El tándem formado por Steven Spielberg (como director), George Lucas (como productor) y Harrison Ford vuelve a unirse nuevamente para dar inicio a los primeros esbozos de la que será la quinta película del aventurero más taquillero y resistente del panorama cinematográfico.
Detrás de cámara de la filmación de una de las películas de la saga (autor desconocido).
En esta ocasión, el arqueólogo se topará con uno de los grandes misterios de la humanidad: el triángulo de las Bermudas, esa zona enigmática del Océano Atlántico donde se dice que desaparecen un sinnúmero de aviones y barcos desde hace muchos años. Allí se enfrentará, en palabras del propio Ford, “al desafío más grande de su vida, a un desenlace emotivo y apasionante para la saga.”, y lo hará en compañía de su hijo, interpretado una vez más por el joven Shia LaBeauf.
Aunque Indiana Jones no lo tendrá tan fácil en esta nueva aventura. Por delante le espera el reto de, por un lado igualar (o superar) el tremendo boom que experimentó su anterior entrega: Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal, que arrasó en taquilla y recaudó la friolera de 800 millones de dólares (debido principalmente a una campaña de marketing bestial), y por el otro ofrecer un guión más consistente e interesante que el anterior, ya que, pese al éxito de taquilla, la cuarta entrega del hombre del sombrero y el látigo no se libró de salir escaldada ante las numerosas críticas.
No obstante, muy pronto Indy volverá a llenar de emoción nuestras insulsas vidas, y eso siempre es una buena noticia.
El presidente de Ryanair, Michael O’Leary, planteó al Consejo de Dirección de la compañía irlandesa retirar el oxígeno de todos sus aviones. O’Leary argumenta que el oxígeno y sus correspondientes mascarillas son totalmente innecesarios en vuelos cortos.
Ryanair, un negocio en alza
Ryanair, empresa líder en resultados del sector aéreo en Europa, ya ha optado antes por medidas destinadas al ahorro de costes y la maximización de beneficios a toda costa, como el cobro por elegir asiento, el cargo extra a personas con obesidad y el cobro por utilización del cuarto de baño.
O’Leary ha cruzado la línea infinidad de veces, anunciando por ejemplo que la compañía pretendía prescindir de los copilotos en todos sus aviones, argumentando que “son innecesarios en vuelos cortos y que esta medida permitiría ahorrar una fortuna”.
Algunos se preguntan qué será lo próximo. ¿Viajarán de pie los pasajeros, como también ha propuesto O’Leary? ¿Serán los aviones los nuevos buses de línea?
El controvertido magnate irlandés ha sido rotundo ante la polémica suscitada por su última propuesta: “No nos hemos hecho ricos regalando Tang y Gusanitos ni dejando a los gordos ocupar dos espacios por el precio de uno. Quien quiera respirar, que se traiga oxígeno de casa o que lo pague… Esto es un negocio, y quien quiera que le bailen el agua, que se compre un billete de primera clase en una compañía de primera clase”.
La nueva serie derivada de la exitosaBreaking Bad ya tiene 2ª temporada y se emitirá en 2016. Sus creadores, Vince Gilligan y Peter Gould, han firmado con AMC 13 capítulos más de Better call Saul, la historia del peculiar abogado Saul Goodman antes de representar a Walter White.
Un spinoff con el personaje más querido de Breaking Bad
Bob Odenkirk, el actor que da vida a Saul Goodman en la galardonada con el globo de oro a la mejor serie dramática Breaking Bad, confesó en un programa de TV que el abogado de Heisenberg es el personaje más adorado en la serie por ser el único que no es hipócrita, por mostrarse tal como es y por conseguir, de esta manera, ser bueno en su profesión.
Elenco de Breaking Bad recogiendo el EMMY (2013)
Este puede ser uno de los motivos por los que Vince Gilligan, creador de Breaking Bad, y Peter Gould, creador del personaje, decidieron hacer un spinoff con un hilo conductor basado en la vida y milagros del abogado más caradura de la televisión.
1ª temporada de Better call Saul en 2015
La 1ª temporada estará formada por 10 capítulos de 1 hora de duración en la que una línea de tiempo flexible permitirá la aparición de personajes famosos de la serie como Walter White (Bryan Cranston), Jesse Pinkman (Aaron Paul) o Mike Ehrmantraut (Jonathan Banks), el que aparecerá como mano derecha de nuestro protagonista.
