad, así como las inclinadas dan la idea de agresividad y discordia.
Valorización de la línea
La valorización de la línea consiste en engrosarla, quebrarla o segmentarla, lo cual produce efectos especiales en el dibujo. En base a esta propiedad existen cuatro tipos diferentes: las que mantienen un grosor constante; las matizadas que presentan variaciones en sus trazos; la cerrada y continua que puede ocasionar cierta monotonía; y la hecha a base de puntos que otorga dinamismo.
Algunas técnicas de dibujo
Dentro del dibujo creativo existen diferentes posibilidades, que están relacionadas con las diversas técnicas que se emplean. A continuación mencionamos algunos dibujos de características más comunes utilizadas, lo cual permitirá ubicar qué dibujo representa cada una de las técnicas.
Dibujo a mano alzada
Este tipo de dibujo también es propio de los dibujantes técnicos, pero en este caso se refieren a croquis o reproducciones rápidas que luego se perfeccionan con los instrumentos adecuados. En cuanto al dibujo creativo, el realizado a mano alzada es un dibujo artístico básico. Una expresión de esta modalidad son los dibujos con solo una línea que se ubican dentro del arte minimalista. Es un dibujo de líneas fácil de hacer, a través del cual se representan rostros muy esquemáticos, plantas o flores. Las caricaturas son un buen ejemplo de esta clase de dibujo, para lo cual se utiliza un lápiz o un bolígrafo.
El carboncillo es una rama carbonizada que según se use deja trazos más finos o más gruesos. En los comercios que venden implementos de dibujo se consiguen en distintos números que indican su grosor. Es ideal para lograr tonos de negro degradados y a la vez se difumina fácilmente, idealmente con un trapo de gamuza, lo que permite crear un efecto de iluminación. Para cualquier aficionado al dibujo es una técnica fácil de usar y, una vez que elabore un dibujo con carboncillo, seguirá usándolo por los magníficos resultados y aspecto profesional que se alcanzan.
Dibujo con sanguina
La sanguina se puede conseguir en barra o en lápiz, siendo más recomendable la primera opción por ofrecer mayor versatilidad en cuanto al tipo de trazado, más grueso o más fino, dependiendo qué parte de la barra se use. El nombre recuerda a la sangre, ya que la tonalidad es rojiza, con diferentes escalas que van desde el marrón al terracota. En la antigüedad se utilizaba mucho para las pinturas de frescos y Leonardo da Vinci era fan de la sanguina. Si tu inquietud es cómo hacer un dibujo real, es decir que transmita realismo, no te arrepentirás de usar está técnica ya que es una de las características del dibujo que la distingue.
Dibujo con lápices de colores
Los resultados que se pueden lograr con los lápices de colores tradicionales pueden ser sorprendentes y totalmente alejados de los típicos dibujos infantiles. El color es uno de los elementos del dibujo que produce mayor impacto. Es importante el degradando de los tonos, o la aplicación de la técnica del puntillismo que consiste en pintar en base a puntos, alternado los colores cálidos y fríos para causar diversos efectos visuales. También se suelen utilizar los colores de cera o los llamados acuareables con los que se pueden aplicar varias capas. Por otra parte, es importante conocer las emociones que transmite cada color, lo cual ha sido estudiado científicamente.
Perspectiva
La perspectiva implica la representación de los objetos en el espacio, sobre una determinada superficie, de manera que se pueda apreciar su ubicación respecto a la mirada del observador. La perspectiva se fundamenta en dos partes del dibujo que son claves: el relieve y la profundidad. En la historia han existido diferentes maneras de lograr perspectiva, lo cual también ha caracterizado a ciertas culturas o estilos.
Perspectiva escalonada
Las figuras se presentan en planos diferentes y se juega con el tamaño de manera que las que están más lejos se ven más pequeñas. Este tipo de perspectiva se puede observar, por ejemplo, en los dibujos egipcios y en los pintores ingenuos.
La perspectiva a vista de pájaro es propia de las pinturas orientales antiguas, donde las figuras tienden a ser miradas desde arriba y con una visión lejana del observador respecto a lo que está plasmado en el dibujo.
Perspectiva geométrica
La perspectiva geométrica lleva este nombre porque sus distancias están calculadas mediante fórmulas y el trazado de líneas que convergen en un determinado punto del dibujo. Este fue el tipo de perspectiva que se impuso en el Renacimiento.
Perspectiva radial
La perspectiva radial vendría a ser lo opuesto a la geométrica, en el sentido de que existen diversos focos donde se cruzan líneas imaginarias, lo que quiere decir que hay varios centros. Es la clase de perspectiva que mayormente se visualiza en los cuadros hindúes dando la sensación de que existieran muchos dibujos en uno.
Luz y sombra: el claroscuro
El juego de la luz y las sombras son indispensables en un dibujo, ya que logra la ambientación apropiada, según el dramatismo que el creador le quiera dar. En consecuencia, el claroscuro es el arte de lograr la combinación perfecta entre las luces y las sombras. Los surrealistas fueron maestros en este elemento, alcanzando el efecto del soñador. Mediante el claroscuro se ponen de manifiesto tres zonas básicas.
Zona iluminada
Es la que recibe la luz directamente y se observa de manera nítida. En caso de que el dibujo no tenga color es la parte del blanco.
Penumbra
Esta es la zona intermedia entre la iluminada y la oscura. Se logra en base a diferentes tonos de grises aplicados en sitios claves.
La parte oscura de un dibujo es aquella que no recibe ningún tipo de luz y es donde se visualizan los colores de tonos oscuros o el negro.
Proporción
La proporción de dibujo es la relación, en cuanto a sus dimensiones, de todos los elementos que se pueden observar. A veces el dibujante crea proporciones ilógicas de forma deliberada para resaltar un atributo o expresar una idea, por ejemplo que las figuras más importantes tengan un mayor tamaño. También es una característica del dibujo técnico, lo cual se expresa mediante la escala. Existen dos tipos de proporciones consideradas mágicas.
Proporción áurea
Se representa por la letra griega phi, que es diferente de π (pi) y tiene un valor de 1,618034. Esta proporción relaciona las dimensiones de una figura, así como también se usa en arquitectura. Se expresa mediante la denominada espiral de Fibonacci, quien fue su descubridor, aunque sus orígenes se remontan a los pitagóricos. Para hacerlo sencillo quiere decir que, por ejemplo, al aplicar determinada fórmula matemática a la relación entre las medidas del largo y ancho de una plaza, el resultado sea el número áureo.
Proporción pi (π)
El número pi equivale a 3,14159 y proviene de la relación entre la longitud de la circunferencia y su diámetro. Fue descubierto en el antiguo Egipto y se considera un número perfecto al igual que la figura geométrica de donde proviene. Por tal razón, la Gran Pirámide de Keops, que es la de mayor antigüedad entre las siete maravillas del mundo, fue construida en base a esta proporción, al igual que muchas catedrales y basílicas góticas de Europa. El número pi está muy asociado a los masones.
Estos son los elementos del dibujo más básicos, pero existen algunos adicionales tales como la estilización de la figura, la relación entre el espacio y la forma, o el equilibrio visual, entre otros, que ameritan de un aprendizaje más profundo y de forma ideal a ser adquirido mediante el estudio académico de la materia. Mientras tanto, las características del dibujo que se han señalado, por ser las más simples, son fáciles de manejar de forma autodidacta si se tienen algunas habilidades, practicando y observando los trabajos de los dibujantes profesionales.
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