Imagen del vídeo promocional de Saul Goodman en la serie (2015)
El lanzamiento de Better call Saul estaba prevista para Noviembre 2014, pero ha sufrido un retraso que hará que sus seguidores no puedan disfrutarla hasta 2015.
AMC, que también tiene puestos sus esfuerzos en The Walking Dead y Talking Dead, se asegurará el éxito de Better call Saul con los mejores guionistas que participaron en Breaking Bad: Thomas Schnauz, Gennifer Hutchison, Bradley Paul y Gordon Smith entre otros.
El tremendo éxito de Breaking Bad creó un fenómeno fan inesperado que pone en los hombros de los creadores una presión extra para conseguir un buen resultado.
Si logran extraer el humor negro del drama como lo hacen en la serie madre, con no cambiar los métodos de rodaje y producción lo tienen todo hecho. Para disfrutar con esta propuesta, hay que esperarla como algo nuevo y no como una continuación de la primera.
Rodaje de la 1ª temporada de Better call Saul (2015)
2ª temporada de Better call Saul en 2016
La 2ª temporada tendrá 13 nuevos capítulos que se estrenarán en 2016. Sus fans esperan poder verla finalmente y no tener que clamar al cielo por una suspensión imprevista. Se cree que los retrasos sufridos hasta ahora en el rodaje son derivados de una producción meticulosa y bien hecha.
Nuevas caras en el set: Patrick Fabian y Rhea Seehorn interpretarán a los abogados Burt y Beth, Michael Mando hará de Eddie el criminal y Michael McKean, que será un picapleitos con una peculiaridad poco común.
Better call Saul, tarjeta de presentación de Saul Goodman
Es altamente recomendable hacer una visita a la web oficial de la serie para ver anuncios de TV y autocandidaturas del personaje, divertidas respuestas a consultas sobre problemas legales, vídeos con falsas experiencias de clientes satisfechos, y un Webisodio hecho a partir de la grabación de una cámara de seguridad en el despacho de Saul. Aquí puedes parte de ese material.
El juego que conmovió a todos los jugones y amantes del universo zombie presenta su esperada segunda entrega con un trailer que pone los dientes largos hasta a los más insensibles. El terrorífico RPG de acción Dead Island 2 estará disponible en la primavera de 2015 para Xbox One, Play Station 4 y Windows.
Cabecera de Dead Island 2 (2011)
Vuelve uno de los videojuegos zombie más vendidos
La primera entrega reunió muchas críticas a favor y muchas en contra, pero todo jugador y fanático zombie con criterio se dejó llevar y disfrutó de un juego abierto en el que puedes realizar las misiones cuando quieras mientras te mueves por todo el escenario a placer.
Imagen promocional de Dead Island, la primera entrega de la saga (2011)
Después de vivir en el cuerpo desorientado del que despierta con una resaca enorme en el Royal Palms Resort de Papúa Nueva Guinea, y tener que adaptarnos a una situación de caos en la que debemos que matar zombies a diestro y siniestro para sobrevivir, en esta nueva aventura nos meteremos en la piel de un grupo de élite residente en Estado Dorado, California, que se movilizan para aniquilar muertos vivientes por las famosas calles de la ciudad, ayudándose de las armas más brutales que jamás se han visto.
Dead Island, muchas expectativas y no tantas satisfacciones
Dead Island nos sedujo con un trailer increíble que hacía pensar en un videojuego hiperrealista en el que costaría diferenciar la realidad de la ficción. La decepción llegó con unos gráficos que nada tenían que ver con la promo, y con una función de autoguardado que hacía muy complicado el juego, pero, finalmente no fue difícil adentrarse en la historia y disfrutar de la catástrofe sangrienta que nos proponían.
Dead Island 2, la redención
Dead Island 2 nos enamora con otro trailer original y bien realizado, presentado en la feria de videojuegos E3 de Los Ángeles, que nos muestra en primera persona como la plaga va tomando la ciudad a través de una cámara de acción con una resolución muy atractiva que nos traslada al escenario de la catástrofe.
Se espera que, con la capacidad de las plataformas para las que será comercializado, los gráficos mejoren y se posible sentirse orgulloso de haberlo comprado. Después del éxito de The Last of us están obligados a hacer las cosas muy bien.
¿Qué habrá de nuevo en la secuela?
El proyecto está siendo desarrollado por Yager Development con el motor Unreal Engine 4 para ofrecer sangrientos combates cuerpo a cuerpo, una plataforma multi-jugador de hasta 8 jugadores simultáneos, novedosos protagonistas con estilos de juego y habilidades diferentes, y armas improvisadas hechas a mano con elementos que se van encontrando a lo largo de la aventura.
Los que realicen un pre-pedido podrán disponer del desbloqueo de un pack de potentes armas de oro.
Dead Island 2, oferta de prelanzamiento (2011).
En relación a las novedades, la distribuidora Deep Silver promociona el título destacando estas características:
California: La conocida ciudad digitalizada para que los jugadores la vivan de cerca mientras intentan sobrevivir al terror.
Personajes: Un equipo de élite de la más variado al servicio del jugador para acabar con la epidemia.
Combate: Combates cuerpo a cuerpo sangrientos y realistas contra humanos y muertos vivientes.
Artesanía: Armas de creación propia con las que dejar claro quien manda (picadoras a motor, machetes eléctricos…).
Cooperación: Hasta 8 jugadores que pueden sumarse y abandonar la aventura cuando quieran.
Tendremos que esperar para poder recorrer los bosques y playas de California matando humanos, zombies y todo lo que se mueva. Consulta la web oficial de Deep Silver para más información sobre esta nueva entrega.
En 2015 se estrena la nueva película de la serie Max Mad de George Miller que hizo famoso a Mel Gibson. Mad Max Fury Road relata la historia del policía Max Rockatansky (Tom Hardy) en un futuro apocalíptico controlado por la comandante Imperator Furiosa (Charlize Theron), en el que ambos luchan por la difícil supervivencia de la casi extinguida raza humana.
Un futuro post apocalíptico cada vez más cerca.
Para los fanáticos de la película de 1979 llega, después de más de 30 años y dirigida por el mismo director, otra de las entregas más esperadas del cine de ficción, Mad Max Fury Road.
Como reflejo de una enorme disconformidad con el trascurso del mundo tal y como lo conocemos, el film nos adentra en mundos post apocalípticosdonde podemos definir nuestras propias reglas y donde la justicia no pasa por los tribunales.
Como esta serie de películas llegó a desatar una oleada de fanatismo considerable y consiguió hacer famoso el término madmaxismo para referirse a un futuro destruido por algún suceso catastrófico generado por el hombre, en tiempos en los que se registra mayor número de obsesivos preparadores que construyen sus propios bunkers y los llenan de miles de euros en latas de conservas y garrafas de agua, es el momento perfecto para producir una nueva entrega.
Las cosas que hicieron de Mad Max una película de culto
La trilogía de los años 80 cuenta con muchos elementos que la hacen una despensa friki repleta de detalles. El plato principal es un atractivo futuro sucio como el que hizo famoso a la mítica Star Wars, creíble por mostrar el paso del tiempo en ciudades, personas y objetos, a diferencia del también destacable y onírico futuro inmaculado de Kubrick.
Logo de la trilogía Mad Max (2012).
Si a esto le sumamos coches y motos tuneadas que parecen salidas de algún cómic, armas y herramientas de carnicero, vestuario neomedieval, persecuciones y escenas de acción en el desierto, una orda de malos depravados fuera de la ley, y un noble Mel Gibson con estrictos valores morales encargado de proteger la autopista y a su familia, se obra el milagro: una película inquietante y adictiva de las que hay que ver cada cierto tiempo, que logra crear un subgénero propio del cine futurista.
Mel Gibson en Mad Max de George Miller (1979).
Para los que no conocen las películas de Mel Gibson, aquí están los trailers oficiales de las 3 primeras entregas.
Mad Max, salvajes de autopista – 1979
Mad Max 2, el guerrero de la carretera – 1981
Mad Max 3, más allá de la cúpula del trueno – 1985
El cineasta australiano George Miller se consagró en el gremio, con solo 34 años, gracias a la primera entrega de Mad Max.
Ha realizado diversos trabajos para la gran pantalla que también alcanzaron el éxito, como la dirección de Las brujas de Eastwick (protagonizada por Jack Nicholson, Cher, Susan Sarandon y Michelle Pfeiffer), de El aceite de la vida (con Nick Nolte y de nuevo Susan Sarandon) o de la película de animación Happy Feet, y la exitosa producción de la taquillera Babe, el cerdito valiente.
Lo que Mad Max Fury Road tiene de nuevo
1. Tom Hardy (conocido en el por interpretar a Bane en El caballero oscuro: la leyenda renace y a Eames en Origen, ambas de Christopher Nolan, a Tommy Riordan en Warrior de Gavin O’Connor o a Handsome Bob en RocknRolla de Guy Ritchie).
2. Charlize Theron (Meredith Vickers en Prometheus, Reina Ravenna en Blancanieves y la leyenda del cazador, narradora en AstroBoy la película, Mary Embrey en Hancock y Æon Flux en la película del mismo nombre inspirada en la serie de dibujos animados de Peter Chung).
Charlize Theron es Imperator Furiosa en Mad Max Fury Road (2015)
3. Muchas escenas de acción meticulosamente hechas por ordenador.
Escena de acción de Mad Max Fury Road (2015)
4. Menos diálogos que sus predecesoras para asegurar un ritmo más intenso.
Imperator Furiosa y sus secuaces (2015).
5. 130 nuevos coches y motos construidos con chatarra, cubiertos de armaduras, arietes y armas inspirados en la primera entrega y creadas con los medios actuales.
Vehículos de Mad Max Fury Road
Gigahorse, el vehículo de Furiosa
Gigahorse, vista frontal
Mad Max Drum Truck
Para ir abriendo boca, recomendamos ver este vídeo en el que aparecen muchos vehículos hechos por frikis de la saga, expuestos en el reciente Wasteland Weekend.
6. Banda sonora de DJ Junkie XL, que contribuyó en la música de Origen, de El caballero oscuro: la leyenda renace y de El hombre de acero. También es el compositor de la banda sonora de El poder del dinero, 300 el origen de un imperio y Divergente.
En Mad Max Fury Road, George Miller empezará con una trepidante persecución para inducirnos a un estado de tensión que nos promete mantener durante los 110 minutos que dura la película. Suena bien.
Para conocer más datos sobre la película, el rodaje, actores y producción, puedes consultar la página web de Warner Bros.
El diario francés L’Humanité ocupa un lugar especial en la historia del periodismo tanto de Francia como del mundo. Esto se debe no solamente a su longevidad, que se cifra en 117 años de publicación, sino también a su vinculación con la arena política de Francia y el mundo en general en su condición de publicación de izquierdas. Su visible y notorio compromiso con el izquierdismo es un rasgo que le ha dado al diario uno de los rasgos que marcan su identidad, este es, su capacidad crítica.
Brevemente se resumirá la historia de este diario francés desde sus orígenes hasta la actualidad. Como se verá a continuación, la vigencia de L’Humanité ha estado sujeta a los cambios históricos y políticos que ha experimentado Francia y el mundo desde inicios del siglo XX hasta el presente, cambios que han involucrado la Segunda Guerra Mundial, el auge del socialismo en Francia y la caída de la Unión Soviética como algunos eventos importantes.
Antes y durante la Segunda Guerra Mundial
L’Humanité fue fundado en 1904 por Jean Saures, que por ese entonces era el líder del Partido Socialista Francés, organización que él había fundado 2 años antes, y también líder de la Sección Francesa de la Internacional de Trabajadores (SFIO por sus siglas en francés). El mismo Saures fungiría como editor del diario hasta el 31 de julio de 1914, día en que sería asesinado por un nacionalista francés.
Aunque inicialmente era un diario de corte socialista, L’Humanité se alineó con el comunismo francés poco después de que la SFIO se dividiera en 1920 en el Congreso de Tours. En ese momento, el diario pasó a manos de la nueva Sección Francesa de la Internacional Comunista (o SFIC por sus siglas en francés), formada por la mayoría de los miembros de la SFIO. La SFIC pasaría a ser el Partido Comunista de Francia y, en consecuencia, L’Humanité se convertiría en el diario del comunismo francés, más allá de sus orígenes socialistas.
La estabilidad financiera del diario estaría profundamente ligada con aquella del Partido Comunista. En los años 20, cuando el partido estaba aislado dentro del sistema político francés, el diario era mantenido principalmente con base a las donaciones de sus miembros, contribuciones que le permitían seguir circulando con relativa normalidad.
Con el surgimiento del Frente Popular en 1936, el estatus y la circulación de L’Humanité tuvieron un auge importante. Este fue un periodo en que varios intelectuales de la nación contribuían y colaboraban con el diario, lo que le imprimió prestigio y relevancia en el entorno intelectual francés y europeo a mediados de siglo.
No obstante, esta popularidad renovada del diario se vería truncada con la ocupación alemana en Francia durante la Segunda Guerra Mundial, ocupación que se extendió desde 1940 a 1944. La administración nazi prohibiría la circulación de L’Humanité junto con otros diarios franceses a modo de suprimir determinadas tendencias políticas, pero esto probaría ser poco fructífero dado que el diariocircularía en la clandestinidad. L’Humanité volvería a circular sin restricciones poco después de la Liberación de París de 1944, batalla que dio por terminada la ocupación alemana en territorio francés.
Después de la Segunda Guerra Mundial
L’Humanité tendría un nuevo periodo de popularidad y prestigio en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Esto se debió principalmente a que el Partido Comunista de Francia se había convertido en la fuerza política dominante en la izquierda francesa, lo que hizo al diario francés una publicación de referencia dentro del sistema político de Francia y especialmente dentro la izquierda.
Con el objetivo de reunir fondos y garantizar su viabilidad financiera, L’Humanité empieza a organizar en el año 1960 el Festival de la Humanidad, un evento que combina actividades artísticas con debate y activismo político. Este evento, llevado a cabo por el Partido Comunista de Francia, se ha venido realizando anualmente desde entonces, convirtiéndose en un momento cumbre de la agenda política de la izquierda francesa, y en un lugar de encuentro común entre sus líderes.
A partir de los ochentas, el Partido Comunista de Francia sufriría un profundo declive de popularidad que también afectaría el renombre del diario francés, pero también a su viabilidad económica. Dicho declive obedecía al auge del Partido Socialista, que le quitaría al Partido Comunista un número importante de seguidores y militantes. Con un menor número de miembros, el Partido observó como la sostenibilidad financiera de su diario más emblemático se vería perjudicada.
No obstante, tanto el Partido Comunista de Francia como L’Humanité recibirían apoyo económico por parte de la Unión Soviética gracias a la afinidad ideológica existente. Dicho apoyo económico consistiría en subsidios regulares que se verían permanentemente interrumpidos con la desintegración de la Unión Soviética en 1991.
Poco después, en el marco del XXVIII Congreso del Partido Comunista de Francia que tuvo lugar en 1994, ocurriría una reorganización dentro de las filas del partido que tendría como consecuencia, entre otras, que la línea editorial L’Humanité ya no estaría gestionada por el propio partido, aunque éste seguiría cumpliendo funciones de editor. Con esto, el diario obtendría una mayor independencia del partido, aunque todavía estaría alineado con el comunismo francés.
L’Humanité en el siglo XXI
A inicios de siglo, L’Humanité se encontraba asediado por sus deudas, lo que llevaría al diario a tomar diferentes acciones. Una de ellas fue la venta de un 20% de sus acciones a un grupo de inversores, lo que supondría un giro irónico en su historia dado que el capital privado sería instrumental en la salvación de una publicación de izquierda.
El diario también se vio forzado a vender su sede original en Saint-Denis para saldar su deuda, que por entonces rondaba los 8 millones de euros. El plan era concretar la venta y mudar la redacción a un edificio próximo al Estadio de Francia, en París, pero la operación no pudo concretarse, lo que puso a la publicación en una situación económica alarmante.
En este contexto, tanto el diario como el Partido Comunista Francés lanzaron una campaña para garantizar la supervivencia del primero, incentivando las suscripciones de la publicación con el objetivo de reunir más de dos millones de euros en menos de 3 meses. Dicha campaña tiene éxito moderado al reunir solamente 1,25 millones en menos de un mes, lo que era suficiente para pagar nómina y los costos operativos inmediatos, mas no para asegurar la supervivencia del día a día.
A pesar de lo anterior, la primera década del siglo XXI no sería del todo mala para el periódico francés, que experimentaría un periodo de expansión y actualización con la inauguración de su propio portal web con versiones gratuitas de las ediciones del periódico impreso. En esta expansión se encuentra también L’Humanité en español, la versión en castellano del original francés y que tuvo lugar a partir de la contribución de voluntarios del partido.
Actualmente, la directiva de L’Humanité está renegociando la deuda del periódico, que tenía una deuda de alrededor de 7 millones de euros para 2019. Dicha directiva cuenta también con un plan de continuación del diario que todavía no ha sido ejecutado, pero que ya fue validado por un tribunal francés.
Con los años, L’Humanité se ha convertido en una insignia del comunismo francés y de un sector social importante del país europeo, lo que se expresa en el apoyo que ha recibido la publicación a lo largo de su historia. Su longevidad en el tiempo no ha estado precisamente marcada por la estabilidad y la ausencia de conflicto, pero que haya podido superar las adversidades que se le han presentado es un indicador de la perseverancia de su directiva y su sentido del deber hacia sus lectores.
La Rafle es una película francesa estrenada en 2010 dirigida por Roselyne Bosch. La Rafle ofrece una mirada a la historia de la Francia de la ocupación nazi a partir de la caracterización de la Redada del Velódromo de Invierno del año 1942, que fue un arresto masivo de judíos franceses en la París ocupada por el ejército nazi en el marco de la Segunda Guerra Mundial.
Con un elenco de estrellas conformado por Melanie Laurent, Jean Reno, Sylvie Testud y Gad Elmaleh, la película está basada en la historia real de uno de los niños que estuvo involucrado en el arresto masivo a los judíos franceses, relatando lo ocurrido dentro del Velódromo y también el destino de los niños y adultos arrestados.
Trama
Jo Weisman, un joven parisino de origen judío, es arrestado junto con su familia por oficiales alemanes y colaboradores de la Francia de Vichy en el marco de la Redada del Velódromo de Invierno. En ese lugar se encuentra Annette Monod, una enfermera de origen protestante, que acudió voluntariamente para tratar a los enfermos junto con el Dr. David Sheinbaum.
El Velódromo es un punto intermedio dado que tanto el doctor Sheinbaum como la familia de Jo serán transferidos al campo de concentración de Beaune-la-Rolande. La enfermera Monod acude también al campo, donde se propone a atender a los niños y adultos que se enferman como consecuencia de las condiciones de vida y de la dieta a la que son sometidos allí.
En este punto, los padres de los niños son llevados por tren para “trabajar en el Este”, así como el Dr. Sheinbaum. Este es solo un eufemismo para encubrir que ellos serán llevados a los campos de exterminación. Inicialmente, Monod quiere ir también, pero el doctor la convence de lo contrario, quedándose en última instancia con los niños.
Un tiempo después, las autoridades del campo en que se encuentran los niños indican que ellos serán reunidos con sus padres en el Este debido a razones humanitarias. No obstante, se descubre que sus padres ya han sido asesinados, y que ellos son los siguientes.
Sin embargo, hay niños que sí creen en la información ofrecida y que se imaginan reunidos con sus padres. Sin embargo, Jo escapa del campo junto con otro niño llamado Pavel, escapando así de este destino. Jo utiliza un dinero guardado por su familia en los retretes del campo, lugar donde ocultaron también objetos de valor.
Los niños son llevados al tren que los conducirá al campo de exterminio. Por su parte, Monod es tratada por ej doctor a raíz de que ella se ha informado. Dicho doctor le comenta que la Resistencia se ha enterado del auténtico destino de los judíos deportados. Sabiendo esto, y pese a su condición, Monod corre para alcanzar a los niños, pero el tren ya había partido.
Después de la guerra, se descubre que Jo sobrevivió y que está próximo a ser adoptado por una familia. También sobrevive un niño llamado Noé, que también fue cercano a Monod durante su estadía en el campo de concentración.
La Redada en la vida real
La verdadera de Redada del Velódromo de Invierno tuvo lugar entre el 16 y 17 de julio de 1942 en el marco de la llamada Operación Brisa de Primavera (Opération Vent Printainer). El nombre de «Velódromo de Invierno» surgió porque la mayoría de las víctimas fueron confinadas temporalmente en ese lugar.
La Redada del Velódromo fue una de las varias que tenían el objetivo de erradicar la población judía tanto en la Francia ocupada por los nazis como en la Francia libre, y no fue la primera en su tipo. Ya en mayo de 1941 había ocurrido la Redada del tiquete verde, donde 3.747 fueron arrestados.
En total, 13.152 fueron arrestados durante la Redada. De acuerdo con informes, el 44% de ellos eran mujeres, y el 31% niños. Muchas familias fueron separadas en esta operación, y la mayoría de ellas no volvieron a reunirse.
El gobierno de Francia pasó muchos años sin emitir una disculpa pública por la actuación de la policía francesa durante la redada con el argumento de que la República francesa instaurada después de la guerra no tenía por qué disculparse de las acciones de la Francia de Vichy, un Estado que la República no reconocía.
Sin embargo, está posición cambiaría el 1995, cuando el primer ministro Jacques Chirac afirmó de que era momento para Francia de enfrentar su pasado, lo que lo llevó a reconocer el rol que «el Estado francés» había tenido en la persecución de judíos y otros durante la Segunda Guerra Mundial.
Producción de la película
Rose Bosch decidió hacer una película sobre los eventos que marcaron la Redada del Velódromo de Invierno porque sentía simpatía por las víctimas, y además por su cercanía con el evento; la familia de su esposo vivió cerca de donde la familia Weismann lo hacía. Por otro lado, su padre fue detenido en unos de los campos de concentración de Franco en España, por lo que sentía cierto vínculo con el tema.
A partir de ello, ella empezó a investigar los eventos alrededor de la Redada, llegando a contactar a Joseph Weisman y Annette Monod, cuyos relatos eventualmente llegarían a formar la base del guion. Gad Elmaleh, que no estaba del todo convencido de interpretar a padre de Joseph porque no quería hacer un rol dramático serio, finalmente terminó aceptando al leer el guion de Bosch.
La filmación de la película comenzó en mayo de 2009 y se extendió por 13 semanas. Para el filme participaron alrededor de 9.000 extras, y se reconstruyeron facsímiles del Velódromo de Invierno y un campo de concentración en Hungría. Alain Goldman, el esposo de Rose Bosch, fue el productor de la película.
El filme tuvo una buena recepción por el público y los críticos de Francia, que alabaron el componente emocional de la película y el protagonismo de los actores infantiles, así como la actuación en general del elenco. Sin embargo, opiniones menos favorables indicaron que la emoción presente a veces era simplificada a una simple disputa del bien contra el mal.
En todo caso, la película logró generar ganancias al acumular 25,3 millones de dólares en entradas, permitiéndole superar la cifra de su presupuesto, que fue de alrededor de 20 millones de euros.
Patrizia es una artista de circo de cincuenta y tantos años que vive en un parque de caravanas en San Basilio a las afueras de una dura y sórdida Roma, donde además han perdido recientemente la electricidad y el gobierno se ha negado a restablecer el servicio.
Su vida cambia totalmente cuando un día, en busca de su perro fugitivo, se encuentra a una niña asiática de dos años, aparentemente abandona, sentada en uno de los columpios del parque. Por una nota de la madre, donde dice que la buscará en unos pocos días, Patty entiende que no puede dejar a la nena sola.
Desde ese momento Patrizia se hace cargo de la niña llamada Asia y, con la ayuda de Tairo, un adolescente que vive con su abuela en una caravana vecina, emprenden la tarea de buscar a la madre de la pequeña.
Esta es la historia de “La Pivelina”: una mujer adulta que, por su edad ya no puede tener hijos ni adoptar, revitaliza su maternidad a través de la pequeña Asia, que con su encanto va enamorando no solo al resto de los personajes sino también al espectador.
Una inesperada intrusa
La cinta, dirigida por los artistas Tizza Covi y Rainer Frimmel, no es una película política, por el contrario narra la historia de un grupo de personas que se agradan y comparten a diario y cuyo lazo afectivo se va estrechando con la llegada de una “intrusa” demasiado encantadora como para querer separarse de ella.
“La Pivelina” que significa niña pequeña en la jerga romana es la ópera prima de la dupla Covi-Frimmel y muestra la transformación del trío principal de personajes en la medida en que se van relacionando con la niña. Con los días, el apego de ellos con la niña va creciendo, del mismo modo en que la Asia se va adaptando a su nuevo entorno.
Tairo termina “convirtiéndose” en ese hermano mayor que prefiere cuidar a la pequña nena antes que a su novia; y Walter, el marido de Patrizia, que antes se negaba a cuidar a Asia, y amenazaba con denunciarla a los autoridades termina rendido ante el encanto y picardía de la Pivelina.
Covi y Frimmel consiguen de Asia Crippa, una increíble y genuina actuación que conmueve y se roba el corazón de los espectadores. Por momentos la cinta logra crear una sensación de no estar frente a una historia de ficción; y muestra una cara realista y sincera de esa Italia que se aleja de la percepción de la “dolce vita”.
Bajo el sello de la productora Vento Film, la película de unos 100 minutos de duración contó con la participación de Patrizia Gerardi, Walet Saabel, Tairo Caroli y la pequeña Asia Crippa, quienes integraron el reparto de la cinta. El guión de la película estuvo a cargo de Tizza Covi.
Premios y reconocimientos
La Pivelina se estrenó en 2009 en el Festival de Cannes en la Quincena de los Realizadores, donde además obtuvo el reconocimiento Label Euroa Cinema como la mejor película europea.
Ese mismo año, la cinta fue galardonada con el premio Principado de Asturias al mejor largometraje del Festival Internacional de Cine de Gijón.
La protagonista del film, Patricia Gerardi, también resultó ganadora del premio a la Mejor Actriz por el conmovedor trabajo que logró encarar con la interpretación de Patty.
Por si fuera poco, el largometraje fue reconocido como mejor película en el Festival Internacional de Cine de Valdivia (2009) y en el Bimbi Festival (2010), en este último, Gerardi, también se alzó con el título de mejor actriz.
Otros galardones y reconocimientos recibidos por el trabajo de Covi y Frimmel fueron en el Festival Internacional de Cine Independiente IndiLisboa (2010) y por el Sindicato Nacional Italiano de Periodistas de Cine (2010).
El trabajo de la dupla Covi-Frimmel se basa, en gran medida, en esa sensación de intimidad que muestran a lo largo de la película. Emplearon material de 16 mm y tomas de mano para rastrear y retratar la cruda realidad de los personajes marginales en locaciones auténticas y sinceras.
Tal como se acostumbraba en los primeros pasos del neorrealismo italiano a mediados de la década de 1940, Covi y Frimmel alternaron escenarios de estudio con locaciones reales, y fusionaron el trabajo de actores profesionales con miembros del elenco amateurs, para mostrar los episodios melodramáticos con un realismo descarnado.
Movimiento del Neorrealismo italiano
El cine neorrealista italiano se caracteriza por tener una visión directa, con escenarios naturales, que aborda de forma casi íntima temáticas sociales de la vida de la clase trabajadora. Su estilo se acerca al documental, y suele contar con actores no profesionales que trabajan junto a los actores consagrados.
Además, las películas iniciales del neorrealismo italiano manejaban bajos presupuestos de producción y aprovechaban al máximo la luz natural en los rodajes para darle una mayor naturalidad a las tomas.
Artistas de la talla de Roberto Rossellini, Guisseppe De Santis y Luchino Visconti fueron percursores de este estilo cinematográfico que luego fue reconocido como la época dorada del cine italiano.
Películas como Roma Ciudad Abierta (1946), El Limpiabotas (1946) o El ladrón de bicicletas (1948) son las más grandes referencias de esas manifestaciones cinematográficas representativas de las duras luchas de la clase trabajadora italiana de esa época.
El movimiento artístico nació luego de la Segunda Guerra Mundial en Italia, como respuesta a las limitaciones y necesidades de los directores de cine italianos en la industria transalpina de la época.
A través de las películas, se mostró una nueva óptica de las luchas del mundo real y de las realidad sociopolíticas de aquellos años que se alejaban de la frivolidad que mostraba el cine realizado durante la guerra, como “teléfono blanco”.
El reconocimiento internacional del movimiento se dio a partir de 1946, cuando la película “Roma, Ciudad Abierta” de Roberto Rossellini ganó el gran premio en el Festival de Cine de Cannes.
Con los años, el cine neorrealista italiano logró influir en directores de otros países como el caso de las primeras películas de Berlanga y Bardem en la nouvelle vague francesa, el cine inglés, brasileño, indio y hasta el iraní.
Ramona y su hermana, cuyo título original es ‘Ramona and Beezus’ es un film basado en la obra de Beverly Cleary.
La película está protagonizada por Joey King y Selena Gomez, y cuenta la historia de Ramona Quimby (Joey King), una niña de nueve años que tiene como único objetivo despeinarte. Ella comparte una habitación con su hermana mayor, Beatrice «Beezus» Quimby (Selena Gomez) que trata de controlar las travesuras de la menor que generan mucho risa y confusión.
Se dan cambios radicales en la vida familiar cuando el padre, Robert Quimby (John Corbett), pierde su trabajo y su madre, Dorothy Quimby (Bridget Moynahan), está en paro. Ramona comienza a hacer todo lo posible para tratar de salvar la vida de la familia, y que no corran el riesgo de perder la casa donde viven.
La chica tiene como amiga leal a su tía Bea (Ginnifer Goodwin), que vive en su ex-novio Hobart (Josh Duhamel), protagonista de muchas escenas divertidas. No hay límites en la imaginación de Ramona que logra convertir las actividades de cada día en una aventura.
Intencionalmente cruda y con duras lecciones de vida que cuestionen la familia americana, Ramona y su hermana sigue siendo una película familiar que no deja nada que desear. Es una historia sencilla que finalmente logra emocinar al espectador. Diversión asegurada para el domingo por la tarde.